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SELLO BEE GEES. Filatelia musical.

SELLO BEE GEES


Original sellos de la Isla de Man de Bee Gees, representa un disco .
Bee Gees es uno de los grupos de mayor vida dentro de la música. Barry, Robin y Maurice han hecho historia con grabaciones que abarcan un período de más de 40 años. Historia de éxitos permanentes, desde aquel New York mining disaster 1941, hasta la explosiva fiebre de la música disco de los años 70; desde su regreso al nº 1 con You win again, hasta los años 90 con discos tan innovadores como High civilization o This is where I came in. Bee Gees ha vendido más de 110 millones de discos en toda su historia, de los cuales unos 40 pertenecen a la banda sonora Saturday night fever (1977), la más vendida de la historia. Hay una etapa, no tan conocida por algunos, que abarca la década de los 80. Durante esos años, el trío se centró en la composición y producción de álbumes de destacados solistas como Barbra Streisand, Dionne Warwick, Diana Ross o Kenny Rogers y Dolly Parton. También por esa década realizaron diversos trabajos como solistas. En 2001 editaron el doble álbum Their greatest hits - The record que resumía algo más de cuatro décadas de música y en el que incluyeron, además de sus grandes éxitos, esos temas que compusieron para otros y que nunca incluyeron en sus propios discos.
(26/06/2002)

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Grupo formado por los hermanos Gibb: Barry (nacido el 1 de septiembre de 1947 en Douglas, Isla de Man, Inglaterra) y los gemelos Robin (mayor por unos minutos) y Maurice (el 22 de diciembre de 1949, Douglas). El trío debutó en 1955 como los Blue Cats, interpretando versiones de Tommy Steele y Lonnie Donegan, en el Club Manchester, donde su padre Hugh, dirigía la Hughie Gibb Orchestra. Su madre, Barbara, era cantante.


En 1959, poco después del nacimiento de su último hermano, Andy, los Gibb emigraron a Brisbane (Australia). Todos los domingos actuaban en el Speedway Circus de Brisbane y se hacían llamar Rattlesnakes. Conocieron entonces a Bill Good (organizador de carreras de caballos) quien les presentó al DJ Bill Gates. Poco después Bill se convirtió en su mánager y ponía las grabaciones de los Gibb en su programa de radio Clatter Chatter en la emisora 4KQ. Interesado en la música de los hermanos, Good les puso el nombre de B.G's, por las iniciales suyas y las de Gates, y no por las iniciales de Brothers Gibb, como popularmente se cree.


Llegó entonces el debú en televisión, en el programa Anything goes, y también hicieron asiduas apariciones en otro show del canal BTQ7. Después se instalaron durante seis semanas en el Hotel Beachcomber, en Surfers Paradise, Brisbane.

En 1962 se trasladaron a Sidney, donde tocaron en el Sidney Stadium en un concierto cuyo cabeza de cartel era Chubby Checker, ya entonces se llamaban The Bee Gees. Comenzaron a escribir y su primera composición fue Let me love you. También disfrutaron del primer éxito en listas de una de sus canciones: Starlight of love de Col Joye se situó en lo más alto de las listas australianas.


En 1963 fueron fichados por Festival Records y publicaron varios singles, entre ellos Wine and women.

En 1965 se unieron al director musical Bill Shepherd y al productor Ozzie Byrne y firmaron con Spin Records. Tras lanzar varios singles, que subieron a las listas australianas, grabaron su undécimo sencillo, un tema escrito por Barry llamado Spicks & specks.

En 1967 el grupo regresó a Gran Bretaña tras un viaje de cinco semanas en barco y con Spicks & specks liderando las listas australianas. Por ese tiempo, el empresario musical Robert Stigwood, un consumado showman, se había asociado a Brian Epstein en NEMS Enterprises (la compañía que llevaba a The Beatles).

Stigwood era un australiano que había cambiado Adelaide por Londres en 1956, y tras ver a Bee Gees en una audición en el Saville Theatre de Londres, estuvo inmediatamente seguro de su éxito. Entonces se convirtió en su mánager y les consiguió un contrato discográfico con el sello Polydor. Como Barry dijo después: "Robert nos abrió muchas puertas e hizo que las cosas ocurrieran como nadie más lo hubiera hecho". Volvió a publicarse Spicks & specks y no fue precisamente un éxito mundial. Sin embargo, el siguiente single, New York mining disaster 1941, lanzado en abril de 1967, triunfó a ambos lados del Atlántico.


El álbum Bee Gees 1st (1967) impulsó igualmente la carrera del grupo, llegando al nº 7 en Gran Bretaña y al nº 8 en las listas americanas.

En 1968 se publicaron cuatro álbumes de Bee Gees: Horizontal, Idea y dos colecciones de temas de álbumes australianos titulados Rare, precious & beautiful (Volumen 1 y 2). Ese año Barry, Robin y Maurice ofrecieron conciertos en radio y televisión e incluso encontraron tiempo para escribir canciones para otros artistas. Como explicaba Robin: "Escribimos sobre todas las cosas, sobre lo que ocurre día a día, experiencias personales, cualquier cosa que hayamos escuchado en las noticias o leído en los periódicos. Algunas veces escribimos canciones basadas en nuestras opiniones personales. Solíamos componer de forma individual, pero ahora, cada nueva composición de los Bee Gees se hace en conjunto".


En 1969 llegaron Rare, precious & beautiful, Vol. 3, el doble álbum Odessa y Best of The Bee Gees, una compilación de los grandes éxitos de su carrera.

En los años 70 fue inevitable que el éxito se les subiera a la cabeza. El ego juvenil, entre otras cosas, hizo que se produjera una ruptura temporal. Robin publicó un álbum en solitario, Robin reign, mientras Barry y Maurice continuaron como Bee Gees y grabaron el álbum Cucumber castle (de ahí que en la portada en la que aparecen vestidos de caballeros medievales, sólo salgan Barry y Maurice). Maurice co-protagonizó el musical del West End "Sing a Rude Song" y se encargó de su banda sonora. Ambos grabaron, igualmente, álbumes en solitario, pero justo cuando Robin hizo su segundo disco, los hermanos decidieron reunirse de nuevo. Una serie de singles de éxito siguieron a continuación, así como los álbumes "2 years On", "Trafalgar", "To Whom It May Concern" y "Life in a Tin Can". Pero cuando el álbum, titulado de forma caprichosa "A Kick in the Head is Worth Eight in the Pants", fue rechazado por su compañía de discos, llegó el momento de un cambio de dirección hacia un sonido más R&B. Igualmente buscaron un nuevo productor. Según dice Maurice: "Cuando comenzamos a trabajar con Arif Mardin, todo cambió. Arif modificó la química del grupo". "Mr. Natural" fue el álbum de transición, pero "Jive Talking", de su sucesor "Main Course", llevó el nuevo sonido de Bee Gees a las radios.


Desde ese momento, y comenzando con "Children of the World" y "Here At Last-Live", los años 70's fueron de Bee Gees. Stigwood les pidió entonces que escribieran canciones para una película que él mismo iba a producir, "Saturday Night Fever", que se convirtió en la banda sonora más vendida de todos los tiempos. Además de escribir y producir los éxitos de Ivonne Elliman ("If I Can't Have You") y Tavares ("More than a Woman"), Bee Gees grabaron varias canciones para ese disco, como "Staying Alive", "Night Fever" o "How Deep Is Your Love". Cuando la película se estrenó en 1977, no sólo asentó la carrera en Hollywood de John Travolta, sino que revitalizó la escena de la música disco, creando furor por el baile y estableciendo una moda que influyó más allá de los 70's. La banda sonora rápidamente se convirtió en un documento definitivo de la era de la música disco, liderando las listas durante 24 semanas.


Bee Gees se hicieron las mayores estrellas musicales del momento. El primer single, "Staying' Alive", fue solo uno de los tres números 1 del álbum; le siguieron "How Deep Is Your Love" y "Night Fever". Después del tropezón que para ellos supuso su participación y protagonismo junto a Peter Frampton en el filme musical "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", regresaron en 1979 con "Spirits Having Flown", otro enorme éxito que incluía los números 1: "Tragedy", "Too Much Heaven" y "Love You Inside Out".


Ese mismo año vio la luz un doble elepé antológico que recopilaba veinte grandes canciones como "You Should Be Dancing", "Too Much Heaven", "If I Can't Have You", "More Than A Woman" y "Nights On Broadway", entre otras. Su hermano pequeño, Andy, había también comenzado un meteórico ascenso a la cima. Su primer single "I Just Want To Be Your Everything", fue el primero de tres números 1 consecutivos en las listas norteamericanas, convirtiéndose así, en el primer solista que consiguió llegar a lo más alto con sus tres primeros singles. Desgraciadamente, las drogas y el alcohol acabaron con la salud y la vida de Andy Gibb. El pequeño de los hermanos Gibb murió en 1988 a los 30 años. Su padre, Hugh nunca superó esa pérdida y falleció cuatro años más tarde.


Después del tremendo éxito conseguido, Bee Gees sufrieron un retroceso en su carrera en los años 80 y las emisoras de radio americanas no quisieron poner la música de su álbum "Living Eyes". Aunque su sonido continuaba derivando de las raíces del R&B, todo el mundo les relacionaba con la música de baile, lo que no les favorecía en absoluto. No se desanimaron por ello, y se centraron entonces en la composición y producción de otros artistas, creando brillantes trabajos aclamados por la crítica: Barbra Streisand ("Guilty"), Dionne Warwick ("Heartbreaker"), Kenny Rogers y Dolly Parton ("Island in the Stream") y Diana Ross ("Chain Reaction"), entre otros. Emprendieron proyectos en solitario: Robin con sus álbumes innovadores en técnicas de grabación, en los que utilizó por primera vez el sampler ("Secret Agent" y "Walls Have Eyes"), y Barry con sus trabajos "Now Voyager" o "Hawks", este último, banda sonora de una película producida por él mismo.


Cuando regresaron de nuevo en 1986 con el álbum "ESP", fueron calurosamente acogidos en todo el mundo. El single "You Win Again", fue un nº1 en todas partes, menos en Estados Unidos, donde todavía estaban "empachados" de la época de la música disco de los Gibb. Tras la muerte de Andy, Maurice recayó en el alcohol y Bee Gees se retiraron por un tiempo, hasta que en 1989, resucitaron con "One", otro éxito en Europa. Después de "High Civilization" en 1991 y "Size Ins't Everything" en 1993, llegó otro período de hibernación, antes de su retorno en 1997 con "Still Waters Run Deep", cuyo lanzamiento coincidió con su entrada en el Rock and Roll Hall of Fame.


Ese año también recibieron numerosos premios en reconocimiento a toda su carrera por parte de los American Music Award, los Brit Awards, los German Bambi Awards, los Word Music Awards y los Australian Record Industry. A finales de 1991 apareció el cedé "Bee Gees Story" que recogía veinte de sus más grandes canciones escritas desde sus comienzos como "Holiday", "Massachussets", "I Started A Joke", "Jive Talking" y "Tragedy", por citar algunas. En una ocasión Barry dijo: "Lo que más temo es que nosotros siempre seremos los Bee Gees...y no podremos seguir así pasados los 40. No quiero acabar mis días cantado en Las Vegas". Pero Barry no podía imaginar entonces que Las Vegas fue el escenario de un enorme triunfo de Bee Gees en 1997, 30 años después de su primer éxito internacional, cuando el grupo realizó su primer gran concierto en América desde 1989, "One Night Only", filmado y emitido mundialmente. El concierto se grabó igualmente para publicarse en CD, en vídeo doméstico y en DVD. Ese concierto en el MGM Grand Hotel fue mucho mas lejos que las actuaciones en nightclubs que Barry quería evitar años atrás.


El éxito conseguido les proporcionó el impulso que necesitaban para organizar una serie de conciertos "One Night Only", que les llevaría a todos los continentes. Con el álbum "One Night Only", Bee Gees conmemoraron su 30 aniversario dentro de la música e incluían sus canciones de siempre: "Massachussets", "To Love Somebody", "Words", "Closer Than Close", "Jive Talking", "Stayin' Alive", "Night Fever" y "Tragedy", entre otros. Bee Gees han terminado de grabar un nuevo disco. La fecha prevista de lanzamiento se ha trasladado al 2001 y se titulará "This is Where I Came In". Aunque anteriormente se iba a llamar "Technicolor Dream" , finalemente se cambió debido a que Technicolor es una marca registrada. La presentación en los juegos Olímpicos que el grupo tenía planeada, fue cancelada debido al cambio de fecha en el lanzamiento del álbum.

Discografía de Bee Gees:

- Bee Gees 1st (1967)

- Horizontal (1968)

- Idea (1968)

- Best of The Bee Gees (1969)

- Odessa (1969)

- Cucumber castle (1970)

- Trafalgar (1971)

- To whom it may concern (1972)

- Best of The Bee Gees Vol. 2 (1973)

- Life in a tin can (1973)

- Mr. Natural (1974)

- Main course (1975)

- Children of the world (1976)

- Here at last... Live (1977)

- Saturday night fever (1977)

- Sesame Street Fever/Sgt. Peppers Lonely Hearts (1978)

- Spirits having flown (1979)

- Greatest (1979)

- Living eyes (1981)

- Staying alive (1983)

- E.S.P. (1987)

- One (1989)

- High civilization (1991)

- Size isn't everything (1993)

- Still waters (1997)

- One night only (1998)

- This is where I came in (2001)

- Their greatest hits: The Record (2001)

Midis películas. Página buena

En esta página muchos midis de películas.

MIDIS

Midis peliculas

midis peliculas
Midi Casablanca

Patum

PATUM

Conjunto de bailes antiguos que también se denominan bulla.Entre aquéllos figuraban los gigantes y cabezudos,diablos,moros y cristianos, etc. En berga se ejecuta anualmente la patum en la festividad del Corpus.

Ayuntamiento de Berga

Patatuf

PATATUF

Baile popular catalán, de movimientos muy simples; se distingue en que uno de los movimientos consiste en palmotear a compás de la música las parejas de bailadores, lo cual, sin duda, le ha dado ese nombre.



Grupo El Cabirol

Patatú

PATATU

Danza popular española propia de la región andaluza. Su origen en muy antiguo , pues se tienen noticias de ella en el año 1600. Se bailaba en pueblos de la provincia de Córdoba, Presenta alguna analogía con la espatadanza de los vascos por bailarse blandiendo o esgrimiendo espadas los bailadores. En nuestros días se ha transformado en una danza que sólo se bailaen alguna fiesta religiosa dedicada a algún santo, y se acompaña con guitarras, bandurrias, panderetas y triangulo.

La Danza del Patatu; orgullo de Obejo
11 al 14 de julio / Obejo - Cordoba
La Danza del Patatu; orgullo de Obejo
La localidad cordobesa de Obejo celebra del 11 al 14 de julio sus fiestas más señaladas en honor a San Benito, en las que el acto central es la representación de un curioso ritual al que se conoce con el nombre de “El Patatú”.
La localidad cordobesa de Obejo celebra del 11 al 14 de julio sus fiestas más señaladas en honor a San Benito, en las que el acto central es la representación de un curioso ritual al que se conoce con el nombre de “El Patatú”. Para comprender su origen hay que remontarse a mediados del siglo XIX, más en concreto al viaje de novios de Isabel II, en el que unos mozos del pueblo les ofrecen esta bonita danza. Se le conoce con el nombre de Bachimachía, se baila con espadas y el ritmo lo marcan el pandero, acordeón, bandurria, pandereta y laúd. El momento más importante del ritual es el conocido como deguello o patatú, en donde una encrucijada de espadas se teje entorno al maestro, que a su vez simula la muerte para finalmente liberarse de las espadas dando saltos y riendo. “El Patatú” tiene lugar el Domingo de Ramos y el 11 de julio, día de San Benito, durante la procesión el santo viste decenas de billetes que los feligreses colocan sobre su manto. Trás “El Patatú” el pueblo de Obejo queda inmerso en cuatro días de fiesta en los que no faltará la diversión, la alegría y la música de charangas y orquestas que sin duda aportan la nota más colorista de las fiestas.

Pueblo de Obejo

Villanela

LA VILLANELA

Las villanelle alla napolitana, que tuvieron algún éxito hacia mediados del siglo XVI, eran pequeñas composiciones a tres, y a veces cuatro ,voces, desprovistas de todo interés armónico o contrapuntístico, y que solo gustaban porque eran fáciles. R. Giovanelli compuso un libro un libro de 22 piezas a tres voces , tituladas Villanelle e arie alla Napolitana, de las que se hicieron varias ediciones desde 1588. Segismundo de India publicó dos libros de composiciones de esta clase a tres voces, en 1610 y 1612; Villanelle alla Napolitana; Luca Marenzio , Primer libro de Villanelle a tres voces, 1584, y Quinto libro en 1587. Las Villanelle o canciones campestres estuvieron de moda en Francia bajo el reinado de Enrique IV. Algunas de ellas se conservaron hasta principios del siglo XVIII, y fueron englobados bajo el titulo de brunettes, o peuqeñas canciones tiernas, en las recopilaciones anónimas de Ballard. La villanella era una pequeña canción tierna, muy sencilla y fácil de cantar.

Napolitana

NAPOLITANA

Pequeña composición vocal profana, generalmente a tres voces. J. Celano publicó, en 1582, un libro entero de napolitanas; S. Cornet , 1563, uno a cuatro voces, y en los libros de Villotte o de Azzaoilo (1557) de B. Donato (Canzon Villanesche alla Napolitana) a cuatro voces en 1551 (V. Villanela); de Ferretti (Canzone alla Napolitana ) a seis voces, a cinco voces , después de 1565 poco más o menos y J.Macque, a seis voces (1581 y siguiente).Ir a Villanella

Modelo partitura. Piano, clave de sol y de fa.

Para tocar el piano nos fijaremos en una partitura base con dos pentagramas, uno en cla de sol mano izquierda, y otro en clave de fa . En el anterior blog este artículo se puso de este modo:

Modelo partitura para los ejercicios de piano.
36 compases, primero en la tonalidad DO, sin ninguna alteración.

Liszt, Franz o Ferenez

Liszt

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Franz Liszt

(Raiding, actual Hungría, 1811-Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

Paradigma del artista romántico, fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo, Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini. La audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso: desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín. Y lo consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie d’Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.
La producción de Liszt es muy considerable, y se da el caso de que, mientras como virtuoso desperto la admiración general, como compositor sus obras han dado lugar a discusiones, especialmente sobre sus transcripciones de óperas.
Varias obras de Liszt


Sinfonia del Fausto
Sinfonia del Dante
Varios poemas sinfónicos (Hungría- Hamlet- Die Ideale- Orpheus )
Arreglos para orquesta (4 marchas Schubert- 4 caciones Schebert)
Conciertos (1 en Eb, 2en LA Fantasia húngara, Malédiction..)
Varias obras para piano
Estudios
Rapsodias y melodias nacionales (napolitana- La Marseillaise-)
Liebesträume, 3 nocturnos.
Mazurka brillante
2 polonesas.
Valse impromtu
Via crucis
Gran solo de concert
Romance oubliée
Grande valse de bravura
Transcripciones de obras instrumentales (variaciones sobre un vals de Diabelli- Tarantella de César Cui- seis preludios y fugas de Bach- Obertura para Guillermo Tell de Rossini, primer arreglo- Melodías húngaras dos libros de Schubert-) y muchas más trascripciones.

Transcripciones para óperas
Transcripciones de canciones
Oratorios y otras obras religiosas (La leyenda de Santa Isabel- Chistus, oratorio, Misa de la coronación hungara- 12 motetes o corales- )
Música coral profana
Canciones (55 canciones reeditadas repetidamente en nuevas versiones).
Obras para órgano

Tiene tambien numerosos artículos y ensayos peblicados en periodicos musicales

Grito

Grito

Sonido inarticulado arrancado al hombre por el dolor o las pasiones. El esfuerzo vocal necesario para la produción del grito supera las condiciones normales de la emisión de la voz cantada. Los compositores que lo han introducido en escenas particularmente patéticas lo han indicado, en ocasiones, sin notarlo; así lo hizo Wagner en Tristan e Iseo, acto segundo, escena tercera, en que escribió sobre el pentagrama que contiene la parte de Bargaine: "da un grito agudo"; pero por lo común, el grado en que debe ser proferido el grito fijado por la notación. En algunas obras contemporáneas se observa el empleo de una forma de nota. Debussy figuró con una nota losanjeada el sol sobre el cual Melisande da un grito de espanto al ver a los tres pobres sentados en la gruta ( Pelléas et Mélisande, acto II, escena III). Dukas se sirvió del mismo signo para indicar el grito que dan las seis mujkeres, cuando Ariana rompe la ventana del subterráneo (Ariana y Barba Azul, acto II).

Se da el nombre de gritos a los sonidos vocales en que se diferencian musicalmente las inflexiones de la voz, sin que haya canto propiamente dicho.Tales son los gritos de los mercaderes y de los trabajadores de ciertos oficios, de los cuales han sacado magnífico partido descriptivo los autores de diferente épocas. Ya lo intentaron los contrapuntistas italianosdel siglo XV; en el siglo XVI, Clément Janequin hizo de los "gritos de París" el tejido musical de una de sus más célebres canciones a cuatro voces. Algunos motivos parecidos fueron lo que dió gran éxito a una escena de La Fanchonnette, de Clapisson (1856), antes de que fuesen encuadrados, con un arte maravilloso, en una escena de Louise, de G. Charpentier (1900).

El grito es emisión tambien de cada especie animal. El grito trasmitido por herencia, constituye un lenguage para los individuos de una misma especie. Su elemento primordial inmediatamente reconocible reside en el timbre, pero existe en las especies superiores una construcción melódica y rítmica. Aunque sea difícil reproducirlos musicalmente, los gritos de los animales han sido notados más o menos aproximadamente por numerosos compositores, que los han introducido en sus obras.

José Luis
Diccionario de la música : Michel Brenet edición 1946.

Falsete

Falsete  ( de mi antiguo blog)

Voz artificial que corresponde en el hombre a la voz de cabeza de la mujer, que aquélla imita. Este timbre especial se produce por una disposición particular de la hendidura glótica, que durante el acto de cantar en falsete, se halla estrechamente cerrada en su parte posterior. Los limites de la voz falsete cambian según los individuos. En las antiguas composiciones religiosas, casi toda la parte del soprano o de contralto era interrumpida por voces masculinas en falsete.



José Luis

Ampliar de Wikipendia

Falsete
El falsetto, o falsete en castellano, es una técnica vocal que se utiliza para alcanzar notas agudas más allá del registro normal del cantante, y también para dar registros agudos dentro del normal, pero con un volumen bajo.

Suele ser una voz menos potente, pero con un efecto sonoro impactante. No sólo se utiliza en el canto clásico, sino también en el "pop" y el "rock".En los graves el falsete recuerda un "hilo de voz", en los agudos (que suenan con más potencia) es una mezcla entre cantante de ópera y cantante de "rock" en un momento álgido de su actuación.

Un ejemplo claro de cantante en España que utiliza el falsete es Camilo Sesto en "Getsemaní"; si se escucha atentamente, en la canción hay tres momentos claros donde hace uso de esta técnica. Otro ejemplo significativo de un cantante que emplea y posee una increíble ejecución de esta técnica es Eric Martin, del grupo de Hard rock Mr.Big

También se refiere al miembro honorifico del llamado "Team Vodka" Raul Povedano por sus historias fantasiosas sobre mujeres agraciadas con el don de la simpatía que no con el de la belleza.

Equívoco

Equivoco

 
Facultad de un acorde de pertenecer, sin cambio, a más de una tonalidad. El acorde de do,mi,sol, colocado en el primer grado, es el acorde perfecto de tónica en el tono de do mayor; mas puede ser considerado como acorde de cuarto grado en el tono de sol mayor , de quinto grado en el tono de fa mayor y fa menor, y de sexto grado en el tono de mi menor. Este sentido múltiple , de un mismo acorde , o antifonía , permite la modulación llamada por el equivoco, que
Do,mi,sol : este acorde no tiene ninguna alteración. La tonalidad de sol mayor tiene en la armadura un F#, luego no varía el acorde do,mi,sol, que es el cuarto grado de sol. Fa myor tiene un bemol en la armadura el Bb, tampoco varía el acorde do,mi,sol, y así sucesivamente. Lo que pasa que en según que tonalidad representa diferente grado.IR A.....

Tonalidad

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Conjunto de sonidos, cuyo funcionamiento está regido por un sonido principal llamado Tónica.
La tonalidad se basa en siete sonidos llamados grados y que corresponden con los siete nombres de las notas. Se identifican con números romanos.
CLASES DE TONOS
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Una tonalidad puede tener varios modos , principalmente dos: modo mayor y modo menor.

GRADOS TONALES
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Son los grados que definen un tono y son los I;IV y V.

GRADOS MODALES
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Son los grados que definen el modo del tono y son: el III principalmente y los II,VI, y VII.

EL MODELO BASE
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En la música occidental se ha tomado como base el tono en modo mayor, de tal forma que, cuando nos referimos a un determinado tono, se sobreentiende que es mayor y no se dice lo contrario. El tono mayor se obtiene al ordenar los grados de forma que exista del III al IV un semitono y entre el VII y el VIII otro semitono.Y de tono los demás grados.

La escala sería DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI-DO DE MI A FA MEDIO TONO Y DE SI A DO OTRO MEDIO TONO.

Armaduras

Para lograr una escala mayor, desde una nota diferente a do, se tiene que hacer uso de alteraciones adicionales; el conjunto de las alteraciones necesarias para construir una determinada escala mayor se denomina armadura. La armadura se escribe inmediatamente después de la clave y su efecto es continuo hasta el fin de la obra. La colocación de las alteraciones que componen una armadura viene determinada por el denominado ciclo de quintas. El ciclo de quintas se obtiene colocando las notas a igual distancia una de la anterior, de manera que aparezcan los doce sonidos posibles.

Ejemplo de artículo antiguo blog. Cuatriadas.

Aqui se observa un dibujo musical . No se redirecciona para verlo mejor. Y además tiene equivocaciones-

Son acordes con séptima en este caso el acorde C7 es quinto grado de la tonalidad fa mayor. Dm7 es un segundo grado de Sib , dos bemoles en la armadura .

A la triada de do mayor (  do  mi sol)  si se le añade otra tercera tendremos un acorde de séptima, yo lo llamo cuatriada.  De que el acorde cuatriada sea mayor , menor, aumentado , disminuido dependerá de los intervalos de esas teceras sobre todo en el tercer grado y en el séptimo.

Lo explicaré más a fondo en un nuevo artículo, y lo aprenderemos mejor. Yo tambien estoy estudiando la teoría y los acordes.

EL ANTERIOR ARTICULO DICE ASÍ:

Rectificar error:

Donde pone subir una nota hacia arriba para completar la cuatriada, son dos notas, (una tercera). Ejemplo: Una triada do,mi,sol ---una tercera será el si. Tercera mayor el si, tercera menor el sib.

Tenor

Tenor

En las primeras composiciones armónicas o contrapuntísticas, el tenor era la parte más grave, el bajo de la armonía y del ritmo sobre la cual se disponían las demás voces, motete, triple, cuádruple. Los tenores eran, pues, independientemente de las naturaleza de las voces, melodías o fragmentos para desempeñar el papel de bajo o de parte fundamental. Tal era su signuficado en los siglos XIII y XIV, En aquella época, los músicos obtienen los tenores de dos fuentes: el canto liturgico y la canción profana. Cuando se escogía un tenor profano, en lengua vulgar,se le consevaba el ritmo. Cuando se sacaba del canto litúrgico, el discantor,, como no tenía que preocuparse de un ritmo inexistente, no pensaba más que en la sucesión melódica, cuya simetría rítmica él arreglaba a su manera e imponía al tema una forma modal (rítmica)que antes no tenía. Asi fue cómo los contrapuntístas se acostumbraron poco a poco al trabajo temático. El cantus firmus era trabajado como una materia inerte a la que el obrero da la forma y la vida. A partir de la Edad Media, puede verse que los contrapuntístas se copian mutuamente un mismo tema para tratarlo diferente. Hasta ahora se han encontrado seis formas diferentes del tenor Eius, fragmento del responsorio Stirps Jesse
(atribuido al Rey Roberto)en el manuscrito de Montpellier. Esta costumbre, convertida en ligaduras, ha hecho suponer una ejecución de formas que dan a unos mismos temas los compositores de los siglos XV-XVI.Por lo común los manuscritos sólo llevan la primera palabra del texto del tenor escogido: Aptatur o Haec diesetc. Esta ausencia de palabras, junto con la notación de ligaduras, ha hecho suponer una ejecución instrumental. Es una hipótesis discutible.


Otro significado más moderno de tenor:
Voz masculina elevada, situada sobre el barítono, y que corresponde aproximadamente a la de soprano en las mujeres y niños. Sin embargo, la voz de tenor con relación a las demás voces del hombre, es más elevada que el soprano en relación al agudo. La voz de tenor agudo era calificada antiguamente de contralto.
En el canto eclesiástico , se da el nombre tenor a la dominante del modo, o nota principal, sobre la que reposa o se sostiene la salmodia que se ejecuta.

José Luis.
Diccionario de la Música : Michel Brenet. Primera edición 1946.

Jhon Albercombrie.

El guitarrista y bajista, John Abercrombie, inició sus estudios musicales a los catorce años, si bien su autentico aprendizaje no comenzó hasta 1962, cuando entró en la Berklee School of Music. Estudió allí hasta 1966, bajo la dirección de Jack Peterson iniciando así una afortunada carrera como sideman y como solista. Después de tocar con el organista Johny Hammond, entró a formar parte de los "Dreams" un grupo de jazz-rock al que pertenecían también el batería Billy Cobham y el trompetista Randy Brecker; mas tarde se unió al batería Chico Hamilton, y al saxofonista Gato Barbieri para actuar en una edición del Festival de Jazz de Montreux.

En 1975 se incorpora al grupo New Directions del batería Jack DeJohnette con quien posteriormente y junto al contrabajista, Dave Holland, funda el grupo "Gateway". Abercrombie colabora también con el trompetista italiano, Enrico Rava, en cuyo grupo actuaría durante un largo periodo de tiempo. Instrumentista virtuoso y creativo, Abercrombie toca también además de la guitarra, el bajo eléctrico y un raro instrumento escasamente utilizado en jazz: la mandolina eléctrica. En mayo de 2003 participó en España en la 22 edición del Festival de Jazz del San Juan Evangelista, junto al organista Dan Wall y al batería Adam Nussbaum.


JOHN ABERCROMBIE


Disco

SOLAR "THE BEBOP ÁLBUM"

Jazz

Guitarristas de Jazz

Guitarristas de jazz

Jhon Abercombrie

WilliamAckerman
JanAckerman
Laurindo Almeida
Irving Ashby
Roberto Baden Powell
Spencer Barefield
Danny Barker
Everett Barksdale
George Barnes
Robbie Basho
Billy Bauer
Joe Beck
George Benson
Ed Bickert
Toto Blanke
Teddy Bunn
Kenny Burrell
Larry Carlton
Al Casey
Ed Cherry
Don Cherry
Charlie Christian
Cal Collins
Eddie Condon
Ry Cooder
Larry Coryell
Philip Catherine
Bill de Arango
Alex de Grassi
Al DiMeola
Joe Dorio
Ted Dumbar
Cornell Dupree
Eddie Durham
Herb Ellis
James Emery
Ron Eschete
Christian Escoudé
John Fahey
Tal Farlow
Boulou Ferré
Eric Gale
Egberto Gismonti
Freddie Green
Grant Green
Tiny Grimes
Jim Hall
Baird Hersey
Allan Holdsworth
Michael Gregory Jackson
Lonnie Johnson
Rodney Jones
Vic Juris
Barney Kessek
Steve Khan
Earl Klugh
LeoKottke
Vorkel Kriegel
Eddie Lang
Pat Martino
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Pat Metheny
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Oscar Moore
Joe Pass
Les Paul
Bucky Pizzarelli
Roland Prince
Jimmy Raney
Doug Raney
Django Reinhardt
Lee Ritenour
Howard Roderts
Terje Rypdal
Michael Sagmeister
Michael Santiago
John Scofield
Bud Scott
Bola Sete
Jane Shaffer
Sonny Sharrock
Johnny Smith
Les Spann
Johnny St. Cyr
Monette Sudler
Gabor Szabo
Jukka Tolnen
Ralph Towner
James Blood Ulmer
Chuck Wayne
Jack Wilkins
Atilla Zoller

La letra H en música-

La letra h

Novena letra del alfabeto introducida en la notación alfabética para representar el si natural, cuando fue abandonada la diferenciación del B rotundus y el B cuadrado o becuadro.

Fuentes: diccionario de la música.

Pachacona habas verdes

Pachacona y habas verdes
Habas Verdes - Baile Sanabrés -

La pachacona es un bailes propio de la provincia de Zamora . Suelen darle este nombre en algunas localidades para distinguirlo del llamado habas verdes. Es bailado igual que el zángano , de Valladoliz.
Habas verdesBaile cantado muy popular en Castilla, y que , siendo aúnde los más antiguos, ha llegado hasta nuestros tiempos Su nombre proviene del estribillo que se dice acompañado de castañuelas al son del pandero: Que toma las habas verdes
Que tomalas allá


ZánganoBaile castellano que se ejecutaba al son de las castañuelas y el pandero.

El gaitero de Sanabria - Julio Prada
Desde sus primeros pasos como gaitero fué el vecino de Robledo uno de los feudos del gaitero de Ungilde, según sus propias palabras tocaba en él más agusto que en el suyo. Así Julio llegó a dominar a la perfección y a conocer como nadie las tonadas, rondas y bailes más populares en Robledo. Allí llaman Habas Verdes a la tercera de las piezas del baile sanabrés. El tema que se recoge respondería a la composiciòn típica de la formación musical para el baile, gaitero, tamboril tocado por un hombre -en este caso el maestro Edelio González- y una mujer a la pandereta y el canto. La voz femenina es la de Maruja Piñero, uno de los más notables ejemplos del canto femenino acompañado de pandereta.

La letra n en música

La letra n
Decimosexta letra del alfabeto. Se utilizaba en algunas de las notaciones gregorianas como signo de matización y de interpretación rítmica, para indicar el matiz con naturalidad.