200 aniversario del Mozart español (Arriaga)

JUAN CRISÓSTOMO DE ARRIAGA:
EL MOZART ESPAÑOL
Por José Enrique Peláez Malagón. Doctor en Historia del Arte (Universidad de Valencia).




Juan Crisóstomo de Arriaga

Juan Crisóstomo de Arriaga Balzola, pese a su "juventud", es considerado como uno de los compositores más destacados en la historia de la música española, más allá de la inevitable simpatía romántica que despierta su temprana muerte, antes de cumplir los veinte años.

Arriaga nació en Bilbao el 27 de enero de 1806 y falleció en París el 17 de enero de 1826. En numerosas ocasiones los críticos españoles han exagerado la falta de preparación académica de Arriaga para, de este modo, hacer hincapié en sus extraordinarias cualidades naturales; pero esta imagen en la actualidad tiende a matizarse resaltando la importancia de la formación musical recibida tanto en sus primeros años en España como en su posterior estancia en Francia.


Teatro Arriaga de Bilbao

Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, Juan Simón de Arriaga, a la sazón, organista de la iglesia de Berriatúa. Más tarde y dadas las cualidades del niño, el padre consigue que se convierta en discípulo de Faustino Sanz, violinista de la capilla de música de la basílica de Santiago. En esta misma época y pese a su juventud, empieza a frecuentar las sociedades musicales, germen de las futuras sociedades filarmónicas y orquestas en donde comienza a representar y a componer sus primeras obras por las que es reconocido y admirado. Es en este ambiente cuando a los once años compondrá el octeto Nada y mucho (1817), para trompa, cuerda, guitarra y piano. A esta composición seguirán otras en la misma línea, hasta que finalmente se decida, con trece años, emprender obras de mayor envergadura como la ópera en dos actos que lleva por título Los esclavos felices (1819).

Dadas sus cualidades, su padre decide que ha de trasladarse a París para continuar sus estudios musicales, de este modo en 1821, con quince años marcha a la capital francesa matriculándose en su conservatorio en donde estudiará contrapunto y fuga con Fétis y violín con Baillot. Su rápido progreso y sus grandes dotes para la composición, hicieron posible que a partir del curso 1823-1824 fuera nombrado profesor ayudante de Fétis y comenzase a impartir las disciplinas de las que sólo dos años antes era un alumno.

La primera obra importante que escribe en París será una fuga a ocho voces llamada Et vitam venturi, obra de concurso que fue premiada y que se perdió tras la muerte de Arriaga. A ésta siguió una serie de Tres cuartetos acerca de los cuales afirmaba Fétis que “... es imposible imaginar nada más original, más elegante, ni escrito con mayor pureza que estos cuartetos...” Finalmente, en los últimos dos años de su vida, compondrá una obertura pastoral para su ópera Los esclavos felices, una Sinfonía grande orquesta en cuatro tiempos, una Misa en cuatro voces, un Salve Regina y un Stabat mater para coro y orquesta, además de varias arias, duos, cantatas y quintetos.

El inesperado y prematuro fallecimiento del compositor fue la causa de que la obra de Arriaga permaneciera desconocida hasta mediados de la década de los ochenta del siglo XIX, momento en el que un descendiente del bigrafiado recupera algunas piezas, en especial cuartetos, que entrega a la sociedad de cuartetos de Bilbao, quien se hace eco de ellos representándolos en sus actuaciones en los distintos salones de la capital vasca. En 1887 se crea en Bilbao la comisión permanente Arriaga, presidida por Emiliano Arriaga (descendiente del compositor) y cuya finalidad será la de dar a conocer la obra de Juan Crisóstomo por medio de las representaciones de sus piezas, así como la obtención de beneficios con los cuales poder dar a la imprenta y por tanto difundir por otras sociedades españolas esas mismas piezas.

Centrándonos ya estrictamente en la obra del compositor, ésta se puede dividir en tres grandes géneros. Por un lado su obra religiosa, por otro la sinfónica y finalmente la dramática, todas ellas abarcan un total de unas veintitrés piezas, algunas de las cuales se han perdido, otras no están publicadas, pero conservadas en el Museo Arriaga, y finalmente otras publicadas a finales del siglo XIX de las que se sospecha la existencia de algunos cambios introducidos al darlas a la imprenta. Circunstancias, todas ellas, que han dificultado enormemente la catalogación de la producción musical.

Sus obras más importantes, consideradas por algunos como obras maestras, son La sinfonía a grande orquesta, los Tres cuartetos y la obertura para los Esclavos felices. Todas ellas revelan una técnica muy sólida y un gran dominio de la forma. Recuerdan en gran medida a otras composiciones de Mozart, Cherubini o Rossini, si bien todas ellas tienen el sello personalísimo de Arriaga. Esta circunstancia se puede observar en los Tres cuartetos, en donde si bien comienza con un tipo de sonata clásica que debe mucho a alguno de los compositores anteriormente señalados, introduce en ella una serie de nuevos y originales elementos que la acercan al Romanticismo musical y que son verdaderas innovaciones y creaciones propias de Juan Crisóstomo, tal es el caso de la introducción de movimientos en forma de rondó, o la inversión en el orden de la presentación de los temas o de la recapitulación.

Si de alguna forma se ha de concluir esta breve biografía, no puede ser otra que señalando el hecho de que la temprana muerte y la posterior pérdida de los escritos del compositor, ocasionaron que la obra, pese a su importancia, no pudiese ejercer ninguna influencia en la música española de las décadas posteriores, circunstancia que contrasta grandemente con la valoración altamente positiva que a lo largo del siglo XX han realizado sobre la misma los críticos e historiadores musicales.



CATÁLOGO DE LAS OBRAS DEL COMPOSITOR:

Obra religiosa:

· Audi benigne

· Misa 4V

· O salutaris

· Stabat Mater, op. Nº23 (1822)

Obra instrumental:

· Nada y mucho, octeto, (1817)

· Overtura nonetto, op. Nº1 (1818)

· Patria, op. Nº3 (1818)

· Tema variado en cuarteto, op. Nº17 (1822)

· Obertura en Re M, op. 20 (1821)

· Variaciones sobre el tema de “La húngara” para violín con acompañamiento de bajo ad libitum, op. 22

· Variaciones sobre el tema de “La húngará” en cuarteto, op. 23 (1822)

· Marcha militar

· Sinfonía a grande orquesta

· Tres cuartetos

· Tres estudios de carácter

Obras vocales y dramáticas:

· Agar

· Agar et Ismael

· Edipo (Aria de Polinicio)

· Erminia. Scéne lyrique-dramatique en un acte et deux tableaux, d´prés un épisode du poème “La Jerusalem Délivrée” de Torquato Tasso.

· Los esclavos felices, ópera (1820)

· Ma tante aurore (All´Aurora)

· Medea (aria)

Melisma

Melisma


Gupo de notas de paso que forman parte obligada de la melodía. Se aplica particularmente este nombre a los dibujos ligados y flexibles que adornan de manera rica y delicada un gran número de obras de canto gregoriano
como también otro de las antiguas escuelas y que, demasiados desarrollados para poder ser reducidos a fórmulas y expresados por signos abreviativos , inauguran el arte fecundo de la gran variación melódica. Los responsos aleluyáticos y los graduales nos ofrecen, en el repertorio litúrgico .
Durante la edad de oro de la ópera italiana, la parte de los melismas llegó a ampliarse en el canto dramático hasta el abuso; pero esto que no era para los virtuosos más que una ocasión de hacer brillar la belleza de su órgano vocal y la perfección de su técnica, ha llegado a ser a veces para los compositores un potente medio de expresión.

Pero en donde se mantienen constante y libremente las tradiciones lejanas, sin cesar renovadas y vivificadas, de la melodía melimáticaes sobre todo en la música instrumental. Su cadena se contonúa en Bach, Beethoven, César Frank.
En la lengua inglesa se da este mismo nombre de melisma . a toda clase de aire o de melodía que no consiste en una pura declamación.

Petenera

Petenera

Canción popular española propia de la región andaluza, que es donde adquirió mayor importancia, extendiendose a toda España . Su melodía exhibe un lirismo melacólico con giros y movimientos característicos de la canción andaluza, aunque de ella están ausentes los melismas propios del canto flamentco. Su denominación se hace derivar de paternera (del pueblo de Pterna, Almería) y por corrupción en el lenguaje vulgar se convirtió en petenera. Existen dos tipos, la clásica y la moderna; esta última debe considerarse como una variante en modo menor , bastante alejada de la antigua; en la tonada moderna se manifiesta la tonalidad en modo menor del todo concreta, con cadencia conclusiva sobre la dominante,
cosa que no sucede en latonada antigua, que se manifiesta con señalada imprecisión, tanto tonal como modalmente. La letra que sirve de tipo a la petera moderna es :

Petenera, petenera
dame de un pecho un ramo.
!Niña de mi corazón!
¿quién le ha dicho al picarón
que petenera me llamó?

Parte de melodía:

Google anuncia el nacimiento de Mozart

Google anuncia el nacimiento de Mozart de una manera original:





Hoy : viernes 27 de enero de 2006, se cumplen los 250 aniversario del nacimiento de Mozart.

Los Ibéricos

Los ibéricos




El "boom" musical que El Bis y Los Ibéricos representan en escena, se empezó a fraguar en los míticos 60's, con la fundación de Los Ibéricos y sus cuidadas versiones de la mejor música instrumental de la época (The Shadows, Ventures, Spotnicks, etc.)
De los antiguos Ibéricos, que prestan su nombre al grupo actual, siguen resistiendo dos de los fundadores, Jesús Lacoma (guitarra solista) y José Francisco Orna (guitarra bajo). Completan la formación, la batería de José Antonio Ruizalejos y los teclados de José Luis Catalán.


En el año 2001 se incorpora Carlos Gargallo, auténtico "showman", fiel réplica y seguidor incondicional de ELVIS PRESLEY. Carlos adopta el nombre artístico de EL BIS y, desde ese momento, pasa a encabezar los carteles cual reencarnado Rey del Rock.

Una cuidadosa puesta en escena y un correcto montaje musical y el impresionante derroche de facultades que EL BIS prodiga en sus actuaciones, mantienen un altísimo nivel en el escenario. En algún paréntesis aparece la magia instrumental de LOS IBERICOS para, seguidamente, recuperar el alto voltaje y explotar con fuerza ante el espectador.

Los asistentes disfrutan la diferencia entre la música en lata y la música en vivo. Diferente. De muchos octanos. Algo que no te debes perder.

Calderón. Teoría musical.

El calderón


Es un signo en forma de semicirculo con un punto en su interior. Se coloca encima o debajo de una nota o pausa y su efecto en interrumpir, a voluntad, la marcha del compás en esta nota. Lo voluntario en la duración de este efecto, hace que este signo aparezca , con preferencia, en la última nota de una obra.




Sobre un compás entero de pausa en todas las voces o pausa general el calderón significa generalmente un acortamiento y no un alargamiento.

El oboe

El oboe
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El oboe es un instrumento pertenece a la familia de viento madera.

Su cuerpo es un tubo cónico formado por 3 secciones: la superior, la inferior y la parte del pabellón. El diámetro de la abertura mide 0,47 cm en la parte más alta y 1,58 cm al comienzo del pabellón. El pabellón se abocina un poco y termina con un anillo de metal. Por el otro extremo es por donde se inserta el tubo de la lengüeta, adaptada por medio corcho; la lengüeta es doble y de 0,63 cm de ancho y está atada al tubo mediante un hilo enrollado. La longitud del instrumento, incluida la lengüeta es aproximadamente de 64,77 cm; la lengüeta y el tubo de metal sobresalen unos 6,35 cm. La afinación del oboe puede variarse, aunque muy ligeramente, metiendo o sacando la lengüeta.

Los oboes están hechos habitualmente de madera. Las maderas más apropiadas son granadillo, palo rosa, madera de coco y de ebonita.

Algunos tipos de oboe son:

Corno inglés: Se diferencia con el oboe por el tamaño, la campana, y de una pieza de metal saliente en el extremo para sujetar la lengüeta. Está afinado en Fa, una quinta inferior que el oboe.
De amor: Más grande que el oboe, está afinado en La, una tercera inferior que el oboe.
Su sonido ha sido descrito como acre, nasal, penetrante, áspero, cortante y ronco. Estos adjetivos representan las cualidades más obvias de la doble lengüeta, cualidades que lo distinguen de otros instrumentos.

En la orquesta
La sección de los oboes se compone de dos oboes y un corno inglés o de tres oboes y un corno inglés, aunque también hay otros casos especiales.
Además de los usos melódicos descritos, los oboes pueden reforzar a los violines y a las violas doblándolos al unísono. Si se combinan con otras maderas pueden dar agudeza a los acordes del viento, y un carácter marcado a las figuras rítmicas. La duplicación del oboe y el clarinete al unísono es potente.
El procedimiento que se emplea para utilizar la sordina es introducir un pañuelo por su pabellón.

Silencios Teoría.

El silencio es la ausencia de sonido, cada figura tiene su silencio y dura igual que dicha figura.

Silencios
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Signos que sirven para representar la interrupción o ausencia de sonido, a cada figura le corresponde un silencio de igual duracción.

El Bis

EL BIS
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El que mejor imita a Elvis del mundo

Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart
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Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, Austria,27 de enero 1756 - Viena, 5 de diciembre 1791). Compositor austriaco.


Las dotes prodigiosas de un niño(1756-1762)
Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo (Austria). Fue bautizado con los nombres de Johannes Chrysóstomus Wolfgangus Theophilus Mozart [Pertl]; más tarde se haría llamar Wolfgang Amadeus (siendo este último un sinónimo latino del griego zeofilos, 'que ama a Dios'). Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Su madre se llamaba Anna María Pertl.

La casa natal de Mozart se encuentra en Getreidegasse n.º 9 de la ciudad de Salzburgo.Se trata de una casa de tres plantas, que actualmente se destina a museo con gran cantidad de objetos de la época y algunos instrumentos del Mozart niño. Es uno de los lugares más vistados de Salzburgo y una especie de «meca» para músicos de todo el mundo.

Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa antigua, Wolfgang y su hermana María Anna —conocida familiarmente como Nannerl— fueron los únicos sobrevivientes de siete hijos. Desde muy niños mostraron asombrosas facultades para la música, sobre todo Wolfgang; para él, la música y las matemáticas eran tan naturales como los juegos para cualquier otro niño.

A los cuatro años practicaba el clavicordio; y componia pequeñas canciones y minuetos de considerable dificultad; a los seis, tocaba con destreza el clave y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y poseía una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.

Definitivamente, no era un niño común. Su progenitor era un hombre inteligente, orgulloso y religioso. Creía que los dones musicales de su hijo eran un milagro divino que él, como padre, tenía la obligación de cultivar.

Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un libro sobre el arte del violín, que tuvo éxito y lo hizo famoso. Después del nacimiento de Wolfgang, salvo las tareas propias de su cargo, abandonó todo para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor, en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.

Cuando el niño iba cumplir seis años de edad, Leopold decidió exhibir las dotes musicales de sus hijos ante las principales cortes de Europa. Según los primeros biógrafos de Wolfgang, su padre «quiso compartir con el mundo el milagroso talento de su hijo...»; en la actualidad se cree más bien que lo explotó. Lo cierto es que su figura autoritaria y opresiva marcaría al joven Amadeus para toda su vida.

Primer viaje(1762-1763)
El 12 de enero de 1762, la familia entera partió hacia Múnich; tocaron ante el emperador Maximiliano José II y continuaron hasta Viena. La permanencia en esta ciudad —uno de los centros principales de la música— culminó con dos recitales ante la familia imperial en el palacio de Schönbrunn.

El pequeño Wolfgang causaba sensación en cada concierto. El dinero recolectado en este viaje no fue tanto como los elogios recibidos. Podría decirse que éste fue un viaje de prueba para Leopold. El 5 de enero de 1763, los Mozart retornaron a Salzburgo. El viaje había durado poco menos de un año.

El gran viaje(1763-1766)
Este gran viaje de los Mozart empezó el 9 de junio de 1763. Durante tres años y medio recorrieron las principales ciudades de Europa, cosechando grandes éxitos. En Viena fueron llamados a palacio por la emperatriz María Teresa. La emperatriz quedó encantada con el niño Wolfgang Amadeus, tanto, que incluso lo sentaba en su regazo y lo besaba.

Fue allí también donde cierta ocasión, al resbalar por el piso lustroso y caer, Wolfgang fue auxiliado por la princesita María Antonieta, que años después sería guillotinada durante la Revolución Francesa.

En Versalles, los Mozart tocaron ante el monarca Luis XV. La anécdota cuenta que en esa ocasión, la amante del rey, la altiva Madame de Pompadour, no permitió que el niño Wolfgang la abrazara por temor a que se estropeara su traje.

En Londres causaron la admiración del rey Jorge III; durante este viaje el joven músico compuso su primera sinfonía y conoció a Johann Christian Bach, hijo menor de Johann Sebastian Bach (aunque en esa época tenía mucho más éxito que su padre, quien era conocido como «el padre de Johann Christian Bach), quien ejercía gran influencia sobre su obra.

En Holanda deslumbró tocando el órgano más grande y complicado del mundo, y compuso su primer oratorio, a los nueve años de edad.

Cada presentación del joven Wolfgang Amadeus era una exhibición de su virtuosismo con el clave y el violín (se cuenta que ya en esa época podía tocar el teclado con los ojos vendados), y dejaba a los espectadores maravillados improvisando sobre cualquier tema que le proponían.

A esa edad ya sabía ser galante y dedicaba a las damas de la nobleza sus primeras sonatas para violín y clave. La familia regresó a Salzburgo el 30 de Noviembre de 1766.

Sus primeras óperas(1766-1769)
En septiembre de 1767, Mozart viajó a Viena acompañado por su padre y su hermana Nannerl. Esta vez ya no para demostrar sus habilidades de «niño prodigio», sino para desarrollar sus facultades de compositor.

En la ciudad imperial desarrolló una intensa actividad: escribió conciertos, sinfonías, misas, oratorios, cantatas y también sus primeras óperas, como la que hizo por encargo del monarca José II: la ópera bufa La finta sémplice ('La fingida tonta').

Los músicos de la época en Viena, vieron en el talento del niño una amenaza para sus puestos y comenzaron las intrigas. No creían que con sólo once años, pudiera escribir tan buena música, y decían que su padre era el verdadero autor de ellas. Las cosas se complicaron: hubo triunfos, pero también fracasos.

Un caballero de 14 años(1769-1770)
En 1769, Mozart ganó en Salzburgo la plaza de maestro de conciertos —gran honor para un muchacho— ...pero sin sueldo. Se le financió un viaje de estudios a Italia, donde Leopold pensaba que Wolfgang Amadeus triunfaría componiendo óperas.

Padre e hijo llegaron a Roma el 11 de abril de 1770. En el Vaticano, Wolfgang Amadeus escuchó el Miserere de Gregorio Allegri. Esta obra tenía carácter secreto, pues sólo podía interpretarse en la Capilla Sixtina y su publicación estaba prohibida so pena de excomunión.

Sin embargo, el joven compositor apenas llegó a la posada donde se alojaba, escribió de memoria una versión muy aproximada de la partitura completa. El papa Clemente XIV, admirado ante el talento del músico de catorce años, no sólo no lo excomulgó sino que lo nombró Caballero de la Orden de la Espuela de Oro, título que —a pesar de los privilegios que otorgaba— nunca interesó a Mozart.

Otro gran triunfo fue el estreno de la ópera Mitrídates, rey del Ponto, estrenada en 1770, en Milán. Aprobando un examen que al resto de los postulantes les llevó tres horas él resolvió en media hora, fue admitido como compositor en la Academia Filarmónica de Bolonia, considerada el centro de erudición musical de la época.

El ingreso de Mozart a la Academia fue extraordinario, ya que aún le faltaba mucho para los veinte años, edad mínima exigida por el reglamento. En ese lugar conoció al padre Giovanni Martini, importante teórico de la música en aquel tiempo, y por el cual Mozart siempre guardó un gran afecto.


El nuevo príncipe-arzobispo(1770-1772)
Mozart realizó un segundo viaje a Italia, para asistir al estreno de su ópera Ascanio en Alba. En 1771 regresó con su familia a Salzburgo, que por entonces era un principado eclesiástico regido por un príncipe-arzobispo. Se enteraron de la muerte del arzobispo Schrattenbach, que siempre los había apoyado.

Comenzó entonces una nueva etapa, mucho más difícil. Colloredo, el nuevo príncipe-arzobispo de Salzburgo, se mostró autoritario e inflexible con el cumplimiento de las obligaciones impuestas a sus subordinados. Mozart fue confirmado en su puesto de maestro de conciertos; ahora recibiría un modesto sueldo, pero su libertad poco a poco disminuiría, hasta el punto de sentirse esclavizado. Este hecho influyó en su carácter.

Años de lucha(1772-1778)-
Padre e hijo fueron a Italia por última vez en 1772. En Milán, Wolfgang estrenó una ópera y escribió el motete Exsultate-jubilate. Buscó un puesto digno y estable, pero en vano. Tuvo que regresar a Salzburgo. A los 17 años, Wolfgang ya no podía pasar por «niño prodigio». Empezaba ahora la lucha por la vida.

En 1773 hizo otro viaje a Viena, sin resultados prácticos, pero positivo para su arte, ya que conoció el nuevo estilo vienés a través de la música de Joseph Haydn. En enero de 1775 Mozart estrenó con gran éxito en Múnich su ópera La falsa jardinera. Fueron para Mozart años fecundos: escribió óperas, sonatas para piano, conciertos para violín, divertimentos, cuartetos y mucha música sacra por encargo de su nuevo patrón.

Sin embargo, Mozart se sentía prisionero, sentía que no progresaba y —sofocado por el ambiente provinciano de Salzburgo—, en agosto de 1777 reclamó a al arzobispo Colloredo la libertad para abandonar su puesto. Luego, en compañía de su madre, inició un largo viaje a París. En una escala en Múnich, conoció a la familia Weber y se enamoró la hija mayor, Aloysa.

En Mannheim hizo amistad con un grupo de compositores de esa ciudad (la cual era conocida porque sus orquestas —por primera vez en la historia de la música—, exageraban la diferencia entre los pasajes suaves y los fuertes; este estilo se dio en llamar «estilo de Manheim» y pocas décadas después sería una característica principal del Romanticismo.

Opresión y liberación(1778-1781)
Wolfgang Amadeus Mozart permaneció en París entre el 23 de marzo y el 26 de setiembre de 1778, sin lograr mayores beneficios monetarios, pero llegando a estrenar obras como la sinfonía París.

El 3 de julio su madre murió de un infarto. Deprimido por esta muerte y por algunos fracasos, Wolfgang decide retornar al servicio de Colloredo. Melancólico, se detuvo en Múnich para proponerle matrimonio a Aloysa Weber, pero ella lo rechazó.

Regresó a Salzburgo en enero de 1779. Colloredo le aumentó su salario, pero también sus obligaciones: debía dedicarle mucho más tiempo a su cargo. Ese mismo año escribió la Misa de la Coronación (KV 317).

En enero de 1781 estrenó en Múnich Idomeneo, rey de Creta, su primera gran ópera. Estaba en Augsburgo cuando fue llamado por Colloredo. Después de sus últimos triunfos y de relacionarse con nobles casi de igual a igual, el trato que le daba el arzobispo era humillante para él. Sus obras ya eran apreciadas en toda Europa, pero Colloredo se complacía en subestimarlo, tratándolo como a un vulgar criado. Finalmente, Mozart se rebeló; tras una agria discusión, decidió renunciar. Así terminaban diez años, de 1771 a 1781, de tensiones y disputas casi constantes.

Matrimonio pese a todo(1781-1784)
Mozart se instaló en Viena y vivió un año feliz. Intervino en conciertos, impartió clases y escribió numerosas obras. 1782 fue el año de otra ópera triunfal: El rapto en el serrallo.

En este año conoció, a través del barón Gottfried Van Swieten, un entusiasta coleccionista y aficionado musical, quien tenía en su poder una biblioteca con gran cantidad de obras de compositores barrocos, entre ellos Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach. Así toma contacto con los oratorios de Händel y algunas obras de Bach, entre ellas El clave bien temperado. Mozart asimiló los modos de composición de ambos, fusionandolo con el propio, dando a la mayoría de las obras de este período un toque contrapuntístico, apreciable en las transcripciones que hizo de algunas fugas de El clave bien temperado KV 405, las fugas para piano KV 394, KV 401 y KV 426 (luego transcripta para cuerdas con el número de catálogo KV 546). Pero por sobre todo, podremos ver la influencia de Händel y Johann Sebastian Bach en la Misa en do menor KV 427.

Tras su fracaso sentimental con Aloysa Weber, encontró consuelo en Constanze, la hermana menor. Pero sabía que su padre Leopold no apreciaba a esa familia. Quiso viajar a Salzburgo para presentarle formalmente a la novia, pero varios eventos postergaron el temido viaje para enfrentar a su progenitor.

El 4 de agosto de 1782, sin el consentimiento paterno, Wolfgang Amadeus y Constanze se casaron en Viena. Para celebrar la unión y para calmar a su moralista padre, Mozart compuso la inconclusa Misa en do menor (KV 427). Pensaba estrenarla en Salzburgo con Constanze como primera soprano solista. Sólo pudo hacerlo en agosto de 1783, pero sería inútil. Deseaba demostrar a su familia que había sabido elegir, pero Leopold y Nannerl jamás terminarían de aceptar a Constanze.

Para colmo de males, su primer hijo murió el 19 de agosto de 1783, al mes de nacido. De los seis hijos que Wofgang Amadeus tuvo con Constanze sólo dos sobrevivieron: Kart Thomas y Franz Xaver.

El más grande compositor(1784-1787)
Para diciembre de 1784, Mozart ingresó en la francmasonería, en la que encontró un ideal filosófico. 1785 fue un año de gran actividad artística y social. Wolfgang se sintió entusiasmado ante el aplauso que los vieneses dispensaron a su música. Por entonces dedicó a Joseph Haydn algunos cuartetos de cuerda.

La anécdota cuenta que, al oírlos, Haydn manifestó a Leopold ante Dios que Wolfgang Amadeus era el más grande compositor que hubiera conocido. Fue un gran periodo creador. En 1786 Mozart estaba en la cumbre. Estrenó la ópera Le nozze di Figaro (Las bodas de Fígaro) con gran éxito y en 1787, en Praga Don Giovanni.


Tiempos de crisis(1787-1791)

La misa para difuntos(1791)(Réquiem en re m)
En marzo de 1791, Mozart ofreció uno de sus últimos conciertos públicos en Viena; tocó el Concierto para piano n.º 27 (KV 595). Su último hijo, Franz Xaver, nació el 26 de julio.

Pocos días antes se presentó en su casa un desconocido, vestido de gris, que rehusó identificarse, y encargó a Mozart la composición de un réquiem. Le dio un adelanto y quedaron en que regresaría en un mes. Pero el compositor fue llamado desde Praga para escribir la ópera La clemencia de Tito, para festejar la coronación de Leopoldo II.

Cuando subía con su esposa al carruaje que los llevaría a esa ciudad, el desconocido se presentó otra vez, preguntando por su encargo. Esto sobrecogió al compositor.

Más tarde se supo que aquél sombrío personaje era un enviado del conde Franz Walsseg, cuya esposa había fallecido. El viudo deseaba que Mozart compusiese la misa de réquiem para los funerales de su mujer, pero quería hacer creer a los demás que la obra era suya y por eso permanecía en el anonimato.

Mozart, obsesionado con la idea de la muerte desde la de su padre, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible a lo sobrenatural por su vinculación con la francmasonería e impresionado por el aspecto del enviado, terminó por creer que éste era un mensajero del Destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.

Mozart antes de morir consiguió terminar tan solo 2 obras el resto solo dejó bocetos y notas para su discípulo.


El final de una vida trágica(1791)
La salud del genio comenzó a declinar y su concentración disminuía. La clemencia de Tito fue acogida con frialdad por el público. Al regresar a Viena, Mozart se puso a trabajar en el réquiem encargado y preparó, en compañía del empresario teatral y cantante Emanuel Schikaneder, los ensayos de la ópera La flauta mágica. Ésta se estrenó con enorme éxito el 30 de septiembre de 1791, con el propio Mozart como director.

Un músico rival, Antonio Salieri, se hallaba entre el público. Por entonces Mozart escribió el Concierto para clarinete (KV 622). En octubre de 1791 su salud empeoró; caminaba con su esposa por un parque cuando de pronto se sentó en una banca y muy agitado comentó a Constanze que alguien lo había envenenado. Al poco tiempo quedó postrado en su lecho.

Mozart sentía que ya no volvería a levantarse, pero quería terminar su propia misa de difuntos y dictó a Süssmayer, su discípulo, las indicaciones para completar el Réquiem KV 626. Pero le faltó tiempo.

El 5 de diciembre de 1791, Mozart fallecía a los 35 años de edad, en Viena, ciudad que vio triunfar al niño y morir al hombre. Los médicos no se pusieron de acuerdo sobre la causa de su muerte. Por negligencia fue enterrado en una fosa sin lápida y jamás se le pudo ubicar.




La leyenda
Se propagó el rumor de que Mozart había muerto envenenado por Antonio Salieri, quien supuestamente odiaba su genio musical. Ésto sirvió de inspiración para la ópera Mozart y Salieri, de Rimski-Kórsakov.Se llegó incluso a afirmar que los restos de Mozart fueron perdidos para que no quedaran huellas del homicidio.

Su Obra
La obra de Mozart fue catalogada por Ludwig von Köchel en 1832. Comprende 626 opus. La producción sinfónica e instrumental consta de:

41 sinfonías, entre las que destacan la 35, Haffner (1782), la 36, Linz (1783), la 38, Praga (1786) y las tres últimas (la 39, en mi bemol, la 40, en sol menor y la 41, Júpiter) compuestas en 1788;
conciertos (27 para piano, 5 para violín y varios para otros instrumentos);
sonatas, que constituyen piezas clave de la música mozartiana;
música de cámara (dúos, tríos, cuartetos y quintetos);
61 divertimentos,
serenatas,
marchas; y
22 óperas.
Con respecto a su producción operística, después de algunas obras «menores», llegaron sus grandes títulos a partir de 1781: Idomeneo en Creta (1781); El rapto del serrallo (1782), la primera gran ópera cómica alemana; Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Cosí fan tutte ('Así hacen todas', 1790), escritas las tres en italiano con libretos de Lorenzo da Ponte; La flauta mágica (1791), en la que se reflejan los ritos e ideales masónicos, y La clemencia de Tito (1791).

El grueso de la música religiosa que escribió forma parte del período salzburgués, donde encontramos gran cantidad de misas como la Misa de coronación, K.317, sonatas da chiesa y otras piezas para los diversos oficios de la iglesia católica. En el período vienés disminuye su producción sacra, sin embargo las pocas obras de caracter religioso de este período son claros ejemplos de la madurez del estilo mozartiano. Compone la monumental misa en do menor K.427 (la que queda inconclusa, al igual que el Requiem), el motete Ave Verum Corpus K.618, y el Requiem en re menor, K.626.

También compuso gran cantidad de obras vocales y corales profanas, algunas de caracteristicas procaces y libidinosas, como los cánones Leck mich im Arsch (lámeme el culo), K.231 y Leck mich im Arsch fein recht schön sauber (lámeme el culo hasta dejarlo

La nota sol

250 aniversario del nacimiento de Mozart

Mozart, ese milagro que Dios hizo nacer en Salzburgo
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Aniversario. Wolfgang A. Mozart (1756-1791).

El próximo 27 de enero se cumplirán los 250 años del nacimiento de Wolfgang Mozart. Como en ocasiones similares (por ejemplo, en 1991, cuando se cumplió el segundo centenario del fallecimiento del propio Mozart, o en 2000, cuando se conmemoró el 250 aniversario de la muerte de Bach), la maquinaria de la industria cultural se ha puesto en marcha para inundar el mercado con todo tipo de productos relacionados con el homenajeado.
¿Necesitaba esto Mozart?, se preguntarán muchos de ustedes. Seguramente, no. La música de muy pocos compositores conoce hoy mayor y mejor difusión (acaso sólo la de Bach esté en su mismo nivel) que la que escribió en sus 35 años de vida este poliédrico músico austriaco, ese "milagro que Dios hizo nacer en Salzburgo", en afirmación interesada, pero que muchos melómanos compartirán, de Leopold, el padre omnipresente y castrador.

Dos siglos largos después de su desaparición, y por encima de la imagen legendaria que haya podido afianzar algún producto vinculado a la cultura de masas en nuestros días, la figura de Mozart se nos presenta como la de un creador situado en una encrucijada histórica, que, como bien analizó Norbert Elias, iba a suponer la liberación de los músicos de los caprichos de sus empleadores. Cuando Mozart se independiza, marchándose a Viena en 1781 para sobrevivir como compositor libre, estaba dando, acaso sin saberlo, uno de los pasos más importantes de la historia de la música. Pero nada de eso recordaríamos hoy si la obra artística del salzburgués no fuera una de las más impresionantes que haya dejado nunca hombre alguno sobre la tierra. En todos los géneros destacó, en todos dejó huella, en todos su música se sigue oyendo hoy tan fresca y fragante como si acabara de ser escrita. Más allá de las modas y los vaivenes estéticos de la historia, siempre nos quedará Mozart.

Gentileza del Diario de Sevilla (digital)

El Ragtime

El ragtime
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Palestrina

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(Palestrina, actual Italia, 1525-Roma, 1594) Compositor italiano. Existe una leyenda de atribución incierta según la cual Palestrina salvó a la música polifónica, y a la música en general, del peligro de prohibición que pesaba sobre ella por parte de las autoridades eclesiásticas. En plena Contrarreforma, cuando muchas composiciones sacras no eran sino un pretexto para que los compositores levantaran los más complejos edificios contrapuntísticos –con el consiguiente descuido de la comprensión de las palabras de los textos cantados–, este compositor, con su Misa del papa Marcelo, devolvió a la música toda su pureza y todo su sentido.

Junto al español Tomás Luis de Victoria, el inglés William Byrd y el flamenco Orlando di Lasso, Palestrina marca la culminación del estilo polifónico. Su música, prácticamente toda ella de carácter sacro y a cappella, sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, se distingue por su belleza desnuda, su profunda y serena espiritualidad y su severidad constructiva. No fue un autor innovador como su contemporáneo Lasso, sino más bien un tradicionalista que, a patir de los procedimientos y las técnicas usados antes que él, llevó a su culminación más perfecta y ortodoxa un arte que tenía sus raíces en la Edad Media, de tal manera que su obra representa el paradigma de tal proceder.

Nacido en un pequeño pueblo cercano a Roma, del cual tomó el nombre, la existencia de Palestrina se desarrolló prácticamente en la Ciudad Eterna. En 1537, a los doce años, era ya miembro del coro en la basílica de Santa María la Mayor, donde tuvo la oportunidad de familiarizarse con la obra de compositores de la escuela francoflamenca como Josquin Desprez y Jean Mouton.

Dados los progresos en su formación, en 1544 fue nombrado organista de la catedral de San Agapito de su localidad natal, Palestrina. Allí permaneció hasta que el cardenal-obispo del que dependía, Giovanni Maria Ciocchi del Monte, accedió en 1551 al solio papal con el nombre de Julio III y lo nombró maestro de la Cappella Giulia y miembro de la Capilla Sixtina. Fue la época en que dio a la imprenta su primer libro de misas, dedicado a su protector.
Esta situación duró hasta que en 1555 el nuevo papa, Paulo IV, lo apartó de sus cargos por su condición de hombre casado. Palestrina pasó entonces al servicio de la iglesia de San Juan de Letrán y, en 1561, a la de Santa María la Mayor. Compuso en esta época la más célebre de sus misas, la ya mencionada Misa del papa Marcelo, en la que consiguió plasmar los criterios de inteligibilidad en la música sacra requeridos por el Concilio de Trento. Tras unos años al servicio del cardenal Ippolito de Este, en 1571, reconocido ya como uno de los compositores vivos más importantes, fue readmitido en el Vaticano en su antiguo puesto de maestro de la Cappella Giulia. El fallecimiento de su esposa en 1580 le hizo pensar en tomar los hábitos, posibilidad que frustró su matrimonio al año siguiente con Virginia Dormoli, la acaudalada viuda de un comerciante romano.

Palestrina fue un compositor prolífico en el que cantidad y calidad no están reñidas. Su catálogo integra 104 misas de cuatro a ocho voces, cerca de 400 motetes, 66 ofertorios, 35 magníficats y 65 himnos, además de madrigales sacros y profanos, salmos y lamentaciones. De toda esta ingente producción, las misas son las obras en que más se evidencia el magisterio del músico. Unas veces construidas sobre un cantus firmus de procedencia gregoriana, otras basadas en temas procedentes de motetes o madrigales, tanto propios como de otros autores contemporáneos o, incluso, de canciones populares, obras todas ellas de una belleza imperecedera.
PALESTRINIANO
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Derivado del nombre de Palestrina y aplicado habitualmente al género de música que le es caracte´ristico, es decir: a todo el estilo vocal polifónico en uso desde fines del siglo XV hasta principio del XVI . No puede negarse que esta acepción no es muy exacta , pues dicho estilo fue formado principalmente por Josquin Després.
Biografias y vidas.com

Guido d´Arezzo

Guido d´Arezzo
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Religioso benedictino y célebre teórico musical italiano, al cual se atribuyen numerosas innovaciones en la escritura de la música y que pueden resumirse como sigue: reforma de la notación musical, creación de las claves y de las cuatro lineas de la pauta, dió nombre a las seis primeras notas de la escal (ut,re,mi,fa,sol,la) utilizando para ello las primeras sílabas de un himno deicado a San Juan Bautista, y que dicen:

UT queant laxis REsonare fibris
MIra gestorum FAmuli tuorum
SOLve polluti LAbii retum
Sante Ionnes.

Cuyo significado es : para que puedan nuestras voces cantar tus admirables hechos, guía tú los labios de tus siervos, !oh, San Juan! Además designó las distintas octavas con letras mayúsculas , minúsculas y dobles; impulsó la enseñanza del canto mediante el uso del monocordio; perfeccionó el sistema de lineas de colores para la pauta. Guido d´Arezzo tiene tambien un papel muy importante en la historia de la escritura polifónica , puesto que se pronunció contra los paralelismos del organum de Hucbald y formuló nuevas leyes (occursus) para las cadencias finales. Guido d´Arezzo expuso ante el Papa Juan XIX sus nuevas teorías , las cuales fueron aceptadas y recomendadas por el Pontifice. Ignórase con certeza el lugar de su nacimiento . Algunos le suponen nacido en Arezzo (Toscana), hacia 995. Murió en el convento camaldulense de Avellano del cual erá prior el 17 mayo de 1050.
Tiene obras que se encuentran en el CCodex bibliothecae Uticensis en Prís. un antifonario, un gradual y varios tratados de música.
HISTORIA DE LA NOTACION 1


HISTORIA DE LA NOTACION 4

Los modos

Los modos
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Se usa principalmente dos modo , llamados modo mayor y modo menor; éstos provienen de los modos gregorianos :JONICO Y EOLIO, aunque de menor uso tambien pueden emplearse los modos dórico, frigio, y mixolidio; los modos lidio y locrio son de raro uso ya que no contienen uno de los grados tonales .

Lo que deberías saber
Lo que deberías saber y nunca nadie te dice, es que cada modo se corresponde con un grado de la escala mayor
Jónico: I grado
Dórico: II grado
Frigio: III grado
Lidio: IV grado
Mixolidio: V grado
Eólico: VI grado
Locrio: VII
Es decir, un modo griego es una serie de escalas musicales que se puede construir si se usan las notas de una escala mayor cambiando el “punto de partida”


MODOS GREGORIANOS

El arte de la fuga por Forkel

El arte de la fuga por Forkel
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Una obra admirable, única en su especie, no apareció hasta después de la muerte de Bach , en 1752, pero fué en su mayor parte brabada durante su vida por uno de sus hijos. Marpurg, la más alta autoridad de entonces entre los escritores musicales de Alemania, acompañó esta edición con un prefacio que contiene muchas observaciones convenientes y justas sobre el valor y utilidad de obras de esta especie . Pero este Arte de la Fuga de Bach era sin embargo demasiado elevado para el vulgo; se vió obligado a refugiarse en el pequeño mundo habitado por pocos entendidos. Este pequeño mundo fué muy pronto provisto de copias; las planchas de cobre quedaron sin usar y fueron finalmente vendidas por sus herederos como cobre viejo. Si una obra de esta naturaleza , de un hombre de reputación tan extraordinaria como era la de Bach y recomendada además como algo extraordinario por un escritor que en esa materia gozaba de crédito general, hubiera aparecido fuera de Alemania, tal vez se hubieran agotado diez ediciones de lujo, aunque tan sólo fuera por patriotismo. En Alemania no fueron vendidas de tal obra ni siquiera el número de copias suficiente como para pagar con ello las planchas de cobre necesarias.
La obra consiste en realidad en variaciones en gran escala, pues la intención del autor era demostrar claramente cuánto es posible hacer con un tema de fuga.
Las variaciones que son todo fugas completas sobre un mismo tema, son llamadas aquí contrapuntos. La penúltima fuga tiene tres temas; en el tercero el compositor revela su nombre por
b a c h (Si bemol, La, Do, Si) . Esta fuga sin embargo fué interrumpida por la enfermedad de la vista del autor y como la operación no dió resultado, no fué terminada. Parece haber sido su intención tomar cuatro temas para la última fuga, invertirlos en las cuatro partes y cerrar así su gran obra. Todas las distintas especies de fugas incluídas en esta obra sobre un tema único tienen en común, sea dicho de paso, el mérito de que todas las partes son de un carácter cantable, y ninguna menos que la otra.
En reemplazo a lo que falta en la última fuga ha sido agregado al final de la obra, el coral a cuatro voces Cuando estamos en el mayor peligro:le realizaron a Bach dos operaciones de ojos sin éxito y que, sin embargo, minaron su constitución. Cuando parecía recuperarse, sufrió un ataque de apoplejía y, sin tiempo siquiera para redactar su testamento, murió el 28 de julio de 1750 Bach lo dictó pocos días antes de su muerte a su yerno Altnikol. No he de decir nada del arte desplegado en este coral; era este arte tan familiar para el autor que podía ejercerlo aún en su enfermedad. Pero la expresión de piadosa resignación y devoción contenidas en él me ha emocionado siempre que lo he tocado; tanto que dificilmente podría decir a cúal hecharía de menos; si a este coral o al final de la última fuga.

Madrigal : fa la

fa la
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Pequeña composición del género del madrigal, que estuvo muy en boga en Inglaterra hacia finales del siglo XVI y principios de XVII . Su origen italiano, La falalella,era una canción popular, que F.Bendusi trató a cuatro voces en una de la obras de su Colección de Bailes para el coro e instrumentos (1591). Probablemente sirvió de modelo a textos poeticos en los que el segundo y cuarto versos y el final de cada estrofa estaban constituidos por las silabas fa la; Gastoldi los puso de moda escribiéndolos a cinco voces en sus Balletti (1591), que fueron imitados por Thomas Morley, con letra inglesa (1595). De esto vino la costumbre de dar a los mismos fragmentos musicales el título de Fa las. Los de Jhon Hilton a tres voces (1626) fueron particularmente estimados. Un fa la a cuatro voces, de Jeremías Saville, impreso en 1673 , en Musical companion de Playford ha quedado como tradicional en las sociedades de canto britanicas.

La guitarra

LA GUITARRA
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Instrumento de cuerdas pulsadas,y mástil, cuya caja, formada por una tapa y un fondo planos, unidos por aros de la misma altura en todo su contorno, tiene la forma de un 8 con escotaduras redondeadas, muchos menos pronunciadas que las del violin y de los deás instrumentos de arco. El mástil está dividido en 19 trastesdestinado a la colocación de los dedos de la mano izquierda.
La cabeza o pala , muy ligeramente ensanchada , se inclina algo hacía atrás; la tapa armónica tiene en la mitad de su anchura un agujero circular llamado boca o tarraja, por encima de la cual pasan las cuerdas para fijarse en un puente transversal en la parte más ancha de la caja. Las dimensiones de la guitarra, el número de sus cuerdas lo mismo que su ornamentación y los detalles secundarios de su construccíón han variado según los tiempos y lugares. Como el laúd la gutarra es de origen oriental. sobre su introducción en Europa aparecen dos hipótesis. Según la promeradebió de ser un instrumento creado por loa árabes e introducido por ellos en Europa. Según la otra.expuesta por E. Pujol en la Enciclopedia de la Música , dos corrientes simultáneas coincidieron: una de origen grecorromano, por transformaciones sucesivas de la kethara griega a traves de la cítara romana y de la chrotta hasta determinar la guitarra latina conocida en España en el siglo XVII , y por otra vía los árabes determinando en la misma época la guitarra morisca. Una de las más antiguas representaciones en España figura en unas esculturas del Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, que data de 1188. Se confirma la existencia tambien en Galicia, en el siglo siguiente, de varios tipos de instrumentos similares de cuerdas pulsadas llamadas más tarde en español vihuelas de mano , por oposición a la vihuela de arco. Tinctoris (hacia 1484) la menciona como propia de los catalanes. Cuando penetra en Inglaterra reinando Enrique VIII se le denomina gittern. Efectivamente en el siglo XVI , las diversas familias de instrumento de cuerdas pulsadasy mástil, guitarra, vihuela, laúd, tiorba, pandora, etc. son cultivados con predileccción en la Península Ibérica . El canónigo Mudarra (1546) en sus tres libros de cifra para vihuela , y Miguel Fuenllanan de Sevilla en su Orphenica Lyra (1554) incluyen diversas composiciones para guitarra. Bermudo en 1555, describe este instrumento como provisto de cuatro órdenes de cuerdas y algunas veces nuevamente de cinco. El tipo conocido en Francia en esta época, bajo el nombre de guitarra española, para la que Adrien Le Roy publicó cinco colecciones de obras (1551-1554) erá de cuatro órdenes de cuerdas. Introducida al mismo tiempo en Italia, según parece por Sicilia, la guitarra se aclimató más tardíamente en Alemania, donde la quiterna, de cuatro cuerdas dobles, mencionada por Praetorius (1619), no parece corresponder enteramente a su modelo genérico. Durante el siglo XVII la guitarra conservo su favor en Francia, pero sin poder disfrutar la preponderancia al laúd. Mersenne (1636) la describe como provista de cinco órdenes de cuerdas. El instrumento del violero Voboam que se conserva en el Museo de Cluny , responde a esta descripción .El más ilustre aficionado a la guitarra en el gran siglo fué Luis XIV , que había recibido clases de Jourdan de la Salle , y del cual la princesa Palatina decía que ejecutaba mejor que un maestro. Francisco Gorbetta , que había conquistado en Inglaterra su reputación de virtuoso , le dedicó su obra La guitare royal (1671). Hasta mediados del siglo XVIII se elogió el encanto que tenía la guitarra en manos femeninas y su mérito particular para el acompañamiento para el canto a media voz, que Lagarde y Jélyotte habían puesto de moda. Los violeros construyeron para los aficionados de altos vuelos los bellos instrumentos que se conservan en los museos y las colecciones y que están adornados de incrustaciones de nácar , de marfil, de concha y de maderas preciosas.
Cuando las didficultades de ejecución que presentaba el laúd hicieron que se abandonasen en Francia a este rival más rico, más potente, pero más exigente que la guitarra, algunos laúdes fueron transformados en guitarras-laúdes, instrumento híbridos de dorso abonbado con mástil y clavijero de guitarra. Dos conceptos de guitarra más aparente que reales habían tomado los epítetos de española y francesa; su afinación, salvo las variantes expuestas por ciertos maestro como Campion (1705) , era parecida, y la diferencia consistía en el orden asignado a las cuerdas, que se enumeraban en orden descendente en la guitarra española y ascendente en la guitarra francesa. Este orden, expuesto por la notación cifrada en tablatura , originaba la misma diferencia que existía para el laúd, según el sistema italiano o francés. Cuando fueron abandonados estos sistemas particulares de escritura, se adoptó para su traducción en notación musical la clave de sol, más conocida de la generalidad del público; pero en lugar de representar los sonidos reales, transportaba a la octava superior la música de guitarra.
La cuerda grave (mi) o sexta cuerda, le fué añadida a la guitarra por un violero alemán, según afirman ciertos autores, hacia 1790, y por el francés Marchal, según otros un poco más tarde. De todos modos , lo evidente es que en 1799, era ya conocida por el guitarrista español Ferrandiere, que hace mención de ella en su método. LLas cuerdas de la guitarra se pulsan con los dedos pulgar, indice, medio y anular de la mano derecha. Los dedos de la mano izquierda ejercen, como en todos los instrumentos de mástil,la presión necesaria sobre las cuerdas, en los espacios marcados por los trastes. Los sonidos armónicos se obtienen rozando la cuerda en su sitio correspondiente. Un guitarrista hábil logra en su instrumento matices delicadosde intensidad, efectos de velocidady ligereza y acordes de tres y más sonidos. La guitarra ha sido a veces introducida en la orquesta de ópera de manera pintoresca, sobre todo en la serenata de El Barbero de Sevilla de Rossini (1816) , y en la de Don Pasquale, de Donizetti (1843).Ha tenido virtuosos famosos como Fernando sor(1778-1839), Carcassi (1792-1853), Carulli (1770-1841) fallecidos todos en París. El reinado secular de la guitarra donde más se ha establecido y sostenido sin rivalidad es en la música nacional y popular de España. Sola o acompañando al canto o baile, sostenida de ritmos de taconeos y castañuelas, es la expresión típica y tradicional de un sentimiento de raza, sintesis de diversas influencias que los siglos han formado en varias parte de España y especialmente en Andalucia.Este aspecto importantisimo ha tenido sus admirables artistas, analfabetos intuitivos de la música , que han dejado una estela memorable de su paso con la creación de diversas melodías y rítmos, tales como el celebre Silverio, el maestro Ptiño, Paco de Lucena y otros. Algunos de los compositores españoles , como Albeniz, Granados , Falla , Turina etc. y otros extranjeros se han inspirado en esa tipic amodalidad para producir sus obras orquestales. Aunque la sonoridad de la guitarra no sea potente, sino más bien algo tenue, no ha sido obstaculo para que se manifestase en la sala de conciertos. La guitarra ha sido instrumento que ha venido cultivandose en España desde el siglo XVI ; tanto es así , que el primer método fué escrito por el doctor catalán Juan Carles y Amat, hacía últimos del siglo XVI, titulado: Guitarra española y vandola en las dos maneras , guitarra española y cathalana de cinco órdenes. Aguado y Sors, en la primera mitad del siglo XIX fueron los maestros que establecieron las bases de la escuela artística. La obra de ellos fué continuada más tarde por Huerta y Arcas. De todo este marasmo fué sacada en el último cuarto del siglo XIX por el famoso Tárrega, quien, al hacer suya la escuela artitica de sus predecesores enriqueció la literatura musical del instrumento con magníficas transcripciones de obras clásicas y composiciones originales de gran valos musical, convirtiendose la guitarra en instrumento intérprete de admirables páginas de Beethoven, Mozart , Haydn,Mendelshon, Berlioz, Schuman, Albeniz etc..- Tan magnífica obra fue continuada incansablemente por sus eminentes discípulos Llobet, Pujol, y Fortea, quienes vieron su obra secundada por otros ilustres concertistas españoles como Segovia, Romea, Sáinz de la Maza , Yepes, Tarragó, y otros contribuyendo todos a que la guitarra se mantuviera en la elevada jerarquia que tiene conquistada como instrumento de concierto, posición que ultimamente ha sido llevada a más encumbrado lugar por los compositores contemporaneos como ,Falla, Turina, Chavarri, Grau, Russell, Ponce , Broqua etc. y especialmente Castelnuovo Tedesco y Joaquin Rodrigo , quienes , elevándola a la categoria de instrumento sinfónico, han compuesto para ella dos conciertos del mayor interes..

El conjunto que más dinero ganó en 2005 :U2

Según la revista Billboard de Estados Unidos el grupo que más dinero ganó en el año 2005 fué U2, además hizó una lista global de la recaudaciones en el mundo de la música.

La clasificación se llama Monet Maakers mencionó los ingresos de todos los grupos del mundo, tambien los discos vendidos, y las ventas por internet, la suma de todos da vencedor a U2.

U2 sumando todo obtuvo unos ingresos de 255 millones de dolares.

La lista de los 10 primeros es como sigue:

1: U2, 255
2: The Rolling Stones, 152
3: Kenny Chesney, 88
4: Paul McCartney ,83
5: Elton John, 75
6: Celine Dion, 74
7: 50 Cent , 73
8: Green Day, 72
9: Neil Diamon, 69
10: Eagles ,68