Una rápida mirada al retrato de Heinrich Schütz (1585-1672) nos sirve para adivinar la melancolía y la tristeza que rodeó la vida de tan insigne maestro. Efectivamente, la vida de Schütz no fue un regazo de alegrías y placeres sino un cúmulo de tristezas y desgracias que sin duda modelaron la personalidad del maestro y condicionaron su creación musical. Nacido en Köstricht (Turingia) en 1585 y tras un inicio musical a la sombra de Morizt de Hesse, viajó a Venecia donde contactaría y trabajaría a la sombra de uno de los maestros más significativos de la cristiandad latina de la época: Giovanni Gabrieli, de quien fue su alumno favorito. Bajo la protección y enseñanza de Gabrieli y la majestuosidad de la música creada por este insigne italiano, Schütz vivió una parte de sus más intensos años desde la perspectiva musical (1609-1613). Posteriormente regresaría Italia una década después interesado por las tendencias musicales que estaba popularizando Claudio Monteverdi donde, además, contactó con Alessandro Grandi, vicemaestre de la capilla ducal.
En la época de Claudio Monteverdi (1567-1643) la orquesta era un conjunto variable de instrumentos cuya selección dependía de la cantidad de músicos disponibles en un determinado momento y lugar. En la primera página de la partitura impresa de su Orfeo, Monteverdi deja constancia de los instrumentos requeridos -que serán los del estreno de esta obra en la corte de Mantua-, aunque, como solía ocurrir en aquel tiempo, se trataba de indicaciones generales que podrían ser modificadas según las circunstancias. Para esta ocasión la orquesta estaba compuesta de la siguiente manera: duoi gravicembani (dos instrumentos de teclado cuyas cuerdas responden al ser pulsadas por plectros; clave o espineta), duoi contrabassi de viola (contrabajo de la familia de las violas, también denominado violone), dieci viole da brazzo (de la familia de las violas), un arpa doppia (arpa de doble encordadura), duoi violini piccoli alla francese (afinados una cuarta o una tercera menor por encima del violín normal), duoi chitaron! (miembro grave de la familia del laúd, con cuerdas de metal), duoi organi di legno (órganos con tubos de madera), tre bassi da gamba, quattro trombón!, un regale (órgano pequeño de una sola hilera de tubos de lengüeta), duoi cornetti (instrumento recto o un poco curvado, sin pabellón y con orificios para los dedos al modo de la flauta dulce), un flautino alla vigésima secunda (pequeña flauta de tres octavas), un clarino con tre trombe sordina (trompeta de ocho pies, en do, y tres trompetas con sordina).
Con ocasión de un viaje que hizo Bach cuando habitaba en Weimar, encontró, probablemente en Meiningen, al marqués Cristián Luis de Brandenburgo, gran aficionado a la música. Parece bastante probable que este príncipe invitara a Bach a componer algunas obras para su coro . Sin embargo , pasaron algunos años antes de que Bach llevara a término esta invitación, al menos si damos crédito a la carta de envío. He aquí copia de esta carta, escrita originalmente en francés, cosa corriente en la época: Monseñor, hace ya algunos años tuve la dicha de hacerme oír de Vuestra Alteza Real, dándome cuenta entonces del placer qu sentiais en los insignificantes talentos musicales con que el cielose ha dignado favorecerme. En el momento de la despedida, Vuestra Alteza Real me hizo el honor de encargarme que le enviara algunas obras salidas de mis manos, por lo que me he tomado, obedeciendo esta orden que me honra, la respetuosa libertad de llenar mis muy humildes obligaciones con los conciertos adjuntos, compuestos para diferentes instrumentos. Al mismo tiempo os ruego humildemente que no juzqueis su imperfección con la severidad propia del gusto refinado que poseéis en materia de música. Os ruego os dignéis buscar en ellos , con la máxima benevolencia , el profundo respeto y la obediente sumisión que he querido testimoniaros. En cuanto al resto Monseñor, ruego a Vuestra Alteza Real con toda la humildad que os debo, os dignéis tener la bondad de seguir interesándoos por mí, con la convicción de que nada me es tan agradable como seros útil en circustancias más dignas y de más peso para vos; con el mayor entusiasmo, tengo el honor de ser, Monseñor, de Vuestra Alteza Real, el más humilde y obediente servidor, Juan Sebastian Bach.
En esta feria de vanidades los seis conciertos de Brandenburgo figuran como algo vergonzosamente bajo. En el año 1734 , a la muerte del marqués de Brandenburgo, los autógrafos fueron inventariados en la suma de sesenta céntimos cada uno. Es algo profundamente triste que estas seis obras maestras no se hayan difundido tanto como las sinfonías de Beethoven entre los aficionados a la música. Cuando los hombres hayan reducido a su justo valor el pesimismo y el culto a los héroes del Romanticismo, estarán maduros para la majestad, la animada sobriedad y la fuerza de los Conciertos de Brandenburgo.
-Concierto 1 en fa: allegro, adagio, allegro. -Concierto 2 en fa: Es un autentico concierto grosso: allegro, andante, allegro. -Concierto 3 en sol: allegro, allegro (compás de 6/8), adagio se reduce a dos acordes. -Concierto 4 en sol: el concertino de este concerto grosso se compone de un violin obligado y dos flautas, los tuti estan reforzados por los instrumentos de cuerda y el continuo, allegr (3/8), presto muy brillante une la forma de fuga a la de concerto. -Concierto 5 en re :allegro carácter jugueton y ligero a sus repeticiones de notas y a sus tresillos, afecctuosso, allegro. -Concierto 6 en si bemol mayor , el carácter de este concerto grosso está determinado más por el elemento temático que por el propiamente instrumenta., adagio (fuga a 2 voces) allegro la alegria de una giga. Fuentes : Enciclopedia de la musica , Höveler. Guía del melomano y del discófilo.
Joseph Haydn (Rohrau an der Leitha,31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809), Joseph Haydn, compositor austríaco de música clásica, representante de la época clasicista.
Junto con Mozart, Haydn está considerado como el máximo compositor del periodo clasicista de la música clásica y uno de los más grandes compositores de este género. Se le considera el padre de la sinfonía y del cuarteto tal como los conocemos en la actualidad. También fue innovador en definir la forma de la sonata y de componer sonatas para teclado y tríos para piano.
Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido Leer más
Bach estudia música con gran facilidad. Estudios para gente mucho más mayor que él lo aprende enseguida. Circula la conmovedora anécdota , referida por primera vez en la necrología de Mizler, acerca de cómo Bach se hizo con un volumen de música de destacados compositores del teclado que su hermano no habia querido darle por ser demasiado avanzado ; por carecer de velas, lo copió laboriosamente a la luz de la luna, dañándose saí seriamente la vista; y lo peor fue el disgusto que le causó al ser descubierto y privado de la copia que había hecho. El hermano pues sería un antipático y envidioso, de que su hermano supìera más que él. Pero es posible que su trato normal con su hermano fuera agradable pero que se suntiera exasperado por la incesante serie de preguntas del joven genio. Cabe pensar que Sebastian no era tratado con tanta dureza en Ohrdruf, al comprobar su posterior actitud hacia sus parientes. Dedicó una de sus tempranas obras para clave a Johann Chistroph (p. 277) , y compensó a su hermano mayor dando a dos de sus hijos menores instrucción musical en su propia casa. Con todo le pareció imposible permanecer más tiempo en Ohrdruf. El hogar de Johann Chistph se iba haciendo cada vez más concurrido, debido al aumento de su familia; en tanto que la escuela, a diferencia de otras instruciones de otra índole, no proporcionaba alojamiento a estudiantes sin recursos en casa de ciudadanos ricos. No podia tampoco Sebastian recurrir a otro miembro de la familia para proseguir con su instrución, como había sido normal en generaciones anteriores, dado que el número de músicos de la familia Bach se había reducido lamentablemente durante los decenios precedentes. Así el joven Sebastian empezó a buscar con ansia una oportunidad para estudiar en otra parte del país. Bibliografía : Johann Sebastian Bach , culminación de una era . Karl Geiringer.
Luciano Berio - piano, sinfonía Musica contemporanea. Hace falta escucharla. Es muy dificil de escuchar , y comprenderla.
Quizá el compositor más importante de su generación. Nació en Oneglia, Italia. Estudió con su padre, organista, antes de entrar en la escuela de música de Milán. En 1950 se casó con la soprano estadounidense Cathy Berberian, quien interpretó muchas de sus obras. En 1951 se trasladó a los Estados Unidos para estudiar con el prestigioso compositor italiano Luigi Dallapiccola. Cuando regresó a Italia fue cofundador, en 1954, del centro de música electrónica Studio di Fonologia Musicale de Milán. Fue su director entre 1954 y 1959. De 1965 a 1972 fue profesor en la Academia Juilliard de Nueva York y entre los años 1976 y 1979 trabajó en el IRCAM de París. En 1988 fundó el estudio de música electrónica Tempo Reale en Florencia. En 1958 Berio comenzó a componer una serie de obras para instrumentos solistas bajo el título de Sequenza (empezó con Sequenza I para flauta y hace poco terminó Sequenza XI para guitarra (1988), obra decisiva en la implantación de un nuevo repertorio dotado de técnicas experimentales. En 1969 compuso Sinfonía, que ponía de manifiesto otro de sus intereses musicales: componer una obra que funcionara sobre varios niveles psicológicos al mismo tiempo, sobre todo en el scherzo, donde hace referencia continua a un movimiento de la segunda sinfonía de Mahler, como si fuese un telón; por encima se oyen un conjunto de fragmentos cantados o recitados por ocho cantantes, además de pequeñas apariciones de la orquesta. Este propósito de trabajar con varios niveles simultáneamente lo desarrolla con toda intensidad en sus óperas. En La Vera Storia (1978), con libreto de Italo Calvino, el texto es el mismo para la primera y segunda mitad; no así la puesta en escena, los personajes y la música. La segunda parte puede ser vista como un comentario de la primera o como un nivel diferente sin más. Otras obras importantes de Berio son Opera (1970) y Un Re in Ascolto
¡OH GLORIA INMARCESIBLE! ¡OH JUBILO INMORTAL! ¡EN SURCO DE DOLORES EL BIEN GERMINA YA
PRIMERA ESTROFA
CESÓ LA HORRIBLE NOCHE LA LIBERTAD SUBLIME DERRAMA LAS AURORAS DE SU INVENCIBLE LUZ. LA HUMANIDAD ENTERA QUE ENTRE CADENAS GIME, COMPRENDE LAS PALABRAS DEL QUE MURIO EN LA CRUZ.
SEGUNDA ESTROFA
"INDEPENDENCIA" GRITA EL MUNDO AMERICANO: SE BAÑA EN SANGRE DE HEROES LA TIERRA DE COLON. PERO ESTE GRAN PRINCIPIO EL REY NO ES SOBERANO RESUENA, Y LOS QUE SUFREN BENDICEN SU PASION
TERCERA ESTROFA
DEL ORINOCO EL CAUCE SE COLMA DE DESPOJOS, DE SANGRE Y LLANTO UN RIO SE MIRA ALLI CORRER. EN BARBULA NO SABEN LAS ALMAS NI LOS OJOS SI ADMIRACION O ESPANTO SENTIR O PADECER.
CUARTA ESTROFA
A ORILLAS DEL CARIBE HAMBRIENTO UN PUEBLO LUCHA HORRORES PREFIRIENDO A PERFIDA SALUD. ¡OH SI DE CARTAGENA LA ABNEGACION ES MUCHA, Y ESCOMBROS DE LA MUERTE DESPRECIAN SU VIRTUD.
QUINTA ESTROFA
DE BOYACA EN LOS CAMPOS EL GENIO DE LA GLORIA CON CADA ESPIGA UN HEROE INVICTO CORONO. SOLDADOS SIN CORAZA GANARON LA VICTORIA; SU VARONIL ALIENTO DE ESCUDO LES SIRVIO
SEXTA ESTROFA
BOLIVAR CRUZA EL ANDE QUE RIEGA DOS OCEANOS ESPADAS CUAL CENTELLAS FULGURAN EN JUNIN. CENTAUROS INDOMABLES DESCIENDEN A LOS LLANOS Y EMPIEZA A PRESENTIRSE DE LA EPOPEYA EL FIN
SEPTIMA ESTROFA
LA TROMPA VICTORIOSA QUE EN AYACUCHO TRUENA EN CADA TRIUNFO CRECE SU FORMIDABLE SON. EN SU EXPANSIVO EMPUJE LA LIBERTAD SE ESTRENA DEL CIELO AMERICANO FORMANDO UN PABELLON
OCTAVA ESTROFA
LA VIRGEN SUS CABELLOS ARRANCA EN AGONIA Y DE SU AMOR VIUDA LOS CUELGA DEL CIPRES. LAMENTA SU ESPERANZA QUE CUBRE LOZA FRIA; PERO GLORIOSO ORGULLO CIRCUNDA SU ALBA TEZ.
NOVENA ESTROFA
LA PATRIA ASI SE FORMA TERMOPILAS BROTANDO; CONSTELACION DE CICLOPES SU NOCHE ILUMINO; LA FLOR ESTREMECIDA MORTAL EL VIENTO HALLANDO DEBAJO LOS LAURELES SEGURIDAD BUSCO.
DECIMA ESTROFA
MAS NO ES COMPLETA GLORIA VENCER EN LA BATALLA, QUE EL BRAZO QUE COMBATE LO ANIMA LA VERDAD. LA INDEPENDENCIA SOLA EL GRAN CLAMOR NO ACALLA: SI EL SOL ALUMBRA A TODOS JUSTICIA ES LIBERTAD
UNDECIMA ESTROFA
DEL HOMBRE LOS DERECHOS NARIÑO PREDICANDO, EL ALMA DE LA LUCHA PROFETICO ENSEÑO RICAURTE EN SAN MATEO EN ATOMOS VOLANDO "DEBER ANTES QUE VIDA", CON LLAMAS ESCRIBIO
Durante el siglo XIV, la actividad polifónica en todos los reinos peninsulares, tal y como lo indican las fuentes históricas y literarias, es intensa. Desgraciadamente, las fuentes musicales que se han conservado son mínimas. De la Corona de Castilla, además del nombrado Credo del Códice de las huelgas, nos ha llegado solo un fragmento conservado el la Biblioteca Nacional de Madrid, que contiene los Kyrie y los Gloria,. El Ars Nova en la Corona de Aragón es mucho mejor conocido, gracias a los estudios de Gómez Muntané sobre las capillas musicales de la Casa real aragonesa-catalana. Además se ha conservado un excepcional códice en la Biblioteca del Monasterio de Montserrat, conocido como elLlibre Vermell. Se trata de un manual de devotos para uso de los peregrinos de la Virgen de Montserrat que incluye varios cantos no relaccionados directamente con la Liturgia de Nuestra Señora. Contiene seis piezas polifónicas: tres en forma de caccia a dos y tres voces y otras tres cantinelas, asimismo a dos y tres voces. El Libre Vermell, llamado asi por el color de su encuadernación, es tambien importante por tratarse del único códice medieval español que incluye piezas polifónicas de carácter extralitúrgico, destacando la canción Imperaytriz, primera obra polifónica española que se conserva en un romance peninsular (el catalán).
Fuentes : Historia de la música. Marie Claire Beltrando- Ptier.
El Llibre Vermell (Libro Rojo) es un manuscrito medieval conservado en el Monasterio de Montserrat que constituye uno de los pilares de la música medieval española. Fue copiado en los últimos años del siglo XIV y debe su nombre a su encuadernación en terciopelo rojo hecha, según parece, a finales del siglo XIX. Precedido por colecciones de milagros atribuidos a la Virgen de Montserrat -popularmente conocida en Cataluña por “La Moreneta”- incluye un cancionero musical que recopila canciones y bailes para los peregrinos que llegaban a Montserrat. Como era habitual en la época los mismos fieles eran quienes cantaban y danzaban bien de camino al templo o en los propios santuarios; unas veces para expresar su fe, otras entonando cantos de perdón y de penitencia. El Llibre Vermell recoge diez cantos en latín, catalán y occitano.
La fascinación que el Códice de Las Huelgas produce es sólo comparable a la riqueza de su contenido. La impresionante variedad de formas musicales litúrgicas, paralitúrgicas y profanas, los estilos de composición (organum, conductus, motetes, piezas monódicas y didácticas), junto a las obras compuestas en homenaje póstumo a personajes relevantes vinculados a la vida del monasterio, o las composiciones con sabor ya del Ars Nova, constituyen el mayor legado musical español a la polifonía de la Edad Media, precedente de lo que sería la grán época de la polifonía clásica en siglos posteriores.
Nombre que se daba a los poetas y cantores de la guerra y del amor entre los celtas, galos y bretones.Se diferenciaban de los druidas en que éstos eran sacerdotes y maestros , y los bardos, solo poetas , cantores y arpistas. Vestían de azul y los druidas de blanco. Sus personas eran consideradas como sagradas. La música era una de las partes esenciales en su educación. En tiempo de guerra formaban en la vanguardia del ejército , rodeados de gran número de instrumentistas , y en tiempo de paz promulgaban las leyes modulando monótonas cantinelas sostenidas por una especie de bajo continuo, efectuado con el arpa. Los bardos instrumentistas se denominaban Oirfidigh.
El papel de los bardos en Irlanda, en Bretaña y en la Armórica , durante la Edad Media, bordeaba los ámbitos de la religión y la política.
Desde el advenimiento del cristianismo , los bardos cantaban loores al Redentor. Su poder quedó destruido con la irrupción de los daneses en Irlanda. El último bardo fue TurloughO´Carolan, muerto en 1738, cuyos cantos, poesías y música han sido conservados. Los vestigios de las tradiciones de los bardos han tenido repercusiones en Irlanda y en el País de Gales hasta el siglo XIX. Su influencia en la historia de la música se ha limitado a la transmisión de algunos aires populares.
Los manuscritos de Chantilly, Oxford, Módena y Apt, testimonios de esta estética, revelan una exageración de las formas de ortamentación y una enfervorizada carrera hacía la breve (figura musical), En este maremagnum de formas en este periodo, , que toca con el gran Cisma (1378-1417),sólo se podia hacer las normas de Machault empleandose medios muy sutiles poco intelectuales empleando unos medios artisticos un poco en deshuso. Trebor, Solage, y en especial Senlèches utilizan en sus baladas un lenguaje complicado para aquellos tiempos en cuanto a ritmos y notación.El Virelay y el Rondó , se entrelazan por el gusto de las fantasías gráficas de Cordiery las complicaciones y manierismo de Cesaris y Vaillant o la simplicidad de Loqueville. El motete utiliza la estructura isorrítmica con todas las sutilezas (símcopas, uso del color) y recoge las corrientes estilísticas de Aviñon e Italalia. Se vuelve al empleo de latín conforme a los criterios de Vitry. La Misa expresa las preocupaciones de composición del ordinario completo y de unificación de ciclo por medio de cantus firmus litúrgu¡ico (Se duda en abandonar el estilo cantinela). En los umbrales del siglo XV , los músicos han agotado una lengua y una estética artificiales, desviandose en un complejo manierismo sin precedentes. Extravagancias atrevidas dejaran que llegue Dufay, luna de toda música, luz de los cantores, (Compère). Fuentes. Datos sacados de la historía de la música dirigida por Marie-Claire T
Nombre que recibe el estilo musical de gran refinamiento surgido a finales del siglo XIV, centrado principalmente en las cortes seculares de Francia del sur, Aragón y Chipre. Este término fue introducido en el vocabulario musicológico por Ursula Günther (1963) y deriva de las referencias que en el Tractatus de diversis figuris de Philippus de Caserta(?) se hacen a compositores dejaban atrás el estilo del motete del ARS NOVA "post modum subtiliorem comparantes" y desarrollaron un "Artem magis subtiliter" como se ejemplifica en el motete "Apta Caro". De forma similar Egidius de Murino se refirió a la composición "...per viam subtilitatis" en su Tractatus cantus mensurabilis.
El desarrollo del lenguaje (principalmente presente en las grandes ballades) puede trazarse en fases sucesivas, de forma cronológica:
1. La generación post-Machaud: Comprometidos principalmente en el desarrollo de la ballade clásica en el estilo de Machaud. Encontramos compositores como De Landes, Franciscus, Grimace, Pierre de Molins, Solage, Suzoy ("A l'arbre sec") y Vaillant.
2. Hay una extensión más florida en los trabajos de Matheus de Sancto Johanne, Goscalch, Hasprois y Olivier. Aparte de la creciente independencia contrapuntística del contratenor, sus trabajos son notables por una admirable cohesión tonal y motívica."Ma doulce amour" de Hasprois (después de las 1428) ilustra el eslabón subyacente entre el Ars Subtilior temprano y las Chansons subsecuentes del siglo XV.
3. La ruptura final del estilo de Machaut tradicional la encontramos en las composiciones de Cuvelier, Egidius, Johannes de Alte Curie, Philippus de Caserta y Trebor. Su música és una muestra de desplazamientos pródigos de mínima (blanca) y de modelos secuenciales italianos.
4. Todavía más adelantado era un grupo final de compositores (Jacob de Senleches, Rodericus y Magister Zacharia), quiénes usaron subdivisiones rítmicas muy elaboradas, desplazamientos (colorido cortante) y proporcionalidad, usando el motete como forma principal. En ocasiones, incluso los compositores menos radicales (como Solage y Galiot en "s'aincy estoit" y "le sault perilleux") adoptaron este estilo que finalmente se extendió a la colonia cultural francesa de Chipre (ballade anónima "Sur toute fleur", c.1410).
En 1810, Ludwig van Beethoven acudió a un recital que iba a ejecutar, según le aseguraron, un prodigio de la música.Se trataba de una niña llamada Teresa, la cual tenía fama de precoz pianista que, en efecto, deslumbró a todos los presentes… hasta que llegó el momento de interpretar una pieza del compositor alemán.
La pequeña se aturdió tanto que se vio incapaz de tocarla y abandonó la sala entre sollozos. Beethoven corrió tras ella y le preguntó el porqué no había podido seguir con su pieza. Teresa, limitó a excusarse asegurando que todas las composiciones eran muy difíciles. Para sosegarla, el músico, prometió componerle una sonata sólo para ella.
Y así fue, al día siguiente, la joven pianista recibió una partitura inmortal. Se titulaba “Para Teresa” (Recuerdos del 27 de abril de 1810).
La pieza ha pasado a la historia bajo el título de “Para Elisa”, pero no se sabe bien si por error de algún copista o por la mala caligrafía del genial compositor.
Aunque la vida amorosa de Beethoven es algo confusa y bastante desconocida, algunos indicios apuntan a que la precoz pianista no era otra que Teresa Malfatti, de la que años después, al reencontrarla, se enamoró y quiso contraer matrimonio, siendo rechazado por la inspiradora de una de las sonatas más famosas de la historia de la música.
Juan Sebastian Bach faltó a clase muchos días , por sus problemas familiares. 95 horas el primer año y 103 el segundo año. Su madre murió cuando tenía 9 años, y a su padre lo perdió un año después (Johann Ambrosius Bach). A los niños los tenía que acoger alguien de la familia pues se encontraban solos. Sebastian y su hermano Jakob fueron recogidos por su hermano mayor Johann Christoph (nacido en 1671), era organista de la ciudad de ohrdruf, ciudad de Turingia. Johann seguía la tradición familiar de músico, asi el éxito de los Bach como músicos, toda una familia dedicada a la música. Que gozoso serían las reuniones familiares, todo el mundo tocando y cantando , aquello parecería una gran fiesta eterna. Los lazos entre hermanos no eran muy favorables pues johann había dejado a sus padres mucho antes con el propósito de estudiar con el gran organista Johann Pachelbel; sus hermanos extrañarian a su hermano pues no lo habian visto casi nunca. Luego estaban los problemas financieros; Johann se había casado y tenía un hijo en camino y el sueldo que le pagaba el consejo de Ohrdruf era escaso. Para paliar estos problemas Jakob se fué al año de estar con ellos para recibir enseñanzas musicales del músico de Eisenach que había sucedido al padre : (Ambrosius Bach).Bibliografía: Johann Sebastian Bach, Culminación de una era , Karl Geiringer.(1966)
El segundo y tercer hijo de Christoph (26) eran aquellos notables mellizos cuyas particularidades relata Philipp Emanuel en la Necrología y que se encuentran reproducidas en el libro de Forkel. El mayor es Johann Ambrosius , el padre de Juan Sebastian; el menor , Johann Cristoph (32), se formó con su padre y ejerció su profesión en Arnstadt donde fué músico de la corte y del municipìo. Su hijo mayor, Johann Ernst (33) sucedió a Joh. Sebastian en el puesto de organista de Arnstadt cuando éste , en 1707, siguió el llamado a Mühlhausen. Otro hijo (34) de Joh, Christoph, llamado como su padre, fué tambien organista.
Johann Ambrosius (35) nació en Erfurt. Aprendió con su padre el violin y la viola, instrumentos que enseñó luego a su hijo Johann Sebastian. En 1667 fué nombrado miembro de la compañía de los músicos municipales en su ciudad natal, bajo su tío Johann (9); en el año siguiente se casó con Elisabeth Lämmerhirt, hija de un peletero y concejal de la ciudad, con la cual tuvo seis hijos y dos hijas. En 1671 Jon. Ambrosius se trasladó a Eisenach, donde sucedió a su primo Jon. Christian (10). Aquí pasó el resto de su vida como músico municipal y de la corte. Después de la muerte de su mujer, en 1694, se casó por segunda vez, pero murió ya al año siguiente. De sus hijos tres adquirieron importancia como músicos. El mayor , Johann Christoph (36) fué alumno del conocido organista Johann Pachelbel, en Erfurt. En 1694 se hizo cargo del puesto de organista en la pequeña ciudad de Ohrdruf donde al año siguiente acogió a sus dos hermanos menores huérfanos. Sus cinco hijos (37 a 41) fueron todos músicos, chantres y organistas, como tambien cuatro de sus nietos ( según Terry).
El tercer hijo de Joh. Ambrosius, Johann Jakob (42) quien llevaba tres años a Joh. Sebastian, hizo su aprendizaje entre los músicos municipales de Eisenach. En 1704 se enganchó en el ejercito sueco como oboísta. En ocasión de su partida para el servicio bajo las banderas del rey Carlos XII, Jon. Sebastian compuso el Capriccio sopra la lontanaza del suo fratello dilettissimo. Estuvo presente en la batalla de Poltava, donde Carlos XII fué derrotado por los rusos ; viajó hasta Turquía con su soberano y, finanmente, se radicó en Estocolmo como músico de la corte. Fecha y circunstancias de su muerte son desconocidas. No dejó hijos.
En la Edad Media, era un pequeño poema de origen Bretón en versos octosílabos, que recitaban los juglares cortando su declamación con estrifas con acompañamiento. Le Roman de Tristan (siglo XII) habla de los buenos lays de arpa que el héroe enseñaba a Iseo . Más tarde, el lay se convirtió en una forma sabia de composición monódica, caracterizada por el cambio de la melodía e incluso del ritmo de dos en dos estrofas en el género de la secuencia.
Fuentes : Diccionario de la música
El ciclo de leyendas de Tristán
Tristán hace su primera aparición en 1120, en el folclore Céltico que circula en el norte de Francia. Aunque las historias más viejas concernientes a Tristán ya se perdieron, algunas derivadas de ellas aun existen. Las dos más famosas son los recuentos del poeta anglo-normando Thomas y del poeta francés Beroul. Chretien de Troyes también clama que sus trabajos también escribieron esta versión de la historia, pero, si así fue, no existen evidencias físicas que lo comprueben.
Al igual que otros caballeros de la mesa redonda, Tristán y su historia varía de poeta en poeta. En una historia, Tristán es un caballero con sobrepeso, que esta constantemente burlado pero que sin embargo asombra a todos al derrotar la Gran Serpiente que guarda la cueva de Micheal. En la historia “Tristran and Yseut” de Beroul, Tristán es tan valiente como cualquier otro caballero, pero se fía de trucos y no mantiene los estándares morales esperados de un caballero. De hecho, ocasionalmente Tristán está en segundo lugar solamente precedido por Lancelot en cuanto a valor.
En el cuento de Beroul, Tristán viaja a Irlanda para traer de regreso la justa Yseut para que la despose su tío el Rey Mark. En el camino, ellos accidentalmente ingieren una poción de amor que causa que este par se enamore desesperadamente durante tres años. Aunque Yseut se casa con Mark, ella y Tristán están forzados por la poción para encontrarse y cometer adulterio. Y aun cuando el típico personaje noble de leyenda medieval debería estar avergonzado por tales actos, la poción del amor que los controla libera a Tristán y a Yseut de esta responsabilidad. De este modo Beroul los representa como víctimas. Los consejeros del rey intentan constantemente juzgar a este par por adulterio, pero una y otra vez la pareja se vale de trucos para preservar su fachada de inocencia. Finalmente el efecto de la poción se termina, y los dos amantes están libres de continuar. El final de Beroul es moral y ambiguo, que difiere de sus contemporáneos como Chretien de Troyes y agrega un poco de mística a la leyenda de Tristán. Además, de acuerdo al mito céltico, Tristán posee un caballo llamado Bel Joeor.
Tristán en España
En el primer tercio del siglo XIV, el Arcipreste de Hita leyó un Tristán. Una de las versiones francesas de la historia de Tristán fue traducida al español e impresa por primera vez en Valladolid en 1501, con el nombre de "Libro del muy esforzado caballero Don Tristán de Leonís y de sus grandes hechos en armas". Dada la popularidad que alcanzaron los libros de caballerías, la obra tuvo un éxito muy considerable, ya que fue reimpresa en Sevilla en 1511, 1520, 1525, 1528, 1533 y 1534, e incluso continuada en una segunda parte llamada Tristán el joven, que relata las hazañas caballerescas de un hijo de Tristán de Leonís.
[editar] Tristán e Isolda
Entre 1857 y 1859, Richard Wagner compuso lo que ahora es considerada su obra maestra, Tristán e Isolda. En su trabajo, Tristán esta descrito como una figura romántica condenada.
Raíces Bretonas
Fue la tesis del medievalista francés Joseph Bedier que todas las leyendas de Tristán podían ser originadas por un solo poema, traducido por Thomas de Brittania al francés de una fuente original Cornuallés o Bretón.
Tristán no fue su nombre real, su nombre fue Drustanus en el viejo Bretón. Los Cornualles grabaron su nombre como 'Trystan', y este se convirtió en Tristam para los hablantes ingleses.
Una tumba que aún permanece en pie cerca de Fowey en Cornualles tiene grabado en su lápida en un simple latín 'Drustanus Hic Lacit Cunomori Filius' (Drustanus yace aquí, de la casa de Cunomorus). Cunomorus es el nombre latino del Rey Mark de Cornwall, quien en la leyenda fue un malvado tirano y el tío de Tristán.
¿Existe una conexión Caledona?
Existen varios aspectos muy extraños de Tristán. El primero de todos, es que tiene un nombre Pictico. Drust es un nombre común de los reyes Pictos, y Drustanus es simplemente Drust trasladado a Bretón. Puede venir de una leyenda antigua respecto a un rey picto que mató a un gigante en el pasado distante, que fue dispersada a través de las islas. O quizás puede haber otra posibilidad aún más extraña.
Otro aspecto extraño es su reino, Lyonesse. No existió tal reino. Sin embargo, existen dos lugares llamados Leonais: uno en Bretaña, y el otro en la traducción del Francés Antiguo de Lothian. Si Tristam fuese el príncipe de Lothian haría más razonable el origen de su nombre, Lothian eran las tierras fronterizas del reinado Caledonia|Picto (y una vez fue parte del territorio Picto, Tristam puede de hecho haber sido un príncipe Picto bajo el reinado de un Rey Británico).
¿Bajo esta explicación, como se explica la existencia de la lapida? Pudo haber sido adoptado por la familia de Mark de Cornwall, lo que era una práctica atestiguada dentro de la ley romana
Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.
Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington. En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.
Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.
En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"
A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.
Compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música. Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se educó en el conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Peter Ilich Tchaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Tchaikovski, Aleksandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Musorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la Villa Médici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema The Blessed Damozel del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.
Karl Friedrich Abel (22 de diciembre de 1723 - 20 de junio de 1787) fue un compositor alemán de la era clásica. Fue un gran instrumentista de la viola da gamba y compuso gran parte de la música más relevante en aquella época para dicho instrumento.
Si os fijais el compas es 4/2 son cuatro partes y son 4 blancas , una en cada parte , el denominador nos dice que como la unidad es la redonda , cuantas blancas entran en la redonda 2 , pues ese es el denominador , la figura es la blanca. 4 =cuatro tiempos . 2 = 2 blancas que son las que entran en una redonda.
Antigua forma de composición vocal profana , que estuvo de moda hacia el final del siglo XV y el principio del XVI , en Italia, Donde precedio al madrigal. Se escribe a tres o cuatro voces sobre peuqeñas poesías en versos octosílabos, dispuestos en estrofas de cuatro, seis u ocho versos de rima llana, es decir, con el acento en la penúltima sílaba, y con estribillo. Los asuntos de las frottolas suelen ser de género erótico o satírico raras veces serio y a menudo grosero. Por una disposición nueva en aquella época y que ha hecho creer en el origen popular de la frottola, la melodía no está escrita en tesitura de tenor, tal y como lo exigia el arte contrapuntístico , sino en la voz superior o soparano . Asimismo una gran simplicidad en la conducción de las partes hacía que su ejecución fuera fácil para los cantores de todas las categorías. El impresos Petrucci publicó en los primeros años del siglo XVI diez colecciones de frottolas, nueve de las cuales han sido conservadas y contienen , por lo menos , 579 fragmentos de treinta y seis compositores italianos, siendo los más frecuentemente representados Marco Cara, Bartolomeo, Trombocino, Felipe de Lusano, Antonio Capreoli y Micha. Bibliografia: Diccionario de la música (Michek Brenet).
Bach tambien fué niño, rodeado de un ambiente musical extraordinario. Se sabe poco de sus primeros años , pero siendo que su padre tocaba el violin no es de extrañar que le enseñara a tocar los instrumentos de cuerda. Bach tenía que aprender los instrumentos de la época, para luego lograr componer esas inmensas obras que nos ha legado. Debía de conocer todos instrumentos y alguno como el órgano tocarlo bastante bien, su primo segundo , Johann Chistophle debió de enseñar el órgano. A los ocho años ingresó en la escuela latina de Eisenach, asistiendo a clase con su hermano, Johann Jackob(1682-1722) y dos de sus primos , que clase sería esa con tantos músicos y niños que les encantaba la música. Se empezaba las clases ala edad de siete años, y duraba cada clase de dos a tres años hasta estar preparados para la clase siguiente. Bach avanzó muy rápido logro adelanta a su hermano Jakob, que era tres años mayor que él. Sobresalió en otras materias diferentes. El coro era primordial en la escuela y desde principó participó en él. Todos los músicos importantes han estado alguna vez en un coro, Las diferentes voces sirven para después organizarse y aprender la armonía, por eso la importancia de estar en un coro. El coro era Kurrende, que cantaba himnos a una voz, luego estaba en el coro Chorus Symphoniacus cantaban motetesy cantatas. La congregación de San Jorge tenís la alegria de gozar de la música de los Bach los días festivos ; Johann Chistoph al órgano lo ejecutaba magistralmente, Ambrosius (Padre de Bach) tocaba algún instrumento de cuerda, y el pequeño Bach cantaba con su pura voz de soprano, rodeado de otros familiares Bach, todos vivian la música; imaginemos una iglesia de America donde todos cantan esos himnos a la vez maravillosamente todos esos hombre y mujeres de color, con una gran satisfación y alegria, igual pasaba en Eisenach en aquellos tiempos donde se juntaba toda una familia acompañada de los feligreses cantando al Dios divino.
Así se crió Juan Sebastian, rodeado de música y no es de estrañar que luego fuera el más inmenso compositor y autor que ha dado este mundo a la música.
Datos sacados de varias biografías de Bach.
Bibliografía: Johann Sebastian Bach . Karl Geiringer . Culminación de una era. Contrapunto .Atalena.
