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miércoles, 13 de enero de 2016

Nat King Cole








Infancia y Chicago :
Su padre Don Edward Coles era carnicero y diácono en la Iglesia Baptista. Su familia se trasladó a Chicago cuando Nat era todavía un niño. Allí, su padre se convirtió en ministro de la iglesia y su madre, Perlina Adams, en la encargada de tocar el órgano de la iglesia. Fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida. Aprendió tanto jazz como música gospel, sin olvidar la música clásica.

La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.

Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la "s" de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de "King" (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en una gira junto a Eubie Blaker. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.


Los Ángeles y el "King Cole Trio" [editar]Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo "King Cole Swingers" con el que actuaron en numerosos locales. Nat se casó con Nadine Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde formó el "Nat King Cole Trio". El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al Bajo. El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.

A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de "Jazz en la Filarmónica" (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.

Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta "Sweet Lorraine" en 1940. Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante.

A principios de los años 40, el "King Cole Trio" firmó un contrato con la discográfica "Capitol Records" con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la "Capitol Records" era conocida como "la casa que construyó Nat".


Carrera como cantante [editar]Su primer éxito como cantante lo obtuvo con "Straighten Up and Fly Right", basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.

Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de "haberse vendido" a la música comercial.

Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del "Consejo de ciudadanos blancos" que pretendían secuestrarle. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.

Se casó por segunda vez con Maria Ellington con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.

En julio de 2003 musicólogos británicos encontraron importantes similitudes en la letra y los esquemas rítmicos de "Yesterday" y la canción "Answer Me" de Nat King Cole, lo que dio lugar a especulaciones de que McCartney había sido influido por esa canción [1]. Otros afirmaron que McCartney podría haberse basado inconscientemente en la versión de Ray Charles de "Georgia On My Mind" [2].

Una versión aún más confiable, ya que fue declarada por amigos del propio McCartney en 1995 pero con su anuencia, a 30 años de la edición de la canción, es que el sueño que había tenido aquella noche había sido con su madre, Mary Patricia Mohin, fallecida cuando él era un adolescente. El "¿Por qué ella tuvo que irse...?" y otras partes de la letra hacen referencia a su progenitora, y si bien se trata de una canción de amor, no lo es a una pareja sino como amor filial.


Nat King Cole en español [editar]En 1958, Nat "King" Cole extendió aun más su popularidad mundial a los países hispanoparlantes al grabar algunas de sus interpretaciones en español. Para ello, en estudios de La Habana (hoy pertenecientes a la discográfica cubana EGREM) y de México, grabó su primer LP en este idioma, titulado Cole Español haciéndose acompañar por la orquesta de Armando Romeu hijo y de un conjunto de mariachis, algo sorprendente en un artista proveniente del jazz. Este álbum le reportó tanto éxito que comenzaron a llegarle contratos para actuar en tales países. En este sentido, es de destacar que cuando Cole actuó en Caracas, en ese mismo año, contratado por el presentador de TV Renny Ottolina el cantante le preguntó por las canciones venezolanas más populares. El presentador respondió que el famoso vals venezolano Ansiedad (compuesto por José Enrique "Chelique" Sarabia) era una de ellas. Así pues, con la ayuda de Ottolina y de Sarabia, Nat "King" Cole aprendió frase por frase este tema, ya que no sabia hablar español y carecía de habilidades para aprender idiomas. Finalmente, este tema fue incluido en su siguiente álbum en español y portugués A Mis Amigos (1959). Este ciclo se cierra, con su última grabación en español titulada More Cole Español (1962).

Como curiosidad, cabe señalar que, en 1983, un empleado de la filial holandesa de su casa discográfica (Capitol Records) descubrió en los archivos, grabaciones de Cole que habían quedado inéditas a su muerte, entre ellos un tema en japonés, algunos en inglés y uno en español, titulado Eres Tan Amable. La disquera ordenó la emisión de un nuevo álbum con estas canciones, titulado "Nat King Cole: Unreleased". Después de la llegada de la tecnología del disco compacto fueron nuevamente editados estos temas.

A pesar de su acento peculiar, esto no fue obstáculo para popularizar diversos temas, entre románticos y bailables. Entre sus temas más conocidos en idioma español, destacan:

Fuentes : Wikipendia. Ir a la página.

sábado, 15 de marzo de 2014

Vincens Youmans


Youmans nació en la ciudad de Nueva York y creció en marcha en Central Park West en el sitio donde el Mayflower Hotel una vez estuvo. Su padre, un fabricante de sombreros próspero, se trasladó a la familia a la clase alta Larchmont, Nueva York . [ 2 ] Youmans asistió a la Escuela de la Trinidad en Mamaroneck , Nueva York, y Heathcote Hall en Rye, Nueva York . Originalmente, su ambición era convertirse en ingeniero, y asistió a la Universidad de Yale por un corto tiempo. Dejó los estudios para convertirse en un corredor de Wall Street firma de corretaje antes de que él fue reclutado para luchar en la Primera Guerra Mundial . Él se interesó en el teatro cuando produjo tropa muestra para la Armada. Después de la guerra, era un Youmans Tin Pan Alley canción plugger para la TB Harms Company y luego un pianista de ensayo para el compositor Victor Herbert operetas 's. [ 3 ] Él colaboró con el letrista Ira Gershwin en la banda sonora de dos niñas en azul , que ganó una amplia aclamación. Su siguiente espectáculo, con letra de Otto Harbach y Oscar Hammerstein II , fue Wildflower . Su éxito más duradero, sin embargo, fue No, No, Nanette , con letra de Irving Caesar . Este fue el mayor éxito de comedia musical de la década de 1920 en Europa y en los EE.UU. y sus dos canciones " Tea for Two "y" Quiero ser feliz "se consideran estándares. Desde 1927, Youmans también produjo sus propios espectáculos. Tenía otro gran éxito con Hit the Deck! (1927; incluyendo "Hallelujah"), pero sus producciones posteriores fueron un fracaso, aunque muchas de sus canciones siguen siendo populares. Sus últimas contribuciones a Broadway fueron algunas canciones de Take a Chance (1932). [ 4 ] Youmans colaboraron con los más grandes compositores de Broadway: Herbert Stothart , Otto Harbach , Oscar Hammerstein II , Irving Caesar , Anne Caldwell , Leo Robin , Clifford grises , Billy Rose , Edward Eliscu , Edward Heyman , Harold Adamson , Mack Gordon , de Buddy De Sylva y Gus Kahn . [ 3 ] primeras canciones Youmans 'son notables por su economía de material melódico: dos, frases de tres o cuatro notas se repiten constantemente y modificarse mediante cambios armónicos o rítmicos sutiles. En años posteriores, sin embargo, al parecer influenciado por Jerome Kern , se dirigió a largas penas de musicales y líneas melódicas más de flujo libre. [ 4 ] Youmans se retiró en 1934, después de una carrera profesional de tan sólo 13 años, sólo volver a Broadway para montar el espectáculo malograda El Ballet Revue Vincent Youmans (1943), una ambiciosa mezcla de música latinoamericana y clásico, Ravel 's Daphnis et Chloé . Con coreografía de Léonide Massine ., perdió algo de $ 4 millones [ 5 ] Más que cualquiera de sus contemporáneos, hace constante re-uso de un número limitado de melodías; publicó menos de 100 canciones, pero 18 de ellos fueron considerados estándares por ASCAP . [ 4 ] Murió de tuberculosis a los 47 años. A su muerte, Youmans dejó una gran cantidad de material inédito. En 1970, Youmans fue incluido en el Songwriters Hall of Fame .

Wikipedia

lunes, 15 de julio de 2013

Claude Gervaise. Renacimiento.



Claude Gervaise Claude Gervaise


(París, 1525 - 1583 )  fue un compositor, editor y arreglista de música renacentista , principalmente recordado por su asociación con el renombrado impresor Pierre Ataingnant, cómo así también por su música instrumental. 

Aun es poco lo que se ha investigado sobre su vida, y únicamente se conocen detalles de la época en que trabajó en París como asistente de Attaingnant. Aparece mencionado por primera vez en 1540, como editor de varios libros de danzas instrumentales impresos por Attaingnant. Luego de la muerte de Attaingnant, a finales de 1551 o 1552, Gervaise continúa asistiendo a su viuda en su negocio de publicaciones musicales.

 No se sabe a ciencia cierta qué fue de la vida de Gervaise después de su última mención como editor de los trabajos de imprenta en 1558. 

 La producción musical de Gervaise consiste en chansons y danseryes, la mayoría para tres o cuatro voces. No parece haber escrito música sacra, algo inusual para compositores de la época. Además de componer música, introdujo innovaciones en la notación de la música instrumental; en un manual para viola, (1548) se sabe que realizó la primera tablatura para ese instrumento en Francia. Sus canciones son de composición libre y la mayoría provienen de largos poemas. Publicó una colección de veinte canciones para cuatro voces en 1541. Las restantes canciones -para tres voces- son arreglos de las piezas anteriores para cuatro; ésta colección se publicó en 1550. Estilísticamente son típicas de las canciones francesas de la época: polifónicas pero concisas. Su música instrumental es lo más conocido de su producción. 

La mayoría está escrita para cuatro partes, y dirigida a la danza. Las principales formas empleadas son: pavana, gallarda y branle, incluyendo de éste último las variantes courante, gay, y simple'. Una de sus pavanas (Pavane Passemaize) incorpora la famosa, verdaderamente ubícua, línea de bajo del "Passamezzo antico". Las melodías son simples, y la textura es siempre homofónica, haciéndola ideal para la danza.

domingo, 26 de mayo de 2013

Videopartitura:Jules Massenet's Meditation Para piano solo.












 Jules Massenet
(Montaud, Francia, 1842-París, 1912) Compositor francés. La ópera tiene uno de sus creadores más sensibles y refinados en Jules Massenet, el más popular de los compositores franceses que han abordado este género después de Gounod y Bizet. Talento precoz, su primer contacto con la música se lo proporcionó su madre. Más tarde, a los nueve años de edad, fue admitido como alumno en el Conservatorio de París. Los años de estudio en esta institución se vieron culminados en 1863 con la concesión del prestigioso Gran Premio de Roma, que permitía a los galardonados residir durante una temporada en la Villa Médicis de la capital italiana.
A su regreso a París, Massenet compuso sus primeras óperas, La coupe du roi de Thulé (1866) y Le Grand-Tante (1867), las cuales, a pesar de contener pocos elementos que hagan presagiar su evolución posterior, denotan ya la espontaneidad e inspiración melódica que constituirán los rasgos más distintivos de su producción escénica.
A pesar del éxito de algunas de estas composiciones, su consagración como músico dramático no llegaría hasta el estreno, en 1884, de Manon, compuesta sobre la célebre historia de Manon Lescaut que también inspiraría a Puccini algunos años más tarde. A esta ópera le sucedieron otros títulos importantes como Le Cid (1885), Esclarmonde (1889) y, sobre todo, Werther (1892) y Thaïs (1894), dos obras que conservan aún hoy un puesto de privilegio en el repertorio de los grandes coliseos operísticos.

Mientras tanto, la carrera de Massenet había ido consolidándose también en el ámbito oficial, desde que en 1878 hubiera sido nombrado profesor del Conservatorio de París. De su producción hay que destacar también las óperas Chérubin (1905) y Don Quichotte (1910), una de sus últimas composiciones, y las orquestales Suites núms. 4 «Escenas pintorescas» (1874) y 7 «Escenas alsacianas» (1881), las dos eclipsadas por su legado dramático.

Fuentes: >Biografías.

miércoles, 10 de abril de 2013

Misa: Antonio Lotti.Kyrie


Partitura cantada virtualmente a 4 voces. Misa: Kyrie


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Biografía

Antonio Lotti (Venecia, 1667 – 5 de enero de 1740) fue un compositor italiano del Barroco tardío.
Antonio Lotti nació en Venecia. Luego de estudiar con Giovanni Legrenzi, hizo su carrera musical en la basílica de San Marcos, primero como cantante, luego como asistente del segundo organista, desde 1704 como segundo organista, y finalmente como maestro de capilla en 1736, cargo que mantuvo hasta su muerte. Estuvo casado con Santa Stella, notable soprano de la época.
Lotti escribió en una amplia variedad de formas musicales, incluyendo misas, cantatas, madrigales, alrededor de treinta óperas y música instrumental. Su música sacra coral es a menudo a capella.
Sus trabajos se consideran un «puente» entre la música barroca y la emergente música clásica.
Fue además un maestro notable, contándose entre sus alumnos a Domenico Alberti, Benedetto Marcello, Baldassare Galuppi y Jan Dismas Zelenka.

Diccionario de la música

lunes, 25 de marzo de 2013

Bach y Haendel



BACH Y HAENDEL
ACERCAMIENTO
No casual, no inoportuno, pero tampoco entendido como creación de un ideal paralelo, concepto que invalidaría el primer análisis serio de las obras y de los artistas: ambos, alemanes de Turingia; ambos, nacidos en 1685; ambos, ciegos en los últimos años de su vida. Bach y Haendel son dos cimas que descuellan en la historia de la música —y no solamente alemana— de la primera mitad del siglo  En su compleja producción polifónica resumen todo cuanto había sido intentado o realizado en el siglo anterior y lo perfeccionan con el poder de su genio arquitectónico e inventivo. Pero no pueden ser puestos uno frente al otro con el vano intento de medir la diversidad de su grandeza.

Figuras gigantescas, aunque pueden asociarse por algunas afinidades genéricas del estilo, permanecen independientes artísticamente, casi indiferentes el uno, al otro. Pero, por otra parte, el acercamiento de sus nombres no puede dejar de aparecer justificado cuando se considera que ambos compositores han salido, del regazo germánico, y que en virtud de las mismas diferencias substanciales de sus obras, de las especiales actitudes de su genio, de las sólidas características de su temperamento, parecen dos apariciones milagrosas en las que la naturaleza haya realizado al mismo tiempo su mayor esfuerzo para alcanzar la manifestación completa de la musicalidad del siglo XVIII; más exactamente, de principios de aquel siglo. "Aquellos dos genios —escribe Gaetano Cesari—, a pesar de todo lo que les diferencia, tienen una misma finalidad en su trayectoria para alcanzar los más altos ideales. No son dos fuerzas antagónicas, competidoras o rivales; son dos fuerzas que se completan recíprocamente cuando actúan en el sentido de elevar a las más sublimes alturas las formas artísticas"; inconscientemente se encuentran en una actitud que tiene analogías, en el terreno poético, en la ofrecida por Goethe y Schi-ller. En cuanto a las divergencias fundamentales de las dos maneras de arte representadas por Bach y Haendel, puede decirse que aparecen claramente cuando se examinan las obras de cada uno fuera de la imponente grandiosidad del conjunto, o bien cuando se analizan sus caracteres sobre la base común del sentimiento religioso que ha inspirado gran parte de aquellas obras de diverso modo; o todavía cuando se ven de cerca las circunstancias tan distintas que acompañaron las vidas de los dos hombres y que tanto contribuyeron a su formación artística.
Recorriendo, pues, las fases más salientes de aquellas vidas tan diversas y observando atentamente las inclinaciones de sus grandes protagonistas, quizá no será difícil descubrir las razones que llevaron a ambos compositores a adoptar las formas que caracterizan sus obras. Comparando después estas formas con las del arte anterior y con las del tiempo de Bach y Haendel, podrán encontrarse fácilmente sus orígenes y establecer los elementos particulares de originalidad y belleza. Lo que en parte nos disponemos a hacer, como siempre, con la ayuda de las enseñanzas de Cesari.

fuentes: historia de la música Francco Abbiati. 1950

domingo, 24 de marzo de 2013

Dufay

Guillaume Dufay
Como toda la producción musical del siglo xv, la obra de Dufay se articula en torno a tres grandes géneros: la misa, el motete, la canción. Pero en la misa es donde el músico puso lo mejor de sí mismo, al menos su mayor originalidad. El alcance de su técnica en el ámbito de los procedimientos cíclicos y en el de la polifonía, su equilibrio entre la técnica y la sensibilidad, son notables.
Las misas


Guillaume Dufay

Dufay compuso ocho (quizá nueve) misas y treinta y ocho fragmentos de misas. La utilización de éstos en el ordinario de la misa es tardía. Algunos están reunidos por pares (Gloria-Credo o Sanctus-Agnus) o por tríos (Kvrie-Gloria-Credo o Kyrie-Sanctus-Agnus); no todos están escritos a tres voces, sino a veces a cuatro, y algunos tienen su cantus firmus  al superius. Estos distintos aspectos y otros procedimientos más tardíos de composición permiten situar ciertas piezas aisladas en el segundo tercio del siglo. Una de ellas, el Gloria ad modum tubae, construido en un doble canon, el de las dos voces superiores y el ostinato de los dos instrumentos inferiores, recuerda a la caccia italiana del Trecento y prefigura las grandes formas barrocas, el grounc/, el pasacalle y la chacona.
Más que una transición entre dos estilos, la Missa Sancti Jacobi y su semejante (Sancti Anthonii Viennensis) testimonian por su conjunto vocal reducido y por sus vacilaciones ante el lugar del cantus firmus —al tenor o al superius— el agotamiento de una técnica arcaica y la premonición de otra, humanizada y equilibrada. Su voluntad de conceder a todas las voces igual importancia y un carácter más melódico, ya manifiesta en el Gloria y el Credo de Missa Sancti Anthonii, se afirma claramente en las misas Caput y La Mort de Saint Gothard: los pasajes alternados a dos o tres y cuatro voces se esfuerzan por variar el equilibrio sonoro y la interpretación del texto; el incipit está a partir de ahora elaborado con una especie de «memoria del futuro»; las cuatro a siete medidas iniciales del Kyrie están repetidas en las demás piezas; el tenor, bien recurre a preocupaciones matemáticas próximas al espíritu de la variación (Caput), o bien actúa en todas las partes por impregnación contra-puntística (Saint Gothard).
Aunque todavía mantenga la confrontación de los dos bloques (can-tus-contratenor y tenor-bassus), en la obra posterior de Dufay se advierten ya signos de modernidad: un cierto paralelismo entre los bloques, el uso bastante abundante de la imitación, el aspecto ya tonal de la armonía, afirmada por los movimientos cadenciales de cuarta y de quinta de la base.


Guillaume Dufay (h. 1400-Cambrai, 1474)
Entra, a partir de 1409. en la escuela de Cambrai (¿hasta 1418?); volvemos a encontrarle al servicio de los Malatesta en Italia. de la capilla pontifical en Roma y Florencia de 1428 a 1437. Entre tanto, y antes de su vuelta a Cambrai en 1445. frecuenta la corte de Saboya. Sus desplazamientos son siempre numerosos. Rodeado de honores, gozando de una buena renta, pasa en Cambrai los treinta últimos años de su vida.




fuentes: libros, internet, historía de la música.

Cherubini


Nota
CHERUBINI, Luigiimages
Nace en Florencia,  (14 de septiembre de 1760 - 15 de marzo de 1842). Era hijo de un músico que trabajaba en un tea­tro de Florencia, y recibió del entonces famoso Giuseppe Sarti clase de contra­punto, en el que se hizo maestro, como se desprende de su famoso libro Cours de Contrepoint. Después de permanecer en Londres se instaló en París. Cuando en el año 1795 fue fundado allí el Con­servatoire de Musique, recibió Cherubi­ni, ya que Napoleón no le podía sufrir, tan sólo el puesto de uno de los tres Inspecteurs d' Études. Durante su estan­cia en Viena, donde interpretó sus ópe­ras Lodoiska (1805) y Faniska (1806), tuvo relaciones con Beethoven, el cual vio en él al más grande compositor de óperas que entonces existía. Bajo Luis XVIII fue miembro del Instituto, y en el año 1822 tuvo lugar su nombramiento de director del Conservatorio, de manera que formó a una serie de cornpositores franceses que más tarde habían de ser famosos.
Cheru­bini ha compuesto muchísimo: música de iglesia, obras instrumentales y, sobre todo, óperas. De éstas, la que mejor se ha conservado ha sido Les deux journées (<<El aguador», texto de Bouilly, libretista del «Fidelio») (1800). Sin embargo, lo que más se toca de él, son las oberturas de sus óperas «Medea» y «Anacreontc». La última fué silbada en su primera representación , como música alemana.

sábado, 23 de marzo de 2013

Arroyo de Anda



ARROYO DE ANDA (Apolonio)). Violinista y compositor mejicano, nacido en Guadalajara (Jalisco) en 1850.
Estudió música en la academia de Jesús González. Sus composiciones fueron muy aplaudidas en su tierra natal; entre otras, las danzas :  La trenza de oro, Lágrimas y Llorando; 01 vals Concha, la mazurca Alma enferma y la serenata El alcalde Ronquillo

jueves, 21 de marzo de 2013

Guillaume Dufay








(?, h. 1400-Cambrai, Francia, 1474) Compositor francés. Hasta 1426 estuvo al servicio de la familia de los Malatesta, en Rímini, donde entre 1419 y 1420 compuso sus primeras obras de datación segura. Entre 1428 y 1433 ocupó en Roma el cargo de chantre de la capilla pontificia, y gracias a un permiso especial pudo ejercer como maestro de capilla para el duque de Saboya.

Al cabo de esos dos años volvió a su puesto de chantre pontificio, esta vez en Florencia y Bolonia, ya que el Papa había tenido que abandonar Roma a causa de una sublevación. En 1436, el sumo pontífice le concedió la prebenda de canónigo de la catedral de Cambrai, que conservó hasta su muerte.

En la época en que Dufay empezó a escribir música, inmerso en el espíritu del Renacimiento, la composición musical atravesaba un período de regulación establecida, de la que fue partícipe. No fue hasta sus obras de madurez, sobre todo con algunas misas y motetes, cuando empezó a introducir elementos novedosos, como el canto a cuatro voces o la técnica conocida como «canto armonización», una forma de combinar las distintas voces melódicas inusual hasta entonces.

lunes, 26 de marzo de 2012

Diego Ortiz .Primer tratado de glosas.

Compositor y teórico español, maestro de capilla del virrey de Nápoles y luego del duque de Alba . Publicó en Roma la obra Primer tratado de glosas sobre cláusulas y otros géneros de puntos de la música de violones ( Roma, 1533) . Asimismo publicó composiciones de música sacra a varias voces  en particular el motete Pereat dies, bello ejemplo de la música española de la época y obras para laúd que se encuentra en las antologías . Nacio en Toledo en la primer mitad del siglo XVI.



fuentes: diccionario biográfico de la música



Jhon Dowland. Now O Now I Needs Must Part


Jhon Dowland: Famoso lutista y compositor inglés, que viajo por espacio de varios años por Alemania , Francia e Italia. Actuó en algunas cortes alemanas, en la danesa y, por último, en la inglesa . Sus obras se consideran de verdadera importancia en la literatura musical inglesa, y entre ellas podemos citar:  the (first, second y third) book of song or ayres; Lacrime, or seven teares figured in seven passionate Pavanes, para laúd y violas o violines ; salmos y numerosas composiciones para laúd dispersas en las antologías de la época. (1536-1626).
Fuentes: diccionario biográfico musical.

miércoles, 7 de marzo de 2012

The Shadows

ImagenThe Shadows
Todos los midis The Shadows. Aún está en internet . INteresantisimo.
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Sensacional grupo instrumental inglés, surgido en los primeros años 60, que además de sus inolvidables canciones, contenían al magnífico y muy infravalorado guitarrista Hank B. Marvin.

La formación original de la banda estaba compuesta por: Hank B. Marvin a la guitarra, Bruce Welch, guitarra, Jet Harris al bajo y Tony Meehan a la batería.

En 1958, Marvin y Welch formaron parte del grupo de acompañamiento de Cliff Richard: The Drifters. La formación del grupo se consolidó y cambiaron su nombre a The Shadows para evitar cualquier confusión con el grupo estadounidense Drifters.
Imagen
El grupo continuó trabajando con Richard, pero en 1959 comenzaron a grabar independientemente. En 1960, en una gira británica, Jerry Lordan (artista de la misma gira) les dió un tema instrumental suyo. La versión de los Shadows alcanzó el número 1 en julio de 1960; la canción era el inolvidable clásico "Apache".



Este exito estableció la pauta para los exitos instrumentales que se mantuvo hasta la era psicodélica de 1966-67. La formula era muy sencilla: la guitarra de Marvin proporcionaba la melodía y los demás agregaban el fondo.

Tan arreglada, se podría decir que la música de los Shadows era clínica.Sin embargo, fué un ejemplo para miles de jóvenes músicos, especialmente guitarristas. La imagen de los Shadows consistía en trajes iguales y una calma relajada; la furia de las eras del beat y el R&B fué una reacción a su pulcritud uniforme.

Durante este periodo hubo varios cambios en la formación. En 1961 Meehan se marchó, siendo reemplazado por Brian Bennet y después, un año mas tarde, Harris se fué para formar un duo con Meehan. Harris sería sustituido primero por Brian Locking y mas tarde por John Rostill.



Los exitos de los Shadows fueron constantes durante los primeros años 60 en inglaterra, además de "Apache", sus exitos fueron "Man of Mystery" (número 5) en 1960, "F.B.I" (número 6), "Frightened City" (número 3), "Kon Tiki" (número 1), "The Savage" (número 10); todos estos en 1961. En 1962 triunfan con "Wonderful Land" (número 1),"Guitar Tango" (número 4), y "Dance On" (número 1); en 1963 "Foot Tapper" (número 1), "Atlantis" (número 2) y "Shindig" (número 6); sus últimos exitos en los 60 serian "The Rise and Fall of Flingle Bunt" (número 5 en 1964) y "Don't Make my Baby Blue" (número 10 en 1965).

En 1968 el grupo dejó de existir y en los 70 los miembros del grupo se interesaron por otras actividades musicales; pero a finales de la década de los 70, el grupo vuelve otra vez al candelero con los temas "Don't Cry for me Argentina" y "Theme from Deer Hunter" que alcanzan los puestos 5 y 9 en listas, respectivamente.

Aunque su música no ha ejercido una gran influencia, hay pocos guitarristas que toquen como Hank Marvin. Los shadows animaron a una generación de jóvenes a dedicarse a la música. Muchos guitarristas actuales citan a Marvin como su primer ídolo; y lo que queda claro es que un grupo como los Shadows no tiene fecha de caducidad.

Canciones Recomendadas: Apache / Concierto de Aranjuez / Man of Mystery / FBI / Frigtened City / Kon Tiki / The Savage / Wonderful Land / Guitar Tango / Dance On / Foot Taper / Atlantis / Shindig / The Rise and Fall of Flingle Bunt / Don't Make my Baby Blue / Don't Cry for me Argentina / Geronimo / The Boys / The Stranger / 36-24-36 / All Day / Mustang / A Place in the Sun.

Duke Ellington

Duke Ellington 




Duke Ellington en el Hurricane Club (1943)Duke Ellington (Edward Kennedy Ellington; Washington D.C., 1899 - Nueva York, 1974) Pianista, compositor, arreglista y líder de grupo de jazz estadounidense. Se inició en la práctica musical tomando clases de piano a los siete años. Ya en sus comienzos recibió la influencia del ragtime, género de música popular en boga en aquella época y uno de los estilos de los que derivaría el jazz. Con sólo diecisiete años debutó profesionalmente en su ciudad natal. Desde 1919 tocó con varios grupos de la capital estadounidense hasta que en 1922 fue llamado para actuar en Nueva York, el punto de referencia para todo músico de jazz. Aunque no logró triunfar, adquirió la experiencia necesaria para formar su propio quinteto, The Washingtonians, con los que adquirió renombre suficiente como para realizar unas pruebas en el celebérrimo local neoyorquino Cotton Club, en Harlem. A partir de ese momento, su fama y su prestigio se fueron consolidando; las emisiones radiofónicas de sus conciertos se hicieron habituales y las apariciones de Duke Ellington and The Washingtonians en diversas películas, junto a las diversas giras que realizó por Estados Unidos y Europa, contribuyeron a fomentar su creciente popularidad. El quinteto original fue incorporando nuevos miembros, hasta completar un total de doce en sus primeras apariciones en el Cotton Club. A principios de los años 1930, composiciones como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933) se convirtieron en grandes éxitos y marcaron el inicio de la época dorada para el músico y su big band. Hacia el fin de la Segunda Guerra Mundial, abordó la composición de obras de mayor aliento temático y formal, por lo común en forma de suites sinfónicas, como Black, brown and beige (1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946). Pero en esa misma época el formato de gran orquesta dejó de gustar a un público que, inmerso en la revolución bop, se decantaba por formaciones más reducidas y con mayor peso de un instrumento solista. A pesar de ello, Duke Ellington decidió permanecer fiel a los que siempre fueron su estilo y su manera de entender la música, e incluso aumentó aún más el nivel de exigencia de los componentes de su formación, entre los que se contaron a lo largo de los años figuras como el trompetista Cootie Williams o el saxofonista Johnny Hodges. Su aparición en el Festival de Jazz de Newport en 1956 significó el relanzamiento de The Washingtonians, con los que inició una serie de giras por el extranjero que incrementaron su ya considerable fama internacional. En 1959 se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), primero, y Paris Blues (Un día volveré), un año después. Durante la década de 1960 grabó con una larga serie de jóvenes músicos de gran talento como Charlie Mingus, John Coltrane o Max Roach. Simultáneamente empezó a interesarse por la música litúrgica y compuso piezas como In the beggining of God, que fue estrenada en la catedral de San Francisco en 1965. Permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington. En su haber quedan numerosos reconocimientos, de entre los que sobresalen los títulos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963 y Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor que se le concedió en 1969. Fue nombrado así mismo miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 se convirtió en el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Según su biógrafo, Derek Jewell, Duke Ellington llegó a escribir unas 2 000 piezas musicales en toda su vida, si bien son incontables las que créo en trozos de papel luego perdidos, que elevarían la estimación a unas 5.000 piezas. 


Discografia 


Early Ellington (1927-1934) 
Jungle Nights in Harlem (1927-1932) 
First Time The Count Meets the Duke : Un monumento al Swing 
Black, Brown and Beige 
Duke and Coltrane :El Duke con el saxofonista. 
Piano Reflections: Ellington con su orquesta. 
And his Mother Called him Bill :Una de las mejores composiciones. 
This one´s for Blanton : obra maestra 
Money Jungle : con Max Roach y Charles Mingus. 
The Great Paris Concert.

Glen Miller





Carrera musical 


Glen Miller nació en Clarinda , Iowa en 1904. Durante los años 30 trabajó tocando el trombón de varas en varias bandas, ante de formar su propia banda en 1936, aunque no consiguió destacar entre las muchas otras de la época. De vuelta a Nueva York tras la ruptura de la formación, se dio cuenta de que el sonido peculiar de las maderas de su banda, con el clarinete y el saxofón tenor tocando la melodía, con otros saxofones en armonía, se podría recalcar, y que ese sonido le podría distinguir del resto de las bandas. 


Éxitos 
Formó una segunda banda en 1937, que consiguió rápidamente el favor del público, que llenaba sus conciertos, lo que dio lugar a una serie de grabaciones. Desde junio de 1938 Miller dominó los primeros puestos de varias listas de música popular, y se mantuvo así más de una año. A principios de 1940 "In the Mood" estuvo quince semanas consecutivas de número uno, y siguió "Tuxedo Junction" que mantuvo a Miller en el número 1 hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por "Chattanooga Choo Choo". 


Otros títulos conocidos son "A String of Pearls", "Moonlight Serenade" y "Pensilvania 6-5000" (que era y sigue siendo el número de teléfono del Hotel Pensilvania en Manhattan). La "Serenata a la luz de la Luna" (Moonlight Serenade) es una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EEUU, y actualmente está considerada como LA canción representativa de Miller, y como una de las canciones más importantes de la historia musical de EEUU. 


En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las fuerzas aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. 


Innovación 
Glenn Miller es famoso por sus especiales configuraciones de la sección de viento en su big band, aparte de sus adaptaciones de jazz y blues tradicional (como por ejemplo St. Louis Blues) con ritmos de marcha militar. 


Muerte y misterio 
El 15 de diciembre de 1944, mientras volaba de Inglaterra a París, para dar un concierto en homenaje a los soldados que habían liberado la ciudad, su avión desapareció. Como nunca se encontró el cuerpo de Miller, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo (similares pero anteriores a las teorías de que Elvis Presley no ha muerto, etc.) 


Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada con muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. 


En abril de 1992, a petición de su hija, se puso una lápida en el Cementerio nacional de Arlington. 




Película 
En 1953, Anthony Mann rodó la película biográfica "The Glenn Miller Story", cuyo título en España fue "Música y Lágrimas", en la que James Stewart interpretaba a Glenn Miller.

domingo, 4 de marzo de 2012

Joe "King" Oliver


Escuchando los principios del Jazz




01/01/85 Nace Joe "King" Oliver en una plantación cerca de Donaldsville al sur de Baton Rouge (Louisiana). Joe Oliver fue el primer solista en la historia del jazz cuando grabó "Dippermoucht Blues" en 1923 con su Creole Jazz Band.

Joe "King" Oliver, leyenda de la primera época del jazz, fue un gran músico. Nacido en una plantación al sur de Baton Rouge, llegó a New Orleáns siendo aun muy pequeño. Huérfano de madre desde niño, se educa en Nueva Orleáns guiado por su hermanastra Victoria Davis.

Ya en la adolescencia comienza dedicarse a la música y tocando en las mas celebres orquestas de la ciudad, entre ellas la "Olympia Band" de la que era estrella Freddie Keppard, la "Onward Brass Band" y algunas otras. Sin embargo, las condiciones económicas no le permitían dedicarse exclusivamente a la música, y la compaginaba con otros trabajos en oficios destinados a los negros. De vez en cuando tocaba con otras bandas en bailes y funerales y una vez llegó a Baton Rouge. Tocó por las calles de la ciudad y en los locales del barrio de Storyville. Gracias a su marcado estilo se gana el sobrenombre de King, pero también se le conoció como "Tenderfoot", debido a los callos que tenía en los pies.

En 1918 se traslada a Chicago para unirse a la banda "Los jardines Reales de Chicago". En esta ciudad siguió uniéndose a otras bandas como la "Dreamland Café", liderada por Lawrence Duhe. Al comienzo de la década de los años veinte monta su propia formación, la "Creole Jazz Band". Con ella realizó las primeras grabaciones determinantes de la historia del jazz, inaugurando una genealogía que continuará, años mas tarde, en los "Hot Five" y "Hot Seven" de Louis Armstrong, las grabaciones de Jelly Roll Morton con los "Red Hot Peppers", los discos de 1945 de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, las doce tomas del "Noneto Capitol" de Miles Davis, etc, etc. Las grabaciones de Oliver para las marcas, Gennett, Paramount, Okeh y Columbia, son el verdadero origen de la estirpe jazzistica. La "Creole Jazz Band" estableció cuando grabó "Chimes Blues"; "Canal Street Blues" "Snake Rag" o "Dippermouth Blues" el modelo standar para todos los grupos de jazz que no basan su eficacia en la expresión individual sino una suma conquistada a través del equilibrio del grupo.

En 1927, una vez que sus mejores solistas se fueron de la orquesta, Armstrong entre ellos, Oliver se mudó a New York contratado por la famosa sala de baile "Savoy Ballroom" después de desaprovechar la mejor oportunidad de su vida al rechazar un contrato de trabajo en el Cotton Club, que en su lugar contrató a un desconocido por entonces, Duke Ellington. El crack del 29, la crisis económica, la escasez de trabajo y el cambio en los gustos del publico, fueron llevando a Joe "King" Oliver a un estado depresivo, que fue agravado por una enfermedad letal para un músico: la piorrea. Imposibilitado para tocar la corneta, viendo como su discípulo, Louis Armstrong, le superaba en efectividad y en estilo, humillado hasta el punto de tener que trabajar quince horas al día limpiando una sala de billares con un salario de hambre, Oliver sufrió un derrame cerebral y a su muerte no hubo dinero ni para cubrir su tumba con una lápida.


Fuentes: Apoloybaco. Ir a la página

viernes, 17 de febrero de 2012

Daniel Barenboim











Daniel
Barenboim

(Israel, 1942)


Director
y pianista de fama internacional. Nació en Argentina, aunque más tarde adquirió
la nacionalidad israelí. En los primeros años se criticó su falta de autocontrol
pero con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los principales
directores de orquesta mundiales así como en un magnífico pianista. Hijo de
profesores de piano, hizo su debut en Buenos Aires a los siete años. Más tarde
se trasladó con su familia a Europa, donde actuó en 1951 en el Mozarteum de
Salzburgo. Estudió dirección en esta ciudad, así como composición en Roma.
Finalmente, él y su familia se establecieron en Israel. En 1955 actuó por
primera vez en Gran Bretaña y en 1957 en Estados Unidos. Debutó como director de
orquesta en Israel en 1962. Desde entonces ha combinado las dos actividades.
Desde finales de los años sesenta ha trabajado con la English Chamber Orchestra,
la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, la
Orquesta de París y la Orquesta Filarmónica de Berlín. Durante los años setenta
dirigió varios festivales de música e incluyó varias óperas dentro de su
repertorio como director. Ha colaborado, bien como acompañante o como director,
con figuras del prestigio de Arthur Rubinstein, Janet Baker, Itzhak Perlman y
Jacqueline du Pré, entre otras. En 1967 contrajo matrimonio con ésta última. Es
reconocido por sus interpretaciones de las obras pertenecientes a los periodos
clásico y romántico. Su repertorio como pianista no es extenso: incluye obras de
Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, (de quien grabó la
integral de las 32 sonatas), Johannes Brahms y Frédéric Chopin.
Como director, su repertorio abarca un ámbito mayor: Johann Sebastian
Bach
, compositores franceses, Anton Bruckner, Piotr Illich
Tchaikovsky
y Eduard Elgar. Es especialmente valorado como director
de la música de Richard Wagner.  


Fuentes , gentileza de: Interpretes

domingo, 5 de febrero de 2012

Juan del Encina








Con gran capacidad para la conjugación de ritmos y expresión hace de sus obras musicales un monumento al mundo popular y un ejemplo de sencillez estilística.

Poeta y músico que provoca opiniones encontradas entre los musicólogos, representa el contrapunto popular al arte de los grandes polifonistas religiosos contemporáneos. Nacido en Salamanca, tal vez estudió música en esta ciudad, donde obtuvo el bachillerato en Derecho Civil. Después de haber sido cantor en la catedral de su ciudad y paje del obispo don Gutierre de Toledo, en 1492 entró al servicio del duque de Alba, a quien sirvió y para quien compuso hasta 1498. Posteriormente marchó a Roma, donde estuvo al servicio de los papas Alejandro VI y Julio II , quienes le beneficiaron con varios cargos eclesiásticos, aún sin haber recibido órdenes. En 1519 se ordena sacerdote y marcha a Jerusalén , donde celebra su primera Misa. Nombrado por León X prior de la Catedral de León, se traslada a esta ciudad en 1523 , donde muere en 1530.
Los villancicos se puden distinguir en dos categorías : sagrados generalmente en tonalidad menor y profanos que constituyen el mayoe número.
  • Los villancicos profanos de Juan del Encina son los que más aceptación han tenido entre sus intérpretes y pueden a su vez dividirse en varios grupos:
  • Villancicos de desventuras : Más vale trocar; Pues amas triste amador; Pues que mi triste penar.
  • Jocosos : Hoy comamos y bebamos; Cu,cu, ambos con temas amorosos o de la vida cotidiana.
Aparte de su amplia produción literaria, poesís y teatro, se conservan, con atribución segura , sesenta y una pieza musicales, muchas de ellas destinadas a ser interpretadas al finalizar sus obras de teatro. Formalmente , sólo utiñliza el romance, seis ejemplos, la canción, cuatro ejemplos, y el villancico el resto.
Fuentes : Historia de la musica , Marie Claire Beltrando



Obra completa de Juan del Encina

Cancionero de Juan del Enzinaa>


Sitio con partituras y sonido de Juan del Enzina

Mahler

Mahler nació en Kaliste, Bohemia, en 1860. Fue el segundo de quince hermanos, nueve de los cuales murieron durante la infancia. esto tendría un efecto decisivo en la personalidad y la obra de Mahler, a quien la muerte pareció perseguir durante toda su vida.

Su padre, un posadero judío, tenía reputación de violento. Solía agredir a su mujer e hijos. Sin embargo, era un hombre que comprendía la belleza del arte, por lo que no vaciló en incentivar el incipiente talento musical de su hijo. Para ello lo inscribió en el coro de la iglesia de Jihlava, ciudad a la que la familia se había trasladado. Luego realizó estudios en Praga y posteriormente fue enviado al Conservatorio de Viena, en donde compuso algunas obras, las cuales no han llegado a nuestros días, con excepción de la que se considera su primera composición: el Cuarteto para Piano.

A la edad de 20 años, participó en un concurso de composición con su cantata Das klagende Lied (Canción del lamento). Contaba con ganar el concurso para así poder mantenerse con el dinero del premio por algunos años y así poder dedicarse exclusivamente a componer. Sin embargo, no ganó, por lo que se vió obligado a iniciar una carrera como director para poder sobrevivir.

Se desempeñó como director en varios teatros de ópera de mediana importancia, tales como Praga, Budapest (en donde aprovechó de estrenar su Primera Sinfonía) y Hamburgo .En 1897, le fue ofrecido el puesto de Kapellmeister de la Ópera de la Corte de Viena, pero se le exigió convertirse al Catolicismo. Si bien Mahler era judío, era agnóstico por convicción, y sentía que el hecho de ser judío le impedía escalar socialmente. Solía decir: "Soy tres veces extranjero: un bohemio entre austríacos; un austríaco entre alemanes, y un judío ante el mundo". Por eso no tuvo reparos en renegar del judaísmo sin titubear. Conocida es la historia en que al salir de la iglesia en que había sido bautizado, se encontró con un conocido. Éste, suponiendo que Mahler se había bautizado le preguntó: "¿Qué has hecho?", a lo que el compositor contestó: "Acabo de cambiarme el abrigo", insinuando que su cambio fue sólo superficial y motivado por el deseo de obtener el puesto de director de la Ópera de Viena. Durante toda su vida Mahler fue un ferviente agnóstico, ya que, si bien creía en Dios, nunca aceptó los postulados de religión alguna, aunque al final de su vida demostró cierto interés en el budismo.
 

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