Aplicado a los intervalos, designa, entre dos del mismo nombre, al que está formado por los sonidos más distante; la segunda mayor ,do-re; la tercera mayor ,do-mi; la sexta mayor , do-la, la séptima mayor , do-si y sua doblamientos por comparación, en la segunda menor ,do-re bemol, en la tercera menor , do-mi bemol, etc..
Aplicado a los modos, distingue al modo mayor del menor del mismo nombre: do mayor , caracterizado por la tercera mayor ,do-mi; do menor, caracterizado por la tercera menor, do-mi bemol, etc...
Aplicado a las escalas musicales, indica la modalidad mayor que corresponde a toda escala en la cual , sobre los grados I, IV y V, se forman acordes mayores, o bien relacionando con el grado I todos los demás forman intervalos mayores o justos.
Aplicado a los acordes triadas, llámase mayor a todo acorde en el que , entre su fundamental (1º grado) y su tercera, formen intervalos de tercera mayor. Cuando se trata de acordes de más de tres componentes , llámanse meyores todos aquellos que, entre su fundamental y el componente más agudo de la superposición teórica de terceras, se forme intervalo mayor, de donde proviene la denominación de séptima mayor y novena mayor.
Baile del siglo XVII, que ponía en acción coplas famosas en aquella época. La melodía fue recogida por los tratadistas de guitarra y vihuela, que en el siglo XIX la utilizaron aplicándola a letras en loor del nacimiento de Jesús. El título de este baile tiene por objeto poner en acción una copla del mismo nombre , que dice así:
Marizápalos
Marizápalos bajó una tarde al fresco sotillo de Vacia-Madrid, porque entonces, pisándole ella, no hubiese más Flandes que ver su país. Estampando su breve chinela, que tiene ventaja mayor que chapín, por bordarle su planta de flores el raso del campo se hizo tabí. Marizápalos era muchacha muy adorada de Pero Martín, un mozuelo sobrino del cura, que suele en el baile campar de gentil. Muchas noches pasó en sus umbrales diciendo al sereno todo su sentir y costándole muchos bodigos tener por amigo un preso mastín. Al sotillo la verde rapaza de su amartelado se dejó seguir, que, llevando su nombre en la boca, toda su alegría se le volvió anís. Al volver la cabeza Marica, fingió de repente el verle venir y fue tanto su gozo y su risa, que todo el recato se llevó tras sí. Recibióle con rostro sereno y, dándole luego su mano feliz, agradable en la palma le ofrece toda la victoria librada en jazmín. Dijo Pedro, besando la nieve que ya por su causa miró derretir: "En tus manos más valen dos blancas que todo el Ochavo de Valladolid." A la sombra de un olmo se fueron a quien mil abrazos le daba una vid, y a su ejemplo los finos amantes, más firmes que ellos, se dieron dos mil. Merendaron los dos en la mesa que puso la niña de su faldellín y Perico, mirándole verde, comió de la salsa de su perejil. Pretendiendo de su garabato hurtar las pechugas con salto sutil, respondió Marizápalos ¡zape! llevando sus voces cariños de ¡miz! Un arroyo que estaba vecino mirando la lucha de tan dulce lid, entre dientes de sus guijas blancas corrido de verlos se puso a reír. Mas oyendo ruïdo en las hojas de las herraduras de cierto rocín, el Adonis se puso en huída, temiendo los dientes de algún jabalí. Era el cura que al Soto venía y, sipoco antes aportara allí, como sabe gramática el cura, pudiera cogerlos en el mal latín. La música de este baile fue coleccionada por los tratadistas de vihuela y guitarra. Con el nombre de Mari Sápulas era bailada en 1783 , en la población de Calella (Cataluña) por parejas, como si paseasen: La música iba acompañada de una letra que empezaba diciendo : Atended, Madalena divina...
Música en torno a los cuadros de Velazquez Bufones y hombres de placer
Anónimo (s. XVII). Marizápalos
En esta página encontrareís un artículo muy interesante sobre la música en torno a los cuadros de Velazquez: GRUPO SEMA
Los himnos: Los himnos compuestos en un principio como réplicas a las canciones de los herejes, contenidos en el antifonario romano, surgieron unas veces adaptando textos de carácter sagrado a melodías profanas; otras, eran formas poéticas acomodadas al canto: el poeta Bardasano y su hijo Armonios, en tiempo de Marco Aurelio, escribieron unas cantinelas sobre unos textos en verso, de gran aceptación en las comunidades siriacas que perduraron hasta el siglo IV. Los obispos de aquellas regiones, queriendo combatir tales cantos , comprendieron que la mejor forma de hacerlo era componer otros que suplantaron a los profanos. El mismo San Efrén (320-379) compuso alguno de estos himnos usando la misma música de Armonios. San Gregorio Nacianceno imitó este ejemplo. A través del obispo Hilario de Potiers (367) de las Galias, la práctica pasó a occidente . Se trata de textos en forma estrófica, en latín acentuado, en un lenguaje intermedio entre prosa y verso. Ante saecula qui mánens semperque nate semper ut est pater
El verdadero creador de los Himnos de la iglesia de occidente fue San Ambrosio , arzobispo de Milán (340-397). Con la dulzura , apta por su sencilled para convertirse pronto en música profana, hizo auténticas creaciones que alcanzaron extraordinaria difusión y que San Agustin en su época todavía las cita. Los himnos conpuestos por San Ambrosio o sus ayudantes no tienen ya ningún gusto helénico, dados sus sentidos religioso y poético, pero las fórmulas por él empleadas están en conexión con las música de la antigüedad pagana. Aunque la práctica de la iglesia las haya identificado con las fiestas de la Navidad y de la Pascua, no estan sujetas a ningún tipo de conexión exclusivo con el texto. Todas estas melodías tuvieron una amplia difusión en occidente, aunque la liturgia romana no las habia aceptado en pleno siglo XIII.. Expresión de esta sencillez en los himnos anbrosianos son los que todavia hoy existen en la iglesia católica: Pange lingua, de Venancio Fortunato y el Ut queant laxis, de Pablo Diácono.
LÁS ANTIFONAS Las antifonas son composiciones musicales pensadas para los servicios religiosos . Son cantinelas entonadas por el cantor que de esta forma da el tono al resto del coro; se trata, pues, de una especie de diapason. Una vez entonada por el cantor la antífona, el coro, dividido en dos grupos, canta el salmo. Al final todos cantan la primitiva antífona. El esque seria como sigue: A) Antifona (entonada por el cantor) B) Salmo cantado (por los dos coros) C) Antifona (repetida esta vez por todos). Se consigue de esta manera un esbozo de forma, que vino exigido por la falta de instrumentos musicales (como el órgano hoy) que pudieran meter en tono a los cantores. Con el tiempo, esta antífona, que muchas veces solo fue la palabra alleluia, adquirió importancia pos si misma y sus melismas con una vocal sirvieron para cierta emancipación de las palabra. Este tipo de canto antifónico comenzó a practicarse en la iglesia de Antioquia y de allí pasó a la liturgia ambrosiana de Milán. Al contrario que los himnos, este tipo de canto fue acogido por Roma , y ya en los tiempos de Celestino I (422-432) se practicaba de manera habitual. La sede de la incipiente escuela musical romana se afincó en San Juan y San Pablo y éste es el primer conato de la Schola papal. La influencia del mundo helénico a través de la simbologia de los pitagóricos tuvo su decisiva importancia en los modos que el canto gregoriano aceptó y que incluso hace referencia a ellos: dorio,hipodorio, frigio, hipofrigio, lidio, hipolidio, misolidio, hipomisolidio, , son una constante referencia a aquella cultura que tanto desentraño la investigación musical. AMPLIARCANTO GREGORIANO SAN EFREN SAN AMBROSIO ALLELUIAS
PABLO DIACONO
Pablo el Diácono
(Paulus Diaconus; también llamado Casinensis, Levita, y Warnefridi).
Historiador, nacido en Friuli, aproximadamente en el año 720; murió el 13 de abril, probablemente del 799. Era descendiente de una familia Lombarda noble, y no es desconocido que fue educado en la corte del Rey Rachis en Pavia, bajo la dirección de Flavianus el humanista. En el 763 lo encontramos en la corte del Duque de Archis en Benevento, luego del colapso del reino Lombardo, como monje en el monasterio de Monte Casino, y en el 782 en la suite de Carlomagno, de quien obtuvo, por medios de una elegía la amnistía de un hermano tomado prisionero en el 776, como consecuencia de la insurrección de Friuli. Después del 787 estuvo de nuevo en Monte Casino, donde con toda seguridad murió. Su primera obra literaria, evidentemente escrita mientras que aún estaba en Benevento, y hecha por petición de la Duquesa Adelperga, fue la “Historia Romana”, una versión ampliada y mejorada de la historia Romana de Eutropius, cuya labor él continuó independientemente en Libros XI al XVI, hasta el tiempo de Justiniano. Esta compilación, ahora de ningún valor, pero que durante la Edad Media se difundió en muchas ediciones manuscritas y que fue frecuentemente consultada, fue editada con el trabajo de Eutropius por Droysen en “Mon. Germ. Hist.: Auct. Antiq. II (1879), 4-2224. Además, en la instancia de Angilram, Obispo de Metz, compiló una historia de los obispos de Metz “Liber de episcopis Mettensibus o Liber de ordine et numero episcoporum in civitate Mettensi, extendiéndose al 766, en el cual da un importante recuento de la familia y antecesores de Carlomagno, especialmente de Arnulfo (P. L., XCV, 699-722).
La más importante obra histórica que nos ha llegado de su pluma es la historia de los Lombardos, “Historia gentis Langobardorum. Libri VI”, la mejor de la varias ediciones de esta obra es la de Bethman y Waitz en Mon. Germ. Historia: Escrito. Rerum Langobardarum (1878), 45-187; escuela ed. (Hannover, 1878); Ger. tr. Abel (Berlin, 1849; segunda, Lepzig, 1878); Faubert (Paris, 1603); Viviani (Udine, 1826). No obstante los muchos defectos, especialmente en la cronología, la obra incompleta, abarcando solo el periodo entre el 568 y el 744, es aún de gran importancia, mostrando descaro, con su estilo lúcido y su dicción simple los factores más importantes, y preservando para nosotros muchos motos de la antigüedad y tradiciones populares, repletas con un interés entusiasta en las cambiantes fortunas de la gente Lombarda. Es evidente que esta obra haya estado en constante uso hasta el siglo quince, debido a las numerosas copias manuscritas, y continuaciones. En adición a estas obras históricas, Paulus también escribió un comentario acerca de la Regla de San Benedicto, y una ampliamente usada colección de homilías tituladas “Homiliarium”, las cuales han sido conservadas en forma revisada. Varias cartas, epitafios, y poemas aún existen y fueron editados por Dümmler en “Mon. Germ. Historia: Poetate lat. Aevi Carolini”, 1, 1881. Fuente : historia ,autores de la iglesia.
Aparato presentado como instrumento de música por su inventor , Fréderic Kastner (Les flames chantantes , París 1875), y que no pasó de ser una curiosidad acústica. Basado sobre las propiedades sonoras de las llamas de hidrógeno reguladas en tubos de dimensiones apropiadas , y que un mecanismo accionado por un teclado acercaba o separaba a voluntad, formaba una especie de órgano luminoso y sonoro a la vez , cuyo recuerdo han conservado los tratados de física.
El pirofono (presentado en la Academia de Ciencias Francesa en 1875) es un instrumento inventado por el músico y científico Frédéric Kastner. Básicamente, se trata de un órgano de gas que funciona con tubos de cristal. Al arder el gas en los tubos de diferentes longitudes y tamaños, se producen al mismo tiempo tonos y efectos de luz. La llamas se regulan directamente a través de la presión aplicada al teclado.
Clementi comenzó estudiando órgano y clavicémbalo en Italia.
En 1766 se traslada a Inglaterra donde, gracias a un rico mecenas, puede dedicarse completamente al estudio del piano.
En este periodo desarrolla una técnica muy personal e innovadora, influenciada por Domenico Scarlatti y por las formas pianísticas que tienen origen en la técnica de Haydn y de Johann Christian Bach. En 1778 ocupa en Londres cargos importantes como el de profesor en las mejores instituciones reales.
En 1780 inicia una larga gira por Europa en la que tocó para numerosos soberanos con gran éxito.
Durante esta gira se produjo la mítica competición entre Clementi y Mozart. De nuevo en Londres tuvo muchos alumnos ilustres como Field, Cramer y Bertini, a la vez que se dedicaba a la fabricación de pianos.
En 1802 comienza una segunda gira por Europa que durará ocho años y durante la cual tuvo como alumnos Moscheles, Kalkbrenner, Meyerbeer y Czerny. En 1828 se retira. Da su último concierto para la Royal Philharmonic Society, institución que había fundado junto con Viotti en 1813.
Las Obras de Muzio Clementi
Clementi ha pasado a la historia por su producción de Estudios, Sonatas y Sonatas.
Con los Estudios inicia un desarrollo instrumental que se verá completado en los años siguientes por Chopin y Liszt.La más famosas de sus colecciones de Estudios es "Gradus ad Parnassum", consistente en cien estudios progresivos.
Piano de Cristofori El primer nombre de auténtico pianista que encontramos en la historia, es el del romano Muzio clementi (1752-1832), llamado con todo derecho "padre del piano". De su admirable arte de ejecutante dan fe las crónicas de su tiempo. Su escritura pianística nos pone ya en presencia del nuevo estilo instrumental, posible ahora por la invención de Bartolomeo Cristofori: sonoridad vigorosa y compacta en cada nota, contraste constante entre ligado i picado, limitación considerable de los antiguos adornos y, finalmente, gran variedad de colores. Son éstos los elementos que constituyen el nuevo arte, y que fueron realizados plenamente por Clementi, espiritu fundamentalmente clásico, educado en las más severas disciplinas de la polifonía, y en fin, creador genial de magnificas Sonataspara piano, como tambien de varias magistrales Sinfonías, algunas de las cuales recientemente dadas a luz por Alfedro Casella. Otro gran título de gloria del autor del Gradus, reside en la gran influencia que su arte pianístico ejerció sobre Beethoven, influencia confesada por éste mismo. Es conocida la rivalidad entre Mozart y Clementi , ambos tocaban diferente, Mozart nació cuatro años después que Clementi. Tocaba Mozart el clave pero no ignoraba el piano, lo tocaba en los conciertos, pero ejercia el piano poca influencia en él.Clementi fue muy entusiasta del piano desde muy joven, convirtiendose en su más convencido y combativo defensor, publicando ya en 1770 sus tres Sonatas para piano op. 2, pudiéndose considerar desde muchos años, como un pianista. Es probable también que el tipo de piano utilizado por ellos haya influido en su diferente estilo: en efecto Mozart usaba pianos vieneses, muy fáciles y brillante, mientras que Clementi tocaba en pianos ingleses, de sonoridad mucho más potente, más llena, ofreciendo por consiguiente los medios de un pianismo más sinfónico. Por estas razones, hoy se puede precisar aquella famosa rivalidad entre Mozart y Clementi como el contraste entre dos opuestas tendencias: la que encontraba una completa suficiencia fónica para su lirismo, en un piano que aún no se separaba netamente del clave, y la otra, caracterizada por un espíritu inquieto, ávido de porvenir que buscaba febrilmente de aprovechar en su mayor grado los infinitos recursos del nuevo instrumento. Al lado de Muzio Clementi, otro nombre italiano, más o menos contemporáneo , merece ser citado : es el de Francesco Pollini (1763-1846), insigne pianista y compositor de mérito, que fué el primero que introdujo la escritura pianistica en tres pentagramas, precediendo por lo tanto a Listz y a Thalberg, quienes fueron considerados, y aún lo son, como autores de esa importante innovación.
Es una pequeña flauta travesera construida con un tubo de caña de 27 cm. de longitud y 1,5 cm. de diámetro. Uno de sus extremos estará perfectamente cerrado por un nudo o mediante cera, lacre o resina.
""PÍFANO o PÍFARO.-Instrumento militar conocido, que sirve en la Infantería, acompañado por la caxa. Es una pequeña flauta de muy sonóra y aguda voz, que se toca atravesada. Se dice Pífaro y se llama así por la figura onomatopeya del sonido Pif. Se llama también así la persona que toca el instrumento llamado pífano. Ha sido tan grande el número de pífanos y haber llegado a tanta estima y reputación que tuvieron privilegio de congregarse en el templo de Júpiter para hacer banquetes y fiestas"".
PIFANO Instrumento pequeño y agudo, de la familia de la flauta travesera , En realidad es una flauta travesera pequeña, de perforación cilíndrica, con seis agujeros para los dedos y sin llaves; Pero hoy en día se da este nombre a un flautín de tipo moderno común. Este instrumento parece que fue introducido en Inglaterra para la música miloitar en el siglo XVI y era conocido con el nombre Swiss Pipe, porque provenia de este país. Continuó usándose en el ejercito británico hasta 1680, cuando las bandas de tambores y pífanos cedieron en gran parte su lugar a las bandas de oboes... Se volvió a usar en el ejercito en 1748 y se ha seguido usando desde entonces. Händel introdujo en escena una banda de pífanos en Almira (1704), y Meyerbeer en la estrella del norte(1855). El instrumento principal de la banda de pífanos y tambores actual, es el flautin, en si bemol; flauta en fa; la flauta baja en mi bemol. Como puede observarse , algunos de estos instrumentos no concuerdan con la idea general de que un pínfano es una flauta pequeña y aguda. La palabra alemana para pífano es Trommel-flöte (flauta -tambor).
Especie de declamación musicalizada usada por los griegos antiguos y cuyo nombre ha sido aplicado algunas veces a los recitativos melódicos de formas libres o vagas, Esta palabra designa también , por catacresis, a la misma melodía. Pero sus aplicaciones, aparte del arte de la Antigüedad , son tan imprecisas , que incluso ha llegado a ser usada indebidamente por los aficionados melómalos para designar los cantos a los que acusan de falta de melodía.
Los alleluias son pequeñas composiciones heredadas de las aclamaciones hebreas que en la música occidental tendrán una gran importancia, sobre todo germen de la música profana posterior.En sus comienzos , los alleluias aparecen estar en dependencia de la melopea clásica, en que la cítara o la lira hacía un breve ritornello instrumental al final de cada versiculo. Este ritornello pudo inducir, a las primeras comunidades , a aplicarles al final de los versiculos, o de las antifonas, unos melismas cadenciales cantados sobre la palabra alleluia que en los tiempos antiguos recibió el nombre de jubilus. Posteriormente, la importancia de estas terminaciones fue adquiriendo entidad propia y consiguió su total independencia. La época que va desde el siglo V hasta el VII, siglos de oscuridad y de afianzamiento, es un periodo donde la música eclesiástica sirve incondicionalmente al texto litúrgico. Es también la época de las liturgias regionales, que en el siglo, que en el siglo VI deberán ser unificadas durante el pontificado de San Gregorio I (540-604, papa desde 590), pero no son sin una fuerte oposición por las demás liturgias regionales, como la mozárabe en España y la ambrosiana en Milán. Mas la expansión de los benedictinos con Agustín en Inglaterra fue elemento de trascendental importancia, ya que de Inglaterra pasaron al territorio de los francos, donde con Carlomagno la regla benedictina unificó la vida monacal de toda Europa, y con ella la liturgia y la reforma de San Gregorio se hicieron ley para toda la iglesia. El primer documento ,Ordini Romani, fue encontrado en un manuscrito de la abadia de St. Gallen. En él se nos describe el ceremonial romano desde el siglo VI al IX, donde se da relación de los papas que contribuyeron a la creación de un cantoral para todo el año. Dichos papas fueron León I, Gelasio, Simaco, Juan, Bonifacio, Gregorio I y Martin I. La tradición de ligar a San Gregorio con la historia de la música eclesiástica de occidente reside en la biografía que Juan Diácono escribiera sobre el pontifice 300 años después de la muerte de aquél. Las ilustraciones antiguas , en las cuales el papa Gregorio, sentado, escribe al dictado las notas que el Espiritu Santo le dicta, son interpretaciones de esta tradición creada por el biógrafo. Pero no creamos que por ello toda la tradición es sólo leyenda. San gregorio recopiló y unifico los cantos existentes; creó con sus ayudantes, otros cantos; los difundió por medio de los monjes por toda Europa; unifico la liturgia y su lengua; creó en Roma, la escuela de cantores que, prácticamente se ha prolongado hasta nuestros días, en las capillas Sixtina y Gulia, que corren con la música que se hacen en los actos de culto.
CANTO GREGORIANO
En los orígenes del canto gregoriano, se encuentra el repertorio romano compuesto esencialmente durante los siglos V y VI por la schola cantorum.
En la segunda parte del siglo VIII, el soberano del reino franco decreta que se adopten las costumbres litúrgicas romanas que él ha podido apreciar en la ciudad eterna.
El texto manuscrito de los cantos romanos fue tomado como texto de referencia. En general, el canto romano y su arquitectura modal fueron aceptados por los músicos galicanos, pero éstos lo vistieron con una ornamentación completamente diferente.
Este resultado híbrido de los cantos romanos y galicanos es lo que llamamos hoy canto gregoriano.
Con el tiempo, se va disminuyendo el papel y la capacidad de la memoria en la civilización europea, y este fenómeno tiene consecuencias desastrosas para el canto, puesto que sin tradición oral, la música hay que escribirla. La decadencia es total a fines de la edad media: en esta época, los manuscritos están llenos de "una pesada y fastidiosa sucesión de notas cuadradas". El Renacimento le da el golpe final: las melodías son "coregidas" por los musicólogos oficiales y las largas vocalizaciones reducidas a unas cuantas notas.
En 1833, un joven sacerdote de Le Mans, Dom Prosper Guéranger, se decide a restaurar la vida monástica benedictina en el priorato de Solesmes, después de cuarenta años de interrupción debido a la Revolución francesa. Entre sus proyectos está el abordar la restauración del canto gregoriano. Esto lo hace con entusiasmo. Empieza por la ejecución y pide a sus monjes que respeten en su canto, sobre todo el texto: pronunciación, acentuación, y atención. Todo esto para mejorar la inteligibilidad del canto, lo cual hace posible una verdadera oración.
SAN GREGORIO MAGNO SAN GREGORIO MAGNO (540-604) Papa (590-604)
Doctor de la Iglesia, nació en Roma, en el seno de la familia noble de los Anicci. Gregorio fue hijo de un senador y bisnieto del papa Félix III (pontificado 438-492). Con estos importantes vínculos, destacó de inmediato en la administración y en el año 570 fue nombrado prefecto de Roma. Decidió muy pronto convertirse en monje, y hacia el año 575 transformó su propiedad familiar en un monasterio dedicado a san Andrés.
En el 579 Gregorio fue enviado por el papa Pelagio II (pontificado 579-590) como nuncio ante el emperador en Constantinopla, permaneció allí durante siete años y participó del esplendor de la Liturgia y la música bizantina en la Catedral de Santa Sofía.
A su regreso a la Roma fue nombrado secretario de la Santa Sede, pero además dirigía el canto y, como arcediano, es decir diácono principal, interpretaba las piezas más difíciles del repertorio.
Fue elegido Papa en el año 590.
Pontificado
Como papa, Gregorio consolidó el prestigio del pontificado y confirió al cargo un carácter en cierto modo diferente. Como los lombardos habían provocado el colapso casi completo de la administración civil en la ciudad, Gregorio tuvo que estar incluso más atento que sus predecesores en atender a los pobres y proteger a la población cercana a la ciudad. Su eficaz administración de las grandes propiedades de la Iglesia en Roma proporcionó alimento y dinero para este fin. Con Gregorio el pontificado asumió el liderazgo político en Italia y reunió sus territorios repartidos por todo el país en uno sólo que más tarde se convertiría en los Estados Pontificios.
Inició una obra que puede resumirse en dos aspectos: en primer lugar la compilación y selección de las melodías, para que fueran copiadas y coleccionadas en un libro llamado antifonario. En segundo lugar dedicó gran parte de su esfuerzo a la formación de músicos, organizando en cada iglesia un grupo de cantores que se conoció con el nombre de Schola Cantorum.
Emprendió luego la tarea de unificación de las liturgias, lo cual logró en gran parte. Desde entonces al canto de la Liturgia romana se le comenzó a llamar Canto Gregoriano, denominación ésta que se extiende también a la creación musical posterior a Gregorio Magno, si conserva las mismas características.
En el año 597 Gregorio envió a Inglaterra al prior de su propio monasterio, Agustín de Canterbury, junto con 40 monjes. El gran éxito de esta misión despertó un sólido sentido de lealtad al pontificado entre los ingleses primitivos, y los misioneros ingleses favorecieron esta lealtad entre casi todos los pueblos del norte de Europa.
Obras
Los 14 libros de las cartas de Gregorio proporcionan una excelente fuente para conocer al hombre de su época. Además de las cartas y de una serie de homilías, Gregorio escribió varias obras que fueron muy influyentes en la edad media. Casi todas tienen una orientación práctica y moral:
El Moralia es un comentario sobre Job, lleno de materias doctrinales y disciplinarias.
El Liber pastoralis curae describe al obispo ideal y pretendía ser un manual sobre la práctica y naturaleza de la predicación.
Diálogo es la obra de Gregorio que posee un especial atractivo pues se trata de una colección de leyendas sobre santos de su época. Única fuente de información sobre san Benito, fue en parte responsable de la popularidad del monacato benedictino en la edad media, y su hincapié en los milagros fija los modelos de la concepción medieval de la santidad.
La verdadera grandeza de Gregorio reside en su dilatada actividad pastoral. Su espíritu práctico, generosidad y compasión le proporcionaron el afecto de sus contemporáneos. Murió en Roma el 12 marzo del año 604. Se cree que fue canonizado a petición popular tras su muerte. Su festividad se conmemora el 12 de marzo, día de su fallecimiento..
En un principio se clasifican en dos tipos de notas melódicas, las denominadas : principales y secundarias.
Principales: _Las notas del acorde _las notas no del acorde que reúnen algunas condiciones: 1. son de larga duración ( negra o más, según el contexto de la frase) . 2. Son notas cortas ( corcheas generalmente) y van seguidas de salto o van seguidas de silencio de al menos su valor o se mueven a su grado inferior de tiempo o parte fuerte a débil.
Secundarias: -Se consideran notas secundarias a las notas no del acorde que se mueven por grado conjunto diatónico (superior o inferior) hacia una nota principal. Tambien reciben el nombre de notas de aproximación.
El banjo es un instrumento musical constituido por una caja metálica, chata y circular, cubierta en la parte superior por un pergamino y abierta en la inferior, con un largo mástil. El número de cuerdas puede variar de cuatro a nueve, y se pulsan con un plectro o con los dedos.
Este instrumento da un sonido muy característico a las bandas de country en sus distintas modalidades, y la velocidad de pulsación de sus cuerdas varía de unos estilos a otros, por ejemplo, en el bluegrass el ritmo es tan rápido que causa admiración.
El banjo constituye una familia compuesta de varios tipos que se diferencian por el número de sus cuerdas y afinación peculiar.
Instrumento de cuerdas punteadas con teclado; se caracteriza especialmente : 1º , por el modo de atacar las cuerdas , que son arañadas desde abajo por picos de plumas u otra materia, que hacen el oficio de plectros; 2º , por el número de sus cuerdas, sencillas o pareadas, que es igual al de sus teclas. 3º, Por la forma externa de su caja , que tiene el aspecto de un arpa en posición horizontalo, en terminos geométricos, de un triángulo rectángulo con la hipotenusa cóncava. Los puntos 1º y 2º establecen la diferenciación entre el clavicémbalo y el clavicordio; el 3º su diferencia con la espineta y el virginal, diferencia que ha originado sus denominaciones inglesas de arpicordio y harpsichord y la alemana Flügel (ala), que ha quedado adoptada para el piano de cola moderno. Se le han dado, entre otros, los nombres de gravicémbalo, y por abreviatura el de cémbalo;clavicymbel y clavicymbalum, que es el nombre original. En Alemania , en el siglo XVI, se designó con el nombre de clavicitherium una variedad de clavicémbalo vertical. El clavicémbalo derivado del salterio parece ser que nació en el siglo XVI. Desde principios del XV poseía una extensión de 45 sonidos ( unas 4 octavas); sus cuerdas dobles, de metal, estaban dispuestas de izquierda a derecha del teclado en orden decreciente de longitud; el teclado ocupaba, perpendicularmente a las cuerdas, la extremidad más ancha de la caja.Ësta era todavía, un siglo más tarde, la disposición de un instrumento fabricado por Jerôme de Bolonia y fechado en Roma en 1521, que se halla en el South Kensington Museum. En 1636, Mersenne consideró la doble cuerda al unísono para cada tecla, como una de las propiedades distintivas del clavicémbalo.Esta doble cuerda necesitaba de un doble martinete al final de cada palanca, que pulsaba simultáneamente las dos cuerdas. En un principio se intento agrandar y modificar el clavicémbalo. Hans Ruckers y sus hijos Juan y Andrés de Amberes, se distinguieron desde finales del siglo XVI en la fabricación de este instrumento. El Kuntgewerbe Museum de Berlin posee un clavicébalo de Hans Ruckers condoble teclado, formado po la reunión de dos instrumentos en una sola caja de 1,80 m. de longitud. El primer teclado, que tiene 4 octavas, acciona sobre las cuerdas agrupadas de tres en tres al unísono, si bien parece ser que la tercera ha sido añadida. El segundo teclado, que tiene una tercera menos en el agudo, corresponde a las cuerdas sencillas; canbiando de teclado, el ejecutante realizaba contrastes de sonoridad. Se busco la manera de mejorar el timbre del instrumento empleando cuerdas de tripa, o bien, como hizo Richard , en París (1620), cubriendo los picos de pluma con trocitos de tela. Pero no se consiguió un cambio sensible hasta 1768, en que Pascal Taskinideó reemplazar estos picos por pequeñas piezas de cuero de búfalo. Este procedimiento que imprimia a las cuerdas una sacudida menos seca, fue aplicado a los instrumentos antiguos restaurados y a los clavicémbalos nuevos por Österlein, en Berlin, desde 1773, y por Érard , en París , desde 1776. Los progresos realizados respecto a la extensión del teclado fueron más rápidos. A fines del siglo XVII , Nicolás Dumont, constructor francés , construía clavicémbalosà ravalement, porque su teclado descendía una quinta en aval relativamente a los instrumentos similares y alcanzaba por consiguiente hasta 5 octavas. Surgieron asimismo otros inventos que no estaban llamados a sobrevivir. Praetorius (1619) habla de un clavicémbalo cuyas cuerdas , en número de cuatro por tecla, estaban afinadas como los tubos de un juego de mixtura del órgano y sonaban 1º la fundamental; 2º el unisono; 3º la quinta; 4º la octava. Se hicieron pruebasde clavicémbalo con ruedas o arquillos circulares que hacía vibrar las cuerdas por frotación,y después clavicémbalos provistos de juegos de flauta que se denominaban clavecins organises,. El clavicémbalo perpendicular de Despinois (1733) y el clavicémbalo vertical de Obert (en el mismo año) eran reproduciones grandes del antiguo clavicitherium, caido en olvido desde hacia dos siglos. Se cita todavía la celestina harpsichord, de W. Southwell, de Dublin (1779), que tuvo cierto éxito durante algunos años. El clavicémbalo de martillos , inventado a principios del siglo XVIII, y que debía cien años más tarde adquirir la única supremacia bajo el nombre de piano forte, procede del clavicordio y no del clavicémbalo. No puede dejarse de recordar la importancia dada por los constructores, a la decoración exterior de estos instrumentos, destinado con frecuencia a adornar los salones de nobles y ricos aficionados. Algunos interesantes ejemplares de antigua factura han debido su conservación a las pinturas realizadas en ellos por excelentes artistas. Con el fin de posibilitar la fiel reconstrución de los conciertos de antaño, las grandes manufacturas de pianos Érard, Pleyel,Gaveau etc. han añadido a su industriahabitual la fabricación de clavicémbalos . Durante un periodo de unos tres siglos, el clavicémbalo ha desempeñado en la práctica musical una función de extrema importancia. No solamente fueron destinados a él obras de los virtuosos clavecinistas desde mediados del siglo XVI hasta después de la muerte de J.S. Bach (1750) y de la de Rameu (1764) (puesto que la preponderancia del clavicordio y del clavicémbalode martillos no se estableció hasta Emanuel Bach y Mozart), sino que compartio primeramente con el laud y la tiorba, y después solo con el órgano, la realización, entonces esencial, del bajo continuo.Hasta tal punto, que casi no se concebia una ejecución de música de cámara, de comcierto de teatro e incluso de iglesia , sin el clavicémbalo.El director de orquesta se sentaba al clavicémbalo. a su alrededor se agrupabal los instrumentos que constituian el llamado petit choeur. Cuando, en las ejecuciones de música antigua , se le reemplaza actualmente por el piano, se desnaturaliza la sonoridad del conjunto. Los defecto que, a la larga, hicieron abandonar el clavicémbalo, su sequedad, su frialdad, la casi imposibilidad de lograr en él matices de intensidad, excepto los efectos de eco, que resultaban del contraste de los dos teclados, contribuyeron a la creación de un estilo especial de composición en el cual fueron producidas obras maestras, pues estos defectos que el mismo Couperin reconocía en parte , estaban, según él, compensados por otras tantas ventajas: la precisión, la limpieza, la brillantez. Para lograr destacar estas excelencias eran necesarios el ejecutante un ataque impecable y una finura de detalles llevada al límite. Ningún dibujo melódico podía ser tratado ni ejecutado como accesorio; la disposición de las partes contraputísticas , su número, su complicación, derivan de los efectos dinámicos; las notas adornos alrededor de la principales daban la ilusión de sonidos sostenidos. El espíritu, el humor de los detalles pintorescos, embargaban a los auditores que no pedian aún a la música instrumental el que expresase un contenido sentimental muy profundo. El estilo del clavecin alcanzó su apogeo durante el siglo XVIII merced a Couperin y Rameau, en Francia; a Froberger, Kuhnau, Haendel y Bach , en Alemania; a Domenicop Scarlatti en Italia.
OBRAS Fiori musicali (1635) de Girolamo Frescobaldi Hexacordum Apollinis (1699) de Johann Pachebel Sonatas bíblicas (1700) de Johann Kuhnau 555 sonatas (1705-1757) de Doménico Scarlatti Pasacalle (1706) de George Frideric Handel 3 libros de suites (1706, 1724, 1728) de Jean-Philippe Rameau 4 libros de órdenes (1713-1730) de François Couperin Conciertos BWV 972-987 (1714-1716) de Johann Sebastian Bach Concierto de Brandenburgo, n.° 5, BWV 1050 (1719) de Bach 8 grandes suites (1720) de Haendel Suites inglesas y francesas, partitas BWV 806-811, 825-830 (1720-1731) de Bach El clave bien temperado BWV 846-893 (1722, 1744) de Bach Conciertos para clave BWV 1052-1065 (1735) de Bach Variaciones Goldberg BWV 988 (1741) de Bach Piezas para clave en concierto(1741) de Jean-Philippe Rameau Fandango del padre Antonio Soler
Con Cubase5 arreglo melodías y las mejoro a partir del midi. Pista a pista hago los arreglos, bajo volumen, pongo efectos, pongo el instrumento adecuado y he aquí un resultado : Apache. Voy aprendiendo poco a poco el manejo de Cubase
Música en torno a los cuadros de Velazquez
El verdadero creador de los Himnos de la iglesia de occidente fue San Ambrosio , arzobispo de Milán (340-397). Con la dulzura , apta por su sencilled para convertirse pronto en música profana, hizo auténticas creaciones que alcanzaron extraordinaria difusión y que San Agustin en su época todavía las cita.
