Heartbreak Hotel Corría 1956, hacía un año que Rock Around The Clock había llegado al número uno de la lista de ventas y Elvis Presley, un muchacho de Memphis, graba "El hotel de los corazones rotos" y se desata una fiebre por el rock. Hizo accesible atodos los públicos la nueva música que, oficialmente, había nacido un año antes. Heartbreak Hotel hace valer que el rock es una música de mestizaje: un poco de blues y otro de country. No solamente eso, es la unión de la música negra y la música blanca. Elvis representó de una manera excepcional los esquemas del sueño americano
EL ORGANUM Se llama así la práctica de doblar una o varias veces el canto llano tradicional. Recibe varios nombres : Diatonía, discantus, contrapunctum, según que la voz añadida se contrajese a dos o que se añadiese una voz superior. La melodía descansaba sobre lo que se llamaba vox principalis, en tanto que la voz organalis discurría una quinta por debajo de aquélla. El ejemplo siguiente , tomado del Música Enchiriadis, del siglo X, nos muestra claramente lo que quiero decir. El canto llano está confiado al tenor agudo como vox principalis, con su transposición a su quinta inferior, llamado intervalo justo porque a él se acomoda muy bien la voz humana, a cargo del bajo , llamada vox organalis. Si estas dos voces se doblan ahora en octava, la principal hacia abajo por un bajo y la organalis por una voz alta, tenemos ya el ejemplo de una composición porlifónica a cuatro voces.
Santiago de Compostela y San Marcial, de Limoges, dentros importantes de peregrinación en Europa en la época medieval, tuvieron sus grandes escuelas de Música, así como otras grandes abadías europeas: St. Gallesn, París, Metz, Cluny.... El Congaudent Catolici de la catedral de Santiago es la pieza a tres voces más antigua de Europa, o por lo menos, la más antigua de las que se conocen. La más importante colección de organa además de los indicados, es el Tropario de Winchester, del siglo XI, con 164 composiciones ( alleluias, tractus, kiries y glorias) y cuyo estilo se difunde por todos los monasterios principales de Europa.
Texto de Hucbaldo "De institutione armonica" La consonancia es la mezcla calculada y armoniosa de dos notas, que se produce sólo cuando estas dos notas, ocasionadas por fuentes diferentes, se combinan en una sola unidad musical, como, por ejemplo, cuando cantan juntos un niño y un hombre, que, usualmente se llama organitatio.
CLASES DE ORGANUM En primer lugar nos encontramos con el "Organum purum, paralelo o estricto", que consiste en lo siguiente:
Consta de una voz principal (Vx) que es la melodía del canto llano, a la que le añadimos por debajo otra, llamada voz organalis (Vo, y que tienen un movimiento de cuartas, quintas y octabas paralelas. Dentro de este tipo de organum tenemos una variación que es el "organum cenvergente", que no es otra cosa que un organum purum, pero que las dos voces comienzan y acaban en unísono. Se desarrollan durante los años que van desde 900 al 1050.
Tenemos también el "Organum libre":
Se desarrolla entre los años de 1050 y 1150. Cada voz va libremente sin ajustarse a unas reglas como el purum, que iban las voces paralelas. Se da incluso la inversión de las voces: la voz oraganalis (Vo) va arriba, mientras que en este caso la voz principal (Vx) va abajo. Más adelante la Vx pasará a llamarse Tenor, y a partir de ahí se formará la clasificación de las voces humanas. Los movimientos de las voves eran de nuevo por intervalos de cuartas, quintas y octavas, que son los intervalos de consonancia. Las voces van buscando sus tesituras. A partir de aquí comienza a aparecer el contrapunto.
Por último tenemos el "Organum melismático":que consiste en que mientras que la voz oraganalis va produciendo varias notas, la voz principalis produce sólo una. Aparece en el soglo XII. Se conservan ejemplos de él en un manuscrito en la catedral de Santiago de Compostela y en otros tres de la abadía de Saint Martialde Limoges. En la actualidad se piensa que todos procedendel suroeste de Francia Este nuevo tipo de organum aumentó considerablemente la extensión de las piezas, y despojó a la voz inferior de su carácter original de melodía ya definida y sostenía a la melodía primcipal.
EL ORGANUM DUPLUM DE LEONIN Consta de dos secciones: sección organalis, de estilo silábico y neumático; y sección Discantus, de estilo melismático. La voz de abajo se llamará tenor (Voz principalis), que es la melodía del canto gregoriano en valores largos. Y la voz de arriba será Duplum, en la que se encuentran las dos secciones ya nombradas. Se le añade una Clausula, y se le pone un texto distinto, lo que recibe el nombre de ckausula con mot. Se independizan el Tenor y la clausula con mot y dará lugar al Motete.
LOS ORGANUM DE PEROTIN ORGANUM TRIPLUMLas voces se distribuyen de forma vertical y manera escalonada. Las voces por las que está formado son:
-Triplum, o tercera voz que es la más aguda -Duplum, o segunda voz -Tenor, o primera voz, que es la más grave
Las voces vecinas (triplum y duplum) deben ser consonantes (intervalos de cuarta, quinta y octava). Las voces extremas (triplum y tenor) pueden ir por intervalos de tercera y sexta (el de séptima está prohibido). Las tesituras de las voces no están definidas, por lo que se pueden cruzar, pero el Tenor siempre tiene que estar abajo.
ORGANUM QUADRUPLUMEs a cuatro voces. En este organum se va a producir intercambio de material melódico entre las voces. Es lo que se conoce como "técnica stimans".
Danza cantada, popular de las islas Canarias. Se ejecuta con acompañamiento de de guitarra. Su ritmo corresponde a la fórmula del compás 3/4. Se danza más en la isla de la Gomera.
Notación musical en relieve para uso de los ciegos.
Danzaterapia.
La danzaterapia nace de la danza en su forma más simple: de los movimientos naturales y espontáneos del ser humano. Es una técnica corporal que interrelaciona arte (danza) y ciencia (psicología) para la atención de problemas de salud y de aprendizaje en un proceso de integración psicofísica.
INTERVALO-8ª _ INTERVALOS SIMPLES-INTERVALOS COMPUESTOS Cuando la distancia entre dos notas que forman intervalo es inferior a la octava, el intervalo es simple y compuesto en caso contrario. En el caso de la octava justa, para algunos tratados , es el último intervalo simple, para otros , el primero compuesto, sin más importancia. Para medir un intervalo compuesto es mejor reducirlo a uno simple y añadir luego seis tonos (una octava, que tiene siete grados). Si es de tercera mayor DO_MI(8ª) - lo pasamos a simple DO_ MI (3ª) que es una tercera mayor , le sumamos 7 que son los grados de la octava, y tenemos 7+3= 10, luego tenemos una 10ª mayor.
Toque de corneta militar que es ejecutado al amanecer en los cuarteles y campamentos con el que se anuncia el comienzo de los actos de servicio. El que en España usan los cuerpo montados es el siguiente:
Después de La Pastoral de Burgmüller estudio Arabescos. En la menor, acordes picados en la mano izquierda . Lo practico con manos separadas y muy despacio. Me aprendo los acordes y la melodía. Luego junto las dos manos y le voy dando velocidad.
CALAMARO: Es un privilegio emocionarse con la música. Escuchar EL DISCO El argentino evoca a Gardel y a Piazzolla en Tinta Roja.
Grabando tuvimos momentos de emoción intensa, de tener que imprimir con pudor lágrimas de varón..... No siempre pasa, pero es un privilegio emocionarse todavia con la música. Lo decia ayer Andrés Calamaro en relación con, y durante la presentación de, su ultimo trabajo, Tinta Roja. Un disco donde no usamos mucho la técnica vocal, pero que traté de cantar don respeto. Y no es para menos. Porque el que fuera líder de los Rodriguez se atreve una vez más, después de haber experimentado el el cantante (2004) , con tangos. No sé si es verdad, pero lo quiero decir: es el tango el que nos eligió a nosotros, bromea Calamaro respecto al contenido. Es por eso que no incluye tangos cualesquiera (el más viejop es de los años veinte) y canta, puestos a seleccionar, a los mismisimos Carlos Gardel y Astor Piazzolla, El sur, El día que me quieras, Mano a mano, Como dos extraños, y Melodía de arrabal son, entre otros, algunos de los inolvidables tango incluidos en un CD que desde ayer se puede encontrar en las tiendas y que, por supuesto, tambien recoge el tema que le da titulo: Tinta Roja.
Esto si que nadie espere encontrarse tango en estado puro. Es más , lo interesante de este disco es ver si va a ser de tango, de rck, de flamenco o de las tres cosas a la vez, bromea Calamaro. Porque mientras por un lado evoca a grandes tangueros de todos los tiempos, por otro incluye la guitarra flamenca de Niño Josele y la voz de Montse Cortés. Finalmente, como no podía ser de otra manera tratandose de Calamaro, el rock está en todas partes, como la televisión, incluso está en este disco, asevera. Y garantiza además, que su relación con este género lejos de estar muerta, es de padre e hijo, o de hermanos. De hecho, mantiene : Nunca dejé el rock, sospecho que es lo único que sé tocar.
Notas. mi mi MI mi mi MI mi sol do re MI fa fa fa fa fa mi mi mi sol sol fa re DO
Mayusculas = nota blanca 2 tiempos . Mayusculas grandes= nota redonda 4 tiempos. Las otras notas son negras , un tiempo para cada nota.
Espineta
ESPINETA La espineta es un instrumento con teclado y cuerdas pulsadas (como en la guitarra, y no golpeadas como sucede con el clavicordio y el piano). Es muy parecido al clave pero de tamaño más pequeño y a veces con forma de ala de pájaro.
Al igual que en el clave, a cada orden (tecla) le corresponde una sola cuerda. Su mecanismo consistía en una serie de palancas verticales provistas de plectros (puntas de pluma), las cuales percutían las cuerdas bajo la presión de los dedos sobre las teclas. Las cuerdas son cortas y dispuestas en diagonal dentro de la caja.
La espineta construiase generalmente sin pies y se colocaba sobre una mesa. Las cuerdas, que eran sencillas e iguales en número a las teclas, eran arañadas por debajo por una lengüeta terminada en un pico de pluma de cuervo cortada en triángulo, que mediante un martinete obedecía a la presión del dedo sobre la tecla formando palanca. Los ejemplares de espineta que subsisten en los museos son casi todos de fabricación italiana. El más antiguo , firmado por Pasi de Módena, lleva la fecha de 1490. Su extensión sonora varía de tres octavas y una quinta a cuatro octavas , a partir, generalmente, del mi de debajo del pentagrama, en clave de fa. Mersenne (1636) dio a la espineta 49 cuerdas de la misma longitud, pero de grosor decreciente, las 30 primeras de latón y las más agudas de hierro o acero. En esta fecha, la caja de la espineta había cambiado de forma, haciéndose cuadrangular; pero su mecanismo subsistió idéntico. Desde el reinado de Francisco I , los reyes de Francia tenían a su servicio uno o dos tocadores de espineta. Jacques Champion ejerció este cargo bajo el reinado de Enrique IV, y Pierre de La Barre, bajo el de Luis XIII. Uno de los constructores de espinetas, llamado Jean Denis, que era al mismo tiempo organista de una de las parroquias de París, publicó en 1650 una curiosa obrita titulada tratado de la afinación de la espineta, a la que él considera el más bello instrumento del mundo y el más perfecto. En esta época estaba ya cerca el momento en que la espineta sería abandonada, por su debil sonoridad, y reemplazada por el clavicémbalo. La espineta lleva su nombre del constructor italiano Giovanni Spinetti, que residía en Venecia durante la segunda mitad del 1400 y que fue uno de los primeros fabricantes .
En la fabricación de un piano moderno entran diferentes clases de madera: roble, haya, abeto y nogal de América para la armazón en que estan tendidas las cuerdas; peral, cormal, carpino y arce , para el mecanism; tilo. para el teclado; maderas exóticas para el chapeado del mueble; acero fundido para el marco de una sola piezaque constituye el esqueleto del piano, hierro forjado o acero para los bordes, alambre de acero envuelto en un alambre de cobre enrescado para los bordones,etc; además ébano y marfil para las teclas , y piel de búfalo y paño para el mecanismo. La tensión de todas las cuerdas reunidas de un piano puede alcanzar una fuerza de 24 toneladas. La exactitud del sonido ya la calidad de su timbre dependen de la tensión de la cuerda y del punto en donde la golpea el martillo . La calidad de la pulsación se manifiesta gracias a la sensibilidad que da el mecanismo el sistema de doble escape . Después de 1870, unos obreros alemanes empleados en las manufacturas francesas trasportaron a Alemania y a América los secretos de Érard y Pleyel, y hasta época no empieza la nombradía de la fabricación alemana y norteamericana de pianos. El piano, derivado del clavicordio, influyó a su vez a éste: hacia 1720 se construyeron clavicordios independientes, con una cuerda por cada tecla; enseguida se les aplicó el sistema de los apagadores. Pero ello no logró salvar al viejo instrumento Por otra parte, se dice que el piano tomó de la ESPINETA el pedal de sordina, innovación que se atribuye al fabricante Pietro Prosperi, de Siena, hacia 1700. Pero no parece que fuese de empleo corriente. Sin duda este pedal fue la caracteristica de los clavecines celestes de Southwell, en 1779, y se le vuelve a encontrar con el mismo nombre de los pianos, hacia 1830. El pedal senza sordini, que levanta los apagadores, no aparece en las partituras de obras para piano hasta la op. 40 de Clementi (1705) , en el final, en pp, y aún no lo usó mucho hasta 1804, en la primera edición de sus Obras completas. Aparece después en op. 10 núm. 1 de Beethoven (1787), en el pp del fin del adagio, y luego en la op. 26 (1801) a partir de la variación v, pero el compositor no lo emplea corrientemente más que en su op. 31, núm. 2 (1802). El pedal unicordio, con apagador o sin él, desplaza el mecanismo de los martillos, de tal manera que éstos solo golpean una cuerda a la vez. Ya casi no se fabrica, y ha sido suplido por la sordina. Por último, el pedal de tamboril sólo tuvo una existencia efímera. Los pianos generalmente no tienen más que dos pedales: el pedal sordini a la derecha, y el de sordina o celeste ( o alguna vez, en su lugar, el pedal unicordio) a la izquierda.
Organo colocado encima de la boca humana y destinado, desde el punto de vista vocal, a servir de resonador . Cuando por cualquier razón , se alteran los órganos vocales, se refuerza la resonancia, de lo cual nace la gangosidad. Las personas poco hábiles en el uso de su voz llegan a este mismo resultado en el canto y se dice de ellas que cantan de naria. Sin embargo, lo que es considerado en el arte occidental moderno como un defecto ha sido y es apreciado todavía como una elegancia en el arte vocal de los pueblos de Oriente. La notación bizantina contiene incluso un signo especial para indicar los pasajes en que particularmente es preciso cantar con la narizreforzando este sonido interior, que se denomina endofón.
Comentario de internet: Me parece una extraordinaria voz con una técnica de aquellos tenores antiguos de sonido lleno, articulación clara sin deformar las vocales aún en el passaggio ni tratando de redondearlas para dar color, con cuerpo, con paso por la nariz sin ser nasal (Cantar por la nariz y no CON la nariz), muy cercano a como cantaba Alfredo Kraus, Aureliano Pertile, Miguel Fleta, Riccardo Stracciari (Baritono). Subo esta muestra esperando que otros disfruten, como yo, de este magnifico artista.
Especie de tonada, muy en boga en el siglo XVI, que se tocaba para ser cantada y bailada. Por extensión se dió esta denominación a toda reunión de gente que, manifestando alegría, anda por la noche cantando y moviendo algazara por las calles.
Baile popular del siglo XVII . Se bailaba por parejas, aunque sin establecer nungún contacto. El gran compositor Barbieri dejó escrita una detallada exposición de la forma con que era ejecutado.
Aparte de la Navidad el Corpus Christi se convierte en otra festividad importante en la que se suceden las interpretaciones de villancicos, así como de otras composiciones en castellano, especialmente durante las denominadas "siestas". Asimismo, durante el reinado de Felipe IV se instituye la celebración de las Quarenta Horas, momento tambièn muy propicio para el desenvolvimiento de dicho repertorio con todo su esplendor. Musicalmente, el villancico del siglo XVII se produce un aumento en la complejidad técnica y formal. Frente a las tres o cuatro voces del siglo XVI, lo habitual es la composición para ocho voces distribuidas en dos coros dispuestos en diferentes lugares de la catedral y acompañados de arpa, violón y órgano. Formalmente, el estribillo se convierte en una sección muy extensa y con una escritura polifónica relativamente compleja, mientras que las coplas contrastan con éste por su brevedad y por la reducción de la plantilla vocal e instrumental al mínimo. De entre el gran número de compositores que escribieron villancicos durante el siglo XVII podemos destacar algunos como Cristóbal Galán, Juan Hidalgo y Sebastián Durón. Coplas - Sin principio en el principio otros dos y este mancebo estaban como uno solo - Su padre, el otro y el mesmo /una heredad que tenían / de frutas, flores y troncos / obra de dios en lo vello / a un buen hombre se la dieron - Dicen que se le regale / con quanto tubiere dentro / y le mandan que no coma - Por Dios es buen mandamiento / mas el era ynocente / y quebrantando el precepto / de rayz tuvo la culpa / puesto erro como comiendo Hay una página muy bien hecha que trata de la historia del villancico antiguo. Autores com Juan del Encina. Muchos midis de villancicos, Trata la jácara con más extensión:JACARA
Heinrich Schütz (bautizado el 9 de Octubre de 1585 – †6 de Noviembre de 1672) fue un organista y compositor alemán, generalmente recordado como uno de los más importantes compositores alemanes antes de Johann Sebastian Bach y a menudo considerado uno de los más importantes del Siglo XVII, junto a Claudio Monteverdi.Escribió la primer ópera alemana, "Dafne" , estrenada en Torgau en 1627. La partitura de esta obra, sin embargo, se ha perdido. javascript:mp3Ckeck('../MidiArchiveBiografía Schütz nació en Köstritz. Su talento musical fue dscubierto por Moritz von Hessen-Kassel en 1599. Después de formar parte de un coro de niños, viajó a estudiar leyes a Marburg, luego se establece en Venecia entre 1609 y 1613, para estudiar música con Giovanni Gabrieli. Posteriormente realiza una breve práctica como organista en , para trasladarse a Dresde en 1615 , donde trabaja como compositor de la corte del Elector de Sajonia . Mantuvo su puesto en Dresde hasta el fin de su vida (creando la semilla de lo que actualmente es la Capilla del Estado de Dresde) , pero dejó la ciudad en varias ocasiones: en 1628 viaja a Venecia donde posiblemente se entrevista con Claudio Monteverdi -se cree inclusive que estudió con él- y en 1633, después de la Guerra de los treinta años interrumpe su actuación en la corte de Sajonia y toma un puesto en Copenhagen. Retorna a Dresde en 1641, y permanece allí hasta su muerte. Muere en 1672, a los 87 años.
Estilo Las composiciones de Schütz muestran la influencia de sus dos principales maestros, Gabrieli (Mostrado notablemente en su uso del resplandeciente estilo policoral de la escuela veneciana y en su estilo concertante ) , y Monteverdi. Además recibe la influencia de los compositores de la escuela holandesa del Siglo XVI. Su obra más conocida se encuentra en el campo de la música sacra, desde obras solistas con acompañamiento instrumental hasta música coral "a capella" . Sus trabajos más representativos incluyen sus tres libros de Sinfonías Sacras , los "Salmos de David" , las "Siete palabras de Jesucristo en la Cruz" y sus tres series de Pasiones.
La música de Schütz, que al principio resulta progresista, deriva en un estilo simple y muy austero, culminando con sus últimas Pasiones. Algunas consideraciones prácticas permiten entender las causas de este cambio: la Guerra d elos 30 años desvastó la infraestructura musical de Alemania, y no existían los medios para interpretar las obras gigantescas al estilo de la Escuela Veneciana, características de sus primeros trabajos. Schütz fue uno de los últimos compositores que escribió en un estilo modal, con armonías no funcionales a menudo resultantes del juego entre las voces. En contraste, mucha de su música muestra un fuerte empuje tonal cuando encara las cadencias. Su música hace un uso intensivo de la imitación, en la que las entradas se suceden en orden irregular y en intervalos variados. Una característica divertida de Schütz es la creación de intensas disonancias causadas por el movimiento correcto de dos o más voces a través de una armonía implícita. Sobre todo, su música muestra una sensibilidad extrema por los acentos y significados del texto, el que a menudo es articulado usando figuras técnicas especiales tomadas de la música poetica , que a su vez derivan de las figuras verbales de los retóricos clásicos.
Casi no ha sobrevivido música secular de Schütz, salvo por unas pocas canciones domesticas ("arien") y ninguna musica puramente instrumental (salvo que se contabilicen como tal los breves movimientos instrumentales titulados "Sinfonia" , que encierran los diálogos en "Las siete palabras" ). A pesar de esto, Schütz tiene la reputación de haber sido uno de los mejores organistas de Alemania.
La influencia de Schütz fue muy importante por traer nuevas ideas musicales desde Italia, influencia que mantuvo sobre los compositores que lo siguieron. El estilo de la escuela de órgano del norte alemán deriva largamente de la obra de Schütz, así como de Jan Pieterszoon Sweelinck. Un Siglo despues su legado culminaría en la obra de J.S. Bach.
Obras Los siguientes son trabajos publicados. Muchos de ellos contienen múltiples piezas musicales: en total hay más de 500 obras conocidas de Schütz.
Il primo libro de madrigali (primer libro de madrigales) (Venecia, 1611) Psalmen Davids (Libro 1) (Dresde, 1619) Historia der frölichen und siegreichen Aufferstehung ... (Historia de la Resurrección de Jesús) (Dresde, 1623) Cantiones sacrae (Freiberg, 1625) Psalmen Davids (Libro 2) (Freiberg, 1628) Symphoniae sacrae (Libro 1) (Venecia, 1629) Musicalische Exequien (Exequias musicales) (Dresde, 1636) Kleiner geistlichen Concerten (Libro 1) (Leipzig, 1636) Symphoniae sacrae (Libro 2) (Dresde, 1647) Geistliche Chor-Music (Dresde, 1648) Symphoniae sacrae (Libro 3) (Dresde, 1650) Zwölff geistliche Gesänge (Dresde, 1657) Psalmen Davids (Revisión del libro 2) (Dresde, 1661)
