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sábado, 11 de mayo de 2013

Filatelia musical: Tartini .

Sello con la imagen de Tartini. Editado en Eslovenia . Año 1992 , 300 años de su nacimiento.


Giuseppe Tartini
(08/04/1692 - 26/02/1770)

Giuseppe Tartini

Violinista y compositor italiano



Nació el 8 de abril de 1692 en Pirano, Istria (hoy Piran, Eslovenia).

En 1710 contrae matrimonio con Elisabetta Premazore y se traslada a Asís, donde cursó estudios y en 1721 comenzó a ejercer como concertino y director de la orquesta de la iglesia de san Antonio de Padua.

Fue fundador, en 1728 de una escuela de violín en esa misma ciudad. Dos años después, se traslada a Praga, donde residirá durante tres años. Considerado como uno de los grandes genios del violín, se cree que descubrió el fenómeno acústico de la combinación tonal al observar que, cuando se producen simultáneamente dos notas y se mantienen durante un tiempo, se percibe una tercera nota. Este fenómeno se denomina sonido diferencial o sonido de Tartini. Además desarrolló una nueva técnica de manejo del arco todavía vigente e introdujo mejoras en las cuerdas.

Compuso alrededor de 150 conciertos y 100 sonatas para violín, de las cuales la más conocida es su obra póstuma Il trillo del diavolo que imita al diablo tocando el violín que había imaginado en sueños. De entre sus diferentes tratados teóricos destaca Tratado de música según la verdadera ciencia de la armonía (1754).

Giuseppe Tartini falleció en Padua, el 26 de febrero de 1770, a los 77 años, a consecuencia de la gangrena que padecía en una pierna.


*buscabiografias.com

jueves, 21 de marzo de 2013

Sellos de Mozart. Filatelia musical



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Ir a la página donde te cuenta la vida de Mozart , con voz y video, fotos, muy completo:Ir a la página
En conmemoración de la muerte de Mozart en 1791, salieron varias colecciones de sellos de Mozart. En estos dos sellos hojita, se ve la imagen de MOzart y una partitura. Salieron en el año 1991, 200 años después de su muerte. El uno es de Alemania y el otro de Hungría.
Vida de Mozart:

(Salzburgo, actual Austria, 1756 - Viena, 1791) Compositor austriaco. Franz Joseph Haydn manifestó en una ocasión al padre de Mozart, Leopold, que su hijo era «el más grande compositor que conozco, en persona o de nombre». El otro gran representante de la trinidad clásica vienesa, Beethoven, también confesaba su veneración por la figura del músico salzburgués, mientras que el escritor y músico E. T. A. Hoffmann consideraba a Mozart, junto a Beethoven, el gran precedente del romanticismo, uno de los pocos que había sabido expresar en sus obras aquello que las palabras son incapaces de insinuar siquiera.


Wolfgang Amadeus Mozart

Son elogios elocuentes acerca del reconocimiento de que gozó Mozart ya en su época, y que su misteriosa muerte, envuelta en un halo de leyenda romántica, no ha hecho sino incrementar. Genio absoluto e irrepetible, autor de una música que aún hoy conserva intacta toda su frescura y su capacidad para sorprender y emocionar, Mozart ocupa uno de los lugares más altos del panteón de la música.

Hijo del violinista y compositor Leopold Mozart, Wolfgang Amadeus fue un niño prodigio que a los cuatro años ya era capaz de interpretar al clave melodías sencillas y de componer pequeñas piezas. Junto a su hermana Nannerl, cinco años mayor que él y también intérprete de talento, su padre lo llevó de corte en corte y de ciudad en ciudad para que sorprendiera a los auditorios con sus extraordinarias dotes. Munich, Viena, Frankfurt, París y Londres fueron algunas de las capitales en las que dejó constancia de su talento antes de cumplir los diez años.

No por ello descuidó Leopold la formación de su hijo: ésta proseguía con los mejores maestros de la época, como Johann Christian Bach, el menor de los hijos del gran Johann Sebastian, en Londres, o el padre Martini en Bolonia. Es la época de las primeras sinfonías y óperas de Mozart, escritas en el estilo galante de moda, poco personales, pero que nada tienen que envidiar a las de otros maestros consagrados.

Todos sus viajes acababan siempre en Salzburgo, donde los Mozart servían como maestros de capilla y conciertos de la corte arzobispal. Espoleado por su creciente éxito, sobre todo a partir de la acogida dispensada a su ópera Idomeneo, Mozart decidió abandonar en 1781 esa situación de servidumbre para intentar subsistir por sus propios medios, como compositor independiente, sin más armas que su inmenso talento y su música. Fracasó, en el empeño, pero su ejemplo señaló el camino a seguir a músicos posteriores, a la par también de los cambios sociales introducidos por la Revolución Francesa; Beethoven o Schubert, por citar sólo dos ejemplos, ya no entrarían nunca al servicio de un mecenas o un patrón.

Tras afincarse en Viena, la carrera de Mozart entró en su período de madurez. Las distintas corrientes de su tiempo quedan sintetizadas en un todo homogéneo, que si por algo se caracteriza es por su aparente tono ligero y simple, apariencia que oculta un profundo conocimiento del alma humana. Las obras maestras se sucedieron: en el terreno escénico surgieron los singspieler El rapto del serrallo y La flauta mágica, partitura con la que sentó los cimientos de la futura ópera alemana, y las tres óperas bufas con libreto de Lorenzo Da Ponte Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte, en las que superó las convenciones del género.

No hay que olvidar la producción sinfónica de Mozart, en especial sus tres últimas sinfonías, en las que anticipó algunas de las características del estilo de Beethoven, ni sus siete últimos conciertos para piano y orquesta. O sus cuartetos de cuerda, sus sonatas para piano o el inconcluso Réquiem. Todas sus obras de madurez son expresión de un mismo milagro. Su temprana muerte constituyó, sin duda, una de las pérdidas más dolorosas de la historia de la música.





Biografías y Vidas

martes, 8 de enero de 2013

Colosos de la ópera. Filatelia musical


Hojita bloque en la que aparecen nueve celebridades de la ópera .
PLACIDO DOMINGO
LUCIANO PAVAROTTI
JOSE CARRERAS
ANDREA BOCELLI
MARIA CALLAS
JOSE VAN DAM
RENATA TEBALDI
MONSERRAT CABALLE
KIRI TE KANAWA




viernes, 4 de enero de 2013

Filatelia: sello bloque de cantante americanas







Sellos de USA del año 1998, con la imagen de cuatro cantantes de Gospel de color. Mahalia Jackson, Roberta Martin, Clara Ward, Sister Rosetta.


Mahalia Jackson

(Nueva Orleans, 1911-Chicago, 1972) Cantante estadounidense. Dotada de una potente voz grave, destacó en la interpretación de gospels y de espirituales negros.

Filatelia musical. Sello Elvis Presley





De los muchos sellos que han editado de Elvis este es de los que más me gustan. Es un sello de la republica centroafricana para uso aereo. Es un sello de oro que en el escaner no saca el color pero al natural se ve el color oro del sello. Un sello muy bonito de Elvis Presley. Han sacado al mercado filatelico varios sellos de oro de Elvis. Este es uno de ellos.




Elvis Presley.Elvis Aaron Presley (Tupelo, Mississippi, 8 de enero de 1935 - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977), cantante de música rock estadounidense considerado un ícono de la música popular que inspiró a muchos cantantes, tanto dentro como fuera del género rock.

Considerado el Rey del Rock and Roll, también intervino en numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. A menudo es llamado simplemente Elvis o El Rey.

Vida y obra
Hijo de Vernon y Gladis Presley, fue fruto de un embarazo gemelar, aunque su hermano gemelo murió al nacer. Presley pasó su infancia y adolescencia en Memphis, donde trabajó de camionero. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir 10 años. Desde niño, le apasionaba por igual la música blues, el gospel, así como la música country y el pop, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que incluían la música mexicana y la ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, así como por Arthur Crudup, y todos los cantantes y músicos de lo que se llamaba entonces la música blues rural.

A los 19 años, como regalo de cumpleaños para su madre, grabó un disco con dos temas en los estudios Sun Records, "My Happiness" y "That's When Your Heartaches Begin". El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llego a oírlo, hasta que regresó dos veces más, también grabando dos canciones en cada oportunidad, luego de lo cual quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que tendría gran éxito en Memphis.

Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del country y del blues. Con la edición de su primer tema de este género, "That's All Right, Mama", de Arthur Crudup, creó una de las imágenes mas clásicas del rock and roll. Habiendo conquistado la ciudad de Memphis, así como algunos mercados regionales en el sur de los Estados Unidos, en 1955, fue observado por Tom Parker quien gestionó, a finales de ese año, su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares, y un Cadillac para Presley.

Con su primer tema para la RCA, "Heartbreak Hotel", consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como lo fue durante su tercera aparición en el show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los records de venta, alcanzando 11 #1 seguidos en la lista de sencillos, y 4 #1 en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.


Tumba de Elvis Presley, Graceland, Memphis, Tennessee.Entre 1958 y 1960 estuvo ausente de los escenarios para realizar el servicio militar en Alemania. Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra con quien cantó una canción. Recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

En los años 60 Presley se dedicó a actuar en películas de mediana calidad, rodando unas tres películas por año, hasta un total de 31. En 1965 le comentó a John Lennon respecto a su próxima película: "Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero". Presley admiraba sinceramente a los Beatles pero, luego, al estos cambiar su imagen a finales de los anos sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas. Su hegemonía en el mundo del rock llegó a su fin en 1964.

En 1967 Presley se casó con Priscilla Beaulieau, con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie. En 1968, volvio al top de los hits parades norteamericanos luego de un exitoso show de televisión. Su último gran concierto lo ofreció en Hawaii, en 1973, evento que fue presenciado por más de 1.000 millones de telespectadores en 40 países. Durante los cuatro años siguientes, su salud, debido a los excesos, se fue debilitando cada vez mas, hasta que finalmente falleció en Memphis, en su mansión, Graceland, el 16 de Agosto de 1977.

lunes, 24 de septiembre de 2012

Cuatro artistas del Jazz. Filatelia musical

Sello de Gambia en ello se ven cuatro autores muy importantes del jazz del siglo pasado.

De wikipendia:
Sidney Bechet

Sidney Bechet (Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos,14 de mayo de 1897 - París, 14 de mayo de 1959) fue un músico y compositor de jazz estadounidense. Intérprete de saxofón soprano y clarinete. Nacido en Nueva Orleans el 14 de mayo de 1897, se inició con el clarinete a los 6 años de edad, siendo señalado por sus contemporáneos como un niño prodigio en aquel instrumento. Integró varias bandas callejeras ("brass bands") de New Orleans. En 1917 se trasladó a Chicago, donde tocó con Freddie Keppard y Joe "King" Oliver entre otros. En 1919, viajó a Europa junto con la Southern Syncopated Orchestra del director Will Marion Cook, dónde además de tocar clarinete, ejecutó en una pieza un pequeño acordeón. Sus presentaciones en Londres interpretando el Characteristic Blues llamaron la atención del director de orquesta Ernest Ansermet, quien le dedicó un elogiable pasaje en un artículo publicado en la revista especializada Revue Romande el cual, según se afirma, fue la primera crítica periodística sobre un músico de jazz: dónde se afirmaba "Sidney Bechet es un genio" Estando en Londres se interesa por el saxofón soprano, instrumento que adopta y utiliza cada vez con más frecuencia que el clarinete, aunque siempre llevaba consigo un pequeño acordeón, con el cuál grabó sólo 2 piezas en 1924: "Wild Man Blues" e "Indiana". De regreso en Estados Unidos en 1922, recaló en la ciudad de Nueva York, donde grabó su primer registro discográfico el 30 de julio de 1923, con la Clarence Williams Blue Five los temas Wild Cat Blues y Kansas City Man Blues. Entre 1924 y 1925 realizó una serie de memorables grabaciones con Louis Armstrong, quien también se había integrado a los conjuntos de Clarence Williams dedicados a las grabaciones. Integró la orquesta de la Revue Négre, que acompañó a París a Joséphine Baker en 1925, permaneciendo en Europa hasta 1931, visitando diversos países y pasando casi un año en una cárcel francesa en 1928, por involucrarse en una pelea entre músicos. Tras aquel "receso" de 11 meses, siguió recorriendo Europa y regresó nuevamente a Estados Unidos, para participar brevemente en la orquesta de Nobble Sissle, y luego en 1932 formar junto al trompetista Tommy Ladnier un grupo llamado The New Orleans Feetwarmers, con el cual alcanzan a realizar sólo una sesión de grabaciones, pero con 6 títulos de notoria calidad (entre ellos Maple Leaf Rag). Luego de ello, y en medio de la crisis reinante en Estados Unidos, sumado a su escasa popularidad dada su ausencia tan prolongada del país, se ve en la necesidad de abrir una modesta sastrería en Harlem para sobrevivir. Entre 1934 y 1938 se une nuevamente a Noble Sissle, en cuya orquesta va adquiriendo paulatinamente una participación creciente como solista (por ej. "Polka Dog Rag", 1934). De 1938 en adelante, emprende una carrera como líder de agrupaciones diversas, enrolado dentro de la corriente del revival del jazz de Nueva Orleans, tocando y grabando en diferentes ciudades y circunstancias, produciendo abundante material en donde su saxofón soprano hacía las veces de voz líder de los conjuntos. En 1939, realiza una serie de grabaciones para el recientemente creado sello discográfico Blue Note, de Alfred Lion, entre las que sobresale una excelente e innovadora vesión instrumental del clásico de George Gershwin "Summertime".
 Duke Ellington

Ellington nació el 29 de abril de 1899, hijo de James Edward Ellington, un mayordomo de la Casa Blanca, y de Daisy Kennedy Ellington. Desde muy joven, el ambiente confortable en el que vivió le facilitó, con siete años, comenzar a recibir lecciones de piano, y a escribir música en su adolescencia. En 1917, dejó el instituto en el que estudiaba, y pasó a dedicarse por completo a la música. Su debut profesional se produjo con diecisiete años, en su ciudad natal. Desde sus inicios ya influyó en él un género musical muy popular a principios de siglo, el ragtime, estilo esencialmente pianístico. A partir de 1919 comenzó a tocar con diversas bandas de la zona de Washington, D.C., pero en septiembre de 1923 se decidió trasladar permanentemente a Nueva York con The Washingtonians, el quinteto al que pertenecía. Se convirtieron al poco tiempo en el grupo residente del club The Hollywood Club de Times Square (más tarde conocido como The Kentucky Club o también The Club Kentucky). En noviembre de 1924, realizaron sus primeras grabaciones, utilizando diferentes pseudónimos para cada una de las compañías con las que tocaron. "East St. Louis Toodle-oo", una de sus primeras grandes producciones, grabada en 1926, y es un ejemplo del denominado estilo "jungle" (jungla) que tocaban. Obras como ésta hicieron que la fama de la agrupación, ya bajo la batuta artística de Ellington, fuera creciendo. Posteriormente, su paso por el famoso club The Cotton Club de Harlem, que duró tres años a partir de su entrada el 4 de diciembre de 1927, convirtió a Ellington en un músico de gran renombre en todo Estados Unidos por la retransmisión radiofónica de muchas de sus actuaciones. Durante esta etapa, en 1929, el quinteto actuó interpretando música de George Gershwin en el musical de Broadway Show Girl. También actuaron en varias películas. Diversas giras por Estados Unidos y Europa acrecentaron su fama sobremanera. Piezas musicales de la época, como "Mood Indigo" (1930), "It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing)" (1931) o "Sophisticated lady" (1933), disfrutaron un notable éxito, marcando el comienzo de una época dorada para la big band y en especial para Ellington. Paulatinamente se fueron incorporando nuevos miembros a la agrupación, y lo que era originalmente un quinteto en sus primeras apariciones en el Cotton Club, llegó a completar hasta un total de doce músicos.
Louis Armstrong

Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong, los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad. Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886–1942), dejaba a Louis y a su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903–1987) bajo el cuidado de su abuela, Josephine Armstrong y a veces, de su tío Isaac. No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad. Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos. En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.6 Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver. Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad.

 Charlie Parker

Hijo único de Charles y Addie Parker, sus inicios en la música fueron a una edad temprana. Tocó en un principio el bombardón (tuba barítono), antes de cambiarse al saxofón. Su madre se negó a la tuba, pensando que no era un instrumento adecuado para él, así que, ahorrando de todas partes, le compró un saxo alto. Aprendió de manera autodidacta fijándose en los grandes saxofonistas de la época, sobre todo en Lester Young y Buster Smith, sus primeras influencias. A los catorce años abandonó la escuela para sumergirse de lleno en el ambiente musical de su ciudad. Tras algunas experiencias frustrantes en varias jam sessions, Parker consiguió, tras trabajar mucho su técnica, ser considerado ya en 1937 (tras unirse a la territory band de Jay McShann) una primera figura del jazz. Parker llegó por primera vez a Nueva York en 1939, donde trabajó como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Realizó su grabación de debut con Jay McShann en 1940, creando solos destacados con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en temas como "Oh, Lady Be Good" y "Honeysuckle Rose". Con la big band de McShann lograría en 1941 impresionar a las audiencias con sus nuevas ideas musicales. Tras tocar con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo una breve colaboración con la orquesta de Noble Sissle en 1942, tocó el saxo tenor con la orquesta de bop de Earl Hines en 1943 y estuvo varios meses de 1944 en la orquesta del cantante Billy Eckstine, aunque la abandonaría antes de que el grupo hiciese sus primeras grabaciones. Gillespie formaba parte también de las orquestas de Hines y Eckstine; a finales del 1944 los dos músicos empezaron a trabajar juntos. Aunque Charlie Parker grabó con el grupo de Tiny Grimes en 1944, fue su colaboración con el trompetista Dizzy Gillespie en 1945 la que lo daría a conocer de forma definitiva en el mundo del jazz con temas tan novedosos como "Groovin' High", "Dizzy Atmosphere", "Shaw 'Nuff", "Salt Peanuts" y "Hot House"; sus solos representaban una novedad absoluta para los oyentes acostumbrados a los convencionalismos de Glenn Miller y Benny Goodman. Sus grabaciones de 1943 y 1944 dieron carta de naturaleza al bebop. La carrera de Parker se vio lastrada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical. Cuando Gillespie y Parker (conocidos como "Diz and Bird") viajaron a Los Ángeles, fueron recibidos con una mezcla de hostilidad e indiferencia, sobre todo por los músicos más veteranos. Regresaron a Nueva York. Pero de forma impulsiva, Parker decidió quedarse en Los Ángeles y, tras algunas grabaciones e interpretaciones (incluyendo la clásica versión de "Oh, Lady Be Good" con Jazz at the Philharmonic y las sesiones para el álbum Dial Sessions), la combinación de drogas y alcohol resultó en un ataque cerebral y seis meses de confinamiento en el Camarillo State Hospital. Rehabilitado en enero de 1947, volvió a Nueva York y realizó algunas de las mejores interpretaciones de su carrera, liderando un quinteto que incluía a Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter y Max Roach. En 1947, junto a Dizzy Gillespie, se presentó en el majestuoso Carnegie Hall de Nueva York, tocando con la orquesta de este y con su quinteto. El evento se encuentra disponible hoy en el disco Charlie Parker & Dizzy Gillespie: BIRD & DIZ AT THE CARNEGIE HALL. Parker, que grabó simultáneamente para las compañías Savoy y Dial, estuvo en plena forma durante los años 1947-1951, visitando Europa en 1949 y 1950, y realizando el viejo sueño de grabar con cuerdas en 1949 tras firmar con el sello Verve de Norman Granz. En 1951, su licencia de cabaret le fue revocada en Nueva York, lo que le dificultaba tocar en clubes. Sus problemas con las drogas se agudizaron y, aunque podía seguir tocando de forma inspirada (como lo demuestra su grabación de 1953 en el Concierto en el Massey Hall en Canadá con Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach y Charles Mingus), su carrera entró en declive. En 1954, con la muerte de una hija por carecer de dinero para una adecuada atención de una neumonía, protagonizó dos intentos de suicidio y, finalmente, murió en marzo de 1955 a los 34 años como consecuencia de un colapso cardiocirculatorio.


miércoles, 1 de agosto de 2012

Filatelia musical: instrumentos árabes.


Instrumentos tradicionales de los Emiratos Arabes.
Dos sellos hojas bloques del año 1992, 3 sellos en cada hoja bloque.
Nos muestran instrumentos árabes:
  • Al Tambaurah
  • Al oud
  • Al Rababah
  • Al Mizmar
  • Al shindo
  • Al marwas
  • Al duff
  • Al tabel
  • Al Hibban



sábado, 14 de abril de 2012

Instrumentos africanos. Filatelia musical.


Instrumentos musicales en filatelia musical.
Rababa.Nouba.Clarinete. Bateria. Magruna. Zukra. Kaman. Guitarra. Trompeta. Tapla. Gonga. Saxofón. Piano. Ganoon. Ood.



Presionar la imagen y se verá en su estado original: muy grande:



Asi suena el Rababa

Filatelia musical. Frank Sinatra




Sello del año 1998 de la Republica de Guinée. Es una hoja bloque con dos sellos interiores, se ve a Frank Sinatra con Marilyn Monroe en un sellos y en el otro con Elvis Presley. Cada uno marca 2500 francos de Guinée +1000 francos. En el fondo del sello se ve a Sinatra cantando en una de sus actuaciones.

Francis Albert Sinatra (n. 12 de diciembre de 1915 - m. 14 de mayo de 1998), mejor conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense.

El repertorio de Sinatra está basado en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses (Cole Porter, Sammy Cahn, George Gershwin ...) y su estilo sintetizó, en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música de orientación pop que empezaba a difundirse a través de la radio.[1]

Su categoría artística radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.[2]

En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resultan secundarias respecto de la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva posible..[3]

Técnicamente, se caracteriza por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración. El rango de su voz está próximo al de un Barítono.[4]

A Sinatra se le reconoce históricamente el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz no ya solo por encima de las orquestas (dominadoras de la música popular estadounidense de principios del siglo XX), sino de aproximarla a la intimidad del oído del oyente.[5]

La popularidad de Sinatra fue prácticamente constante a lo largo de toda su vida; no obstante, fueron los años cuarenta y cincuenta los más exitosos, siendo esta última década la considerada como su etapa de mayor calidad artística debido a su producción discográfica para la compañía Capitol.

Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones suelen ser emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral es capital: fue, precisamente, a través de su papel en De aquí a la eternidad como logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, ganando por su interpretación el Oscar al mejor actor secundario.

A lo largo de su carrera profesional grabó más de 1300 canciones y recibió multitud de premios y homenajes, como por ejemplo 10 Grammys, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.


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miércoles, 29 de febrero de 2012

Sello Beatles. Filatelia




Sello del año 2000. The Beatles. Sello con las fotos de los Beatles, editado por la republica del Tchad. Año de emisión 1999. Es una hojita bloque con los 4 Beatles. Hay unas fotos de época de los coches que había por entonces.

The Beatles fue un grupo musical de la década de 1960 que revolucionó el rock inglés. Sus composiciones se encuentran entre la más notables de este género, además de que posee el primer lugar en ventas mundiales junto con ABBA. El cuarteto se formó en la ciudad de Liverpool, Inglaterra en 1957 y se disolvió en 1970.

Su extenso legado de notables composiciones dentro del ámbito de la música pop rock revolucionó el panorama musical de la época y ejerció una influencia única, abarcando incluso los ámbitos sociales y culturales. En el ámbito estrictamente musical la influencia de The Beatles perdura hasta nuestros días.

El grupo estaba compuesto por:

John Winston Lennon Stanley, (John Lennon) (Liverpool, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, 8 de diciembre de 1980).
James Paul McCartney, (Paul McCartney) (Liverpool, 18 de junio de 1942)
George Harrison, (George Harrison) (Liverpool, 25 de febrero de 1943 - † Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001)
Richard Starkey (Ringo Starr) (Liverpool, 7 de julio de 1940)
Aunque Lennon y McCartney fueron los principales compositores, George Harrison y Ringo Starr hicieron también contribuciones significativas a través de los años. George Martin produjo todos sus álbumes a excepción de Let it be, que fue producido por Phil Spector, con el que todos estaban de acuerdo a excepción de Paul.

A veces se llama el "quinto Beatle" a su manager Brian Epstein (Liverpool,19 de septiembre de 1932 - Londres, 27 de agosto de 1967), otras veces a su productor George Martin que nunca había sido productor de rock, de ahí el sonido tan distintivo. (Londres, 3 de enero de 1926), o al pianista Billy Preston (Houston, Texas, 9 de septiembre de 1946 - Scottsdale, Arizona, 6 de junio de 2006), que acompañó al cuarteto en algunas grabaciones de la película Let it be e incluso a Eric Clapton, quien llego a grabar en sus discos como invitado.

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sábado, 4 de febrero de 2012

Filatelia musical. Pau Casals





Sello de España con el insigne Pau Casals, en fondo tocando el violoncello. El valor es de 3 pts, y el año es : 1966.

Pau Casals Defilló (El Vendrell (Tarragona, España), 29 de diciembre de 1876 - San Juan de Puerto Rico, 22 de octubre de 1973). Por sobre su reconocida actividad como director y compositor, Casals es considerado uno de los mejores violonchelistas de todos los tiempos. Una de sus composiciones más célebres es el "Himno de las Naciones Unidas", conocido como el "Himno de la Paz", compuesto mientras residía en su segunda patria, Puerto Rico (donde había nacido y se había criado su señora madre), y donde residían varios otros peninsulares renombrados internacionalmente, tales como Juan Ramón Jiménez y Francisco Ayala.

Además de por su obra musical, Pau Casals destacó en todo el mundo por su activismo en la defensa de la paz, la democracia, la libertad y los derechos humanos, que le valieron prestigiosas condecoraciones, y hasta ser nominado al Premio Nobel de la Paz. Casals también manifestó públicamente su oposición al régimen franquista.

Pau Casals murió el 22 de octubre de 1973, a la edad de 96 años, en San Juan de Puerto Rico, a consecuencia de un ataque al corazón. Fue enterrado en el Cementerio Conmemorativo de San Juan de Puerto Rico.

El 9 de noviembre de 1979, restablecida la democracia en España, sus restos fueron trasladados al cementerio de El Vendrell, su población natal, donde actualmente descansan.

En el centro de El Vendrell hay la Casa-Museo de Pau Casals, y en el barrio de San Salvador de la misma población, la sede de la Fundación Pau Casals, con otra casa-museo frente a un auditorio bautizado con su nombre, y con un busto realizado por el escultor Josep María Subirachs.


Su obra musical como violonchelista, compositor y director
Entre las contribuciones más importantes de Pau Casals destaca haber cambiado le técnica de la interpretación de violonchelo, buscando movimientos más naturales alejados de la técnica rígida del siglo XIX. Rescató del olvido las suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach, son famosas las grabaciones que de ellas hizo entre 1936 y 1939.

Casals mostró ya desde su infancia una gran sensibilidad por la música. Su padre, también músico, le transmitió los primeros conocimientos musicales, que Pau Casals amplió con estudios en Barcelona y Madrid. En esta ciudad compartió estudios con el otro grande del violonchelo español del siglo XX, Juan Ruiz Casaux, siendo ambos discípulos del catedrático de la Escuela Nacional de Música, Víctor Mirecki, iniciador de la escuela violonchelística española moderna, y de Jesús de Monasterio en la cátedra de perfeccionamiento de música de cámara. Con tan solo 23 años inició su trayectoria profesional y actuó como intérprete en los mejores auditorios del mundo.

En calidad de intérprete aportó cambios innovadores a la ejecución del violonchelo e introdujo nuevas posibilidades técnicas y expresivas en dicha especialidad. Como director, buscaba igualmente la profundidad expresiva, la esencia musical que sabía alcanzar con el violonchelo.

Pau Casals ejerció también como profesor y compositor, con obras como el oratorio El pessebre, que se ha erigido en un verdadero canto a la paz.

Composiciones de Pau Casals
Misa de Gloria a cuatro voces y armonium (Barcelona,1892)
Minuetto para quinteto de cuerda (Barcelona,1892)
A tu-des de Santes Creus. Queixa (Santes Creus, 1892) Canción. Texto de Joan Ramon.
Concierto para violonchelo y piano (Barcelona, 1892)
Cuarteto en mi menor (Barcelona, 1893)
Romanza para canto y piano sobre una poesía de Heine (Madrid,1893)
Pastoral para violonchelo y piano (Madrid,1893)
Balada (Madrid,1893)
Romanza para canto y piano (Madrid,1894)
Cuatro romanzas sin palabras para piano (Madrid,1894)
Pequeña Mazurca de Salón (Madrid,1895)
Primer Preludio Orgánico para piano (Madrid,1895)
Segundo Preludio Orgánico para piano (París,1895)
En el mirall canviant de la mar blava (Canción catalana núm.1) (Cerdañola del Vallés,1895)
A l'enterrament de un nin (Canción catalana núm.2) (Barcelona, 1895)
Al despertar-se de matinada (Canción catalana núm.3) (Barcelona, 1896)


Fuentes : Wikipendia
Podeís ir a esta página para escuchar a Casals, lástima que esté en Catalán y los españoles no la podemos leer. Es la mania de algunos de que la cultura es únicamente de ellos. Pues ellos se lo pierden , me parece muy bien que su idioma lo hablen y lo protejan, pero sabiendo como saben tambien el castellano es una tonteria que la cultura no se extienda a todos. Bueno es una crítica constructiva yo a los catalanes los aprecio mucho, mi apellido es Catalán Pablo, y el de mi padre : Catalán Catalán, o sea mi padre es más catalán, que ninguno de Cataluña, eso que nació en Aragón.

jueves, 2 de febrero de 2012

Jerome John "Jerry" Garcia . Filatelia musical.




Preciosa hoja bloque de 9 sellos con Jerry Garcia tocando la guitarra y cantando. Sello de MOnserrat de 1999

Jerome John "Jerry" Garcia (1 de agosto 1942 - 9 de agosto 1995) fue un músico estadounidense, líder de Grateful Dead, grupo de rock influido por la psicodelia, fundado en San Francisco en 1965 y que durante décadas ha representado para muchos de sus fans un ejemplo auténtico de banda alternativa, en activo al margen de los intereses que priman en la industria musical. Grateful Dead fue un grupo alineado con un estilo de vida que huía del sometimiento a convencionalismos sociales o doctrinas éticas y políticas susceptibles de limitar la libertad del individuo.

Nacido en la misma ciudad de San Francisco, Jerry era nieto de Manuel "Papuella” Garcia, un español emigrado a los Estados Unidos que trabajó en ese país como electricista, e hijo de Jose o Joe Garcia, musico de jazz que decidió bautizarlo con el nombre de pila de Jerome Kern, compositor de Broadway.

Jerry Garcia se convirtió en su país en una figura emblemática de la contracultura liberal de los años sesenta.

Jerry Garcia murió días después de cumpir 53 años, de un ataque al corazón en el transcurso de una estancia en el centro de rehabilitación para toxicómanos, "Serenity Knolls", en el condado de Marin, California.


Fuentes: Wikipendia

lunes, 16 de enero de 2012

Sello :The Doors. Filatelia musical.



Sello con la caratula de un disco. Album: The Soft Parade, julio de 1969.
Sello bloque con 8 sellos más pequeños incustrados dentro del bloque. St. Vicent 1997.


Origenes: 1965 - 1966
Un encuentro casual entre dos conocidos y estudiantes de cine en la UCLA, Jim Morrison y Ray Manzarek en la playa Venice en julio de 1965 condujo a la fundación de The Doors. Morrison le hablo a Manzarek sobre sus canciones, y le cantó "Moonlight Drive". Impresionado por la calidad de sus líricas, Ray Manzarek sugirió inmediatamente que formasen una banda.

Ray Manzarek y su órgano Vox ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick Manzarek, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En Agosto, Densmore se unió al grupo y, con algunos miembros de los Ravens y una bajista no identificada, grabaron un demo de seis canciones el 2 de septiembre. Este demo fue parcialmente pirateado, y apareció entero el 1997 en el Doors Box Set.

Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final -Morrison, Manzarek, Krieger and Densmore- estaba completa. La banda tomó su nombre de un libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception, que a su vez, estaba tomada de una línea del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción se abriesen, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito)

The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con su mano izquierda en el novedoso Bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido Piano Fender Rhodes, y las melodías del teclado en su mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas como Jerry Scheff, Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack, y Ray Neapolitan en sus grabaciones de estudio.

Muchas de las canciones originales fueron hechas en conjunto. Morrison aportaba con las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek estaban caminando en la playa en California, vieron pasar una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks' 1965, "All Day and All of the Night," y el vocalista de este grupo, Ray Davies, demandó a The Doors.

Ya por el 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y pronto se cambio al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto fueron vistos por el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, por la insistencia de el vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. Después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieron dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, el primero algo irregular, pero el siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra el 18 de agosto, y empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda. Esto ocurrió gracias a un incidente en una presentación de "The End (The Doors)", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Mother? I want to fuck you".

Fuentes: Wikipendia

martes, 27 de diciembre de 2011

Instrumentos de Hong-kong. Sellos.

Imstrumentos:
 Hong-Kong           Erhu
                           Gehu
                           Pipa
                           Ruan    


 
FUENTES ARTICULO 
China9 Instrumentos musicales de China (II)
Entre los principales instrumentos de cuerda en China tebemos :
Pipa
Se asemeja a una  guitarra española en algunos aspectos, con largas uñas de los dedos que se cultivan para pulsar las cuerdas. Con su característica forma de pera y cuatro cuerdas de tripa.
Guqin
Son muchas  las técnicas y los usos que se han desarrollado, hasta el punto que puede ser considerada como una característica de la música china.
Guqin
Es una cítara de siete cuerdas, es el más antiguo instrumento de cuerda chino con 3000 años de historia. En la China imperial, un estudioso de una buena educación se espera que sea experto en cuatro artes: Qin, Qi Shu, y hua, es decir, el guqin, el ajedrez, la caligrafía y la pintura. Desde el Guqin ha sido considerado históricamente como el símbolo de la alta cultura china, en la actualidad sólo menos de 300 personas en China pueden ejecutarla.
Liuqin
Esto parece ser una versión más pequeña de la pipa y suena como una mandolina.
turismo China1 Instrumentos musicales de China (II)
Ruan 
También conocido como la guitarra Luna, se trata de una variedad de tamaños y tonos diferentes, y está equipado con cuatro cuerdas.

Guzheng
También conocido como el Zheng, esta es la cítara china. Los tamaños varían entre 13 a 17 cuerdas y tiene un rango superior a tres octavas en sintonía con la escala pentatónica.












miércoles, 21 de diciembre de 2011

The Doors. Caratula de disco en hojas bloque de sello. Filatelia musical








Hojas bloque de St. Vincent. 8 sellos en cada hoja. Representan discos del conjunto The Doors.Año 1979.




The Doors fue un grupo de rock ácido, formado en Los Ángeles (California, estadounidense) en julio de 1965 y disuelto en 1973. Estaba compuesto por Jim Morrison en la voz, Ray Manzarek en los teclados (y, a la vez, en el bajo producido en su órgano), John Densmore en la percusión y Robby Krieger en la guitarra.




Estilo
El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. El teclista aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); el guitarrista, del flamenco y el baterista, del jazz. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.


Significado del Nombre
El nombre The Doors proviene del libro de Aldous Huxley "The Doors of Perception" (Las puertas de la percepción), inspirado a su vez en un pasaje del poeta William Blake: If the doors of perception were cleansed, everything would appear to man as it is: Infinite.. («Si se abrieran las puertas de percepción, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito»).



La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego, la música. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche.



The Doors logran fama rápidamente con su primer disco, The Doors, de 1967. El éxito del disco se debe al tema "Light my Fire", que alcanza el número uno en las listas estadounidenses. El disco L.A. Woman, de 1971, es para muchos la obra maestra del grupo.

Por su influencia sobre otros grupos y su éxito comercial, muchos la consideran una de las bandas más importantes de la historia del rock. Aún hoy, las reediciones de sus discos originales, así como las recopilaciones y discos en directo, siguen atrayendo a un público joven que no tuvo oportunidad de conocer a la banda en su época de esplendor.


[editar] Miembros
Jim Morrison - voz.
Ray Manzarek - teclados (bajo en su teclado).
Robby Krieger - guitarra.
John Densmore - batería y percusión.

[editar] Discografía
The Doors (1967)
Strange Days (1967)
Waiting for the Sun (1968)
The Soft Parade (1969)
Morrison Hotel (1970)
Absolutely Live (1970) (Directo)
13 (1970)
L.A. Woman (1971)
Other Voices (1971)
Weird Scenes Inside The Gold Mine(1972)
Full Circle (1972)
An American Prayer (1978)
Alive She Cried (1983) (Directo)
Live in Europe (1990) (Directo)
In Concert (1991) (Directo)
Opening The Doors of Perception (1998)
Essential Rarities (1999) (Rarezas)
Bright Midnight (2001) (Directo)
The Best of The Doors (2003)

Fuentes :Enciclopedia wikipendia

Notas flauta. Cállate niña

Para leer musica yo aprendo con melodías conocidas. Esta es muy conocida la he editado con harmoni assistant. Partitura con notas . Sirve...