El Bebop

Bebop

A principios de la década de los cuarenta el jazz se estaba acomodando en un obsoleto circulo de música comercial propiciado por varios cientos de orquestas de baile, en las que el jazz brillaba por su ausencia. La era del swing, ese estilo de jazz inventado veinte años atrás, había sido exprimido hasta el limite de sus posibilidades y los grandes solistas de entonces sólo hacían repetir, eso sí con gran maestría, las mismas formulas musicales una y otra noche. Y eso a pesar del esfuerzo de músicos de swing empeñados en buscar algo más. Buscaban otro sonido y no lo encontraron.

En Harlem (New York) corría el año 1940, y había un club en la calle 118 que se llamaba "Minton's Playhouse". Lo regentaba un hombre llamado, Teddy Hill que tuvo la feliz idea de abrir ese local todas las noches a horas en que los demás clubes de New York cerraban sus puertas y consiguió reunir noche tras noche a los músicos de jazz de la ciudad que se enfrascaban, liberados del corsé de las actuaciones en sus respectivas bandas, en interminables y memorables "jam sessions". Allí germinó un sonido nuevo, un repertorio de temas disonantes con melodías llenas de saltos bruscos y que expresaban un concepto distinto de la estética melódica al uso. Nació el bebop

Así pues, estos buscadores del nuevo sonido bautizado como "bebop" o "bop" entre los que se encontraban Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Charlie Christian, Bud Powell o Kenny Clarke entre otros consiguieron realizar una revolución melódica, armónica y rítmica y lo más importante, que no estuviera exento de swing. Alguien, alguna vez pregunto a Charlie Parker, que significaba la palabra "bebop". Charlie, tan sarcástico como siempre, contestó que se les había ocurrido porque aquella palabra sonaba igual que la porra de un policía en el cráneo de un negro. Cierto o no, lo seguro es que el sonido inventado por el tandem Parker-Gillespie puso las base de todo el jazz moderno.

En cualquier caso, el bebop jamás llegó a ser tan popular como el swing. En primer lugar porque en el momento fuerte de la revolución bebop, en 1942, el Sindicato de Músicos prohibió a los músicos grabar para protestar por la falta de ingresos por la música reproducida en la radio y en las gramolas; la consecuencia es que mucha de la mejor música del momento no fuese grabada. En segundo lugar porque no era una música fácil como el swing, sino creativa e impredecible. El gran público prefería la música de entretenimiento y espectáculo, por ejemplo la de los cantantes de baladas modernos como Sinatra, Crosby, etc.. Por otro lado, la música negra que estaba empezando a atraer a las masas era el rhithm and blues, grupos pequeños y de música popular de donde surgiría el rock and roll.




15 MÚSICOS Y 15 DISCOS REPRESENTATIVOS DEL BEBOP

MÚSICOS DISCOS SELLO DISCOGRÁFICO
CHARLIE PARKER THE COMPLETE SAVOY RECORDINGS SAVOY 1944/1948
DIZZY GILLESPIE GROOVIN' HIGH SAVOY 1945/1946
THELONIUS MONK THELONIUS MONK TRIO PRESTIGE 1952
BUD POWELL JAZZ GIANT. VERVE 1949/1950
FATS NAVARRO THE FABULOUS FATS NAVARRO BLUE NOTE 1947/1949
THE QUINTET JAZZ AT MASSEY HALL DEBUT 1953
JAY JAY JOHNSON THE EMINENT VOL 1 Y 2 BLUE NOTE 1954
CHARLIE CHRISTIAN LIVE AT MINTON'S EVEREST 1941
MILES DAVIS FIRST MILES SAVOY 1945/1947
CHARLIE MINGUS PITHECANTHROPUS ERECTUS ATLANTIC 1956
CHARLIE PARKER PARKER ON DIAL.THE COMPLETE SESIONS DIAL 1946/1947
SARAH VAUGHAN SARAH VAUGHAN EMARCY 1954
CLIFFORD BROWN AT BASIN STREET EMARCY 1956
VARIOS ARTISTAS BIRLAND ALL STARS AT CARNEGIE HALL ROULETTE 1954
CHARLIE PARKER AND DIZZY GILLESPIE BIRD AND DIZ VERVE 1950

Gentileza este ar´ticulo de Apoloybaco (Visitar esta página que habla sobre jazz,vino y literatura) Esta en mis enlaces.

Dixieland

Dixieland



Las orquestas blancas de Nueva Orléans trataron con más o menos éxito de imaitar el jazz negro: La Ragtime Band de Jack Laine, generalmente considerado como padr de la música de jazz blanca, creó el estilo que lleva el nombre de dixieland. La primera orquesta blanca que tocó fuera de Louisiana fué la de Tom Brow and his Dustes, que apareció en Chicago en 1914.
La crisis económica del Sur, producida por el gorgojo capsular del algodón, originó una gran emigración rio arribam hacia el Norte, y los musicos se fueron con los trabajadores de las plantaciones. Entre éstos tuvo su origen la famosa:

Original Dixieland Jazz-band

Esta orquesta tocó en el café Schiller de Chicago , durante 1915 y poco después se dió a conocer en Nueva York; costaba de ,trompeta,clarinete, trombón, piano y cajas y estaba dirigida por el trompeta de Nick la Rocca, cuyo Tiger Rag (una antigua quadrille francesa transformada) se hizo popular en el mundo entero. En 1917 la orquesta se hizo famosa al ser la primera en grabar disco de jazz. Hizo el viaje a Europaen 1919 , pero a su regreso a los Estados Unidos dos años más rtarde , el jazz estaba dominado por los músicos de color. Tras de incesantes cambios de sus componentes, La rocca disolvió su orquesta en 1925.


La expresión dixieland se emplea generalmente para designar la música de jazz unterpretada, casi en el estilo de Nueva Orleans, por músicos blancos.

El Ragtime

El ragtime
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Swing

EL SWING
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Swing


La palabra swing (inglesa; intraducible) hace referencia, por lo menos, a dos conceptos:

1. El swing (o jazz caliente) es un estilo musical del jazz de los primeros tiempos (1935-1945, la era del swing) característico de las big bands. Es un estilo compuesto, aunque con un pequeño margen para la improvisación, y cuidadosamente orquestado, estableciéndose a menudo fuertes contrastes entre los metales y los instrumentos de caña. Se tocaba con suavidad y con un leve rubato (o swing rítmico). Otra característica es el uso del riff, una frase melódica o armónica que se desplaza de sección en sección.
Aunque fueron músicos negros los que desarrollaron el swing, el estilo atrajo a muchos imitadores blancos. Su origen jazzístico se remonta a la colaboración de Louis Armstrong con la orquesta de Fletcher Henderson, hacia 1924. Sin embargo, su desarrollo se hace en paralelo e independientemente al del jazz, pues este se caracteriza básicamente por la improvisación. En este sentido, el swing vino a ser una adaptación del jazz para un público más popular y menos exigente que el aficionado a este, que buscaba una música agradable y fácilmente disfrutable en grupo. Las referencias por excelencia son las orquestas de Count Basie, de Benny Goodman (llamado El rey del swing) y de Glenn Miller.

El swing influyó masivamente en la cultura estadounidense durante veinte años y se hizo popular entre el público negro y blanco. Durante los años treinta, los grupos de swing grabaron más del 85% de todos los discos que se vendieron.

2. La palabra swing hace referencia a una cualidad musical inefable (en un sentido similar al de la palabra duende aplicada al flamenco). Se dice de una interpretación (normalmente, vinculada al jazz) que tiene swing cuando se quiere resaltar que el intérprete ha logrado conferirle una cualidad rítmica especial en algún sentido.


conjunto

Duke Ellington

Duke Ellington

Duke Ellington en el Hurricane Club (1943)Duke Ellington (Edward Kennedy Ellington; Washington D.C., 1899 - Nueva York, 1974) Pianista, compositor, arreglista y líder de grupo de jazz estadounidense. Se inició en la práctica musical tomando clases de piano a los siete años. Ya en sus comienzos recibió la influencia del ragtime, género de música popular en boga en aquella época y uno de los estilos de los que derivaría el jazz. Con sólo diecisiete años debutó profesionalmente en su ciudad natal. Desde 1919 tocó con varios grupos de la capital estadounidense hasta que en 1922 fue llamado para actuar en Nueva York, el punto de referencia para todo músico de jazz. Aunque no logró triunfar, adquirió la experiencia necesaria para formar su propio quinteto, The Washingtonians, con los que adquirió renombre suficiente como para realizar unas pruebas en el celebérrimo local neoyorquino Cotton Club, en Harlem. A partir de ese momento, su fama y su prestigio se fueron consolidando; las emisiones radiofónicas de sus conciertos se hicieron habituales y las apariciones de Duke Ellington and The Washingtonians en diversas películas, junto a las diversas giras que realizó por Estados Unidos y Europa, contribuyeron a fomentar su creciente popularidad. El quinteto original fue incorporando nuevos miembros, hasta completar un total de doce en sus primeras apariciones en el Cotton Club. A principios de los años 1930, composiciones como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933) se convirtieron en grandes éxitos y marcaron el inicio de la época dorada para el músico y su big band. Hacia el fin de la Segunda Guerra Mundial, abordó la composición de obras de mayor aliento temático y formal, por lo común en forma de suites sinfónicas, como Black, brown and beige (1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946). Pero en esa misma época el formato de gran orquesta dejó de gustar a un público que, inmerso en la revolución bop, se decantaba por formaciones más reducidas y con mayor peso de un instrumento solista. A pesar de ello, Duke Ellington decidió permanecer fiel a los que siempre fueron su estilo y su manera de entender la música, e incluso aumentó aún más el nivel de exigencia de los componentes de su formación, entre los que se contaron a lo largo de los años figuras como el trompetista Cootie Williams o el saxofonista Johnny Hodges. Su aparición en el Festival de Jazz de Newport en 1956 significó el relanzamiento de The Washingtonians, con los que inició una serie de giras por el extranjero que incrementaron su ya considerable fama internacional. En 1959 se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), primero, y Paris Blues (Un día volveré), un año después. Durante la década de 1960 grabó con una larga serie de jóvenes músicos de gran talento como Charlie Mingus, John Coltrane o Max Roach. Simultáneamente empezó a interesarse por la música litúrgica y compuso piezas como In the beggining of God, que fue estrenada en la catedral de San Francisco en 1965. Permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington. En su haber quedan numerosos reconocimientos, de entre los que sobresalen los títulos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963 y Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor que se le concedió en 1969. Fue nombrado así mismo miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 se convirtió en el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Según su biógrafo, Derek Jewell, Duke Ellington llegó a escribir unas 2 000 piezas musicales en toda su vida, si bien son incontables las que créo en trozos de papel luego perdidos, que elevarían la estimación a unas 5.000 piezas.

Discografia

Early Ellington (1927-1934)
Jungle Nights in Harlem (1927-1932)
First Time The Count Meets the Duke : Un monumento al Swing
Black, Brown and Beige
Duke and Coltrane :El Duke con el saxofonista.
Piano Reflections: Ellington con su orquesta.
And his Mother Called him Bill :Una de las mejores composiciones.
This one´s for Blanton : obra maestra
Money Jungle : con Max Roach y Charles Mingus.
The Great Paris Concert.

Glen Miller

Éxitos
Formó una segunda banda en 1937, que consiguió rápidamente el favor del público, que llenaba sus conciertos, lo que dio lugar a una serie de grabaciones. Desde junio de 1938 Miller dominó los primeros puestos de varias listas de música popular, y se mantuvo así más de una año. A principios de 1940 "In the Mood" estuvo quince semanas consecutivas de número uno, y siguió "Tuxedo Junction" que mantuvo a Miller en el número 1 hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por "Chattanooga Choo Choo".

Otros títulos conocidos son "A String of Pearls", "Moonlight Serenade" y "Pensilvania 6-5000" (que era y sigue siendo el número de teléfono del Hotel Pensilvania en Manhattan). La "Serenata a la luz de la Luna" (Moonlight Serenade) es una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EEUU, y actualmente está considerada como LA canción representativa de Miller, y como una de las canciones más importantes de la historia musical de EEUU.

En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las fuerzas aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa.

Innovación
Glenn Miller es famoso por sus especiales configuraciones de la sección de viento en su big band, aparte de sus adaptaciones de jazz y blues tradicional (como por ejemplo St. Louis Blues) con ritmos de marcha militar.

Muerte y misterio
El 15 de diciembre de 1944, mientras volaba de Inglaterra a París, para dar un concierto en homenaje a los soldados que habían liberado la ciudad, su avión desapareció. Como nunca se encontró el cuerpo de Miller, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo (similares pero anteriores a las teorías de que Elvis Presley no ha muerto, etc.)

Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada con muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar.

En abril de 1992, a petición de su hija, se puso una lápida en el Cementerio nacional de Arlington.


Película
En 1953, Anthony Mann rodó la película biográfica "The Glenn Miller Story", cuyo título en España fue "Música y Lágrimas", en la que James Stewart interpretaba a Glenn Miller.

COLTRANE, Willian, JOHN

John Coltrane nace en Hamlet, Carolina del Norte 1926, muere en Huntington, Nueva York ,1967

Sin duda John Coltrane es, junto a Miles Davis, la figura más importante del jazz posterior al : bebop.
Tanto como saxofonista o compositor. Coltrane emprendió una vía personalisima. Tras sus inicios musicales y tras el paso pos diversas formaciones , entre las que cabe reseñar la de Dizzy Gillespie, en 1955 entró a formar parte del quinteto de Miles Davis , en el que coincidió con Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Su colaboración con Davis le granjeó una merecida fama y, tras codearse tambien con Thelonius Monk, formó su celebérrimo cuarteto, que en su estructura definitiva contaba con McCoy Tyner al piano, Jimmi Garrison al contrabajo y Elvin Jones a la bateria.
Sin embargo, las inquietudes de Coltrane, pronto considerado uno de los mejores saxofonistas de todos los tiempos iban mucho más allá y puede decirse que desde la desa paricion de Charlie Parkerel mundo del jazz no habia conocido conmoción igual a la que Coltrane produciría. En cualquiera de las aventuras que emprendería su huella sería indeleble. Por eso , sumergirse en su evolución musical a traves de los testimonios discográficos es una experiencia incomparable. Desde los solos grabados para Guillespie, su mano a mano con Davis o Monk, su excepcional colaboracion con Duke Ellington, su brillante aportación al free jazz o su monumental A Love Supreme, colofón de una breve pero intensa y brillantisima carrera , la música de Coltrane se revela como una de las cimas de la tradición afroamericana a la vez que constituye el punto de partida para numerosos caminos`posteriores que su legión de herederos han tratado de explorar.
Su universo musical encierra buena parte de las claves de un concepto ya citado aquí en esta obra, la Great Black Music, y el él resuenan a un tiempo, en una pugna a veces irreconciliable, la tradición y la modernidad, dominadas siempre, aunque sea en el último momento, por su sonido incomparable y su audacia.


Africa Brass Sessions
Afro Blue impressione (magnifico)
At The Five Sport (blue note)
Bags and Trane
Ballads
Best of John Coltrane
A Love Supreme (imprescindible en cualquier discoteca de jazz)
Live In Japan
Soul Trane

The Gentle Side Of John Coltrane (antologico)
The Prestige Recordings (16 compactos)

conjunto


RECOMIENDO EL LIBRO LA DISCOTECA IDEAL DEL JAZZ (PLANETA)
DE JOAN RIAMBAU

El jazz : Un nuevo y excitante idioma musical

Este tipo de müsica, que tuvo su origen entree los negros americanos, se distingue de la música normal europea por sus ritmos desusados , basados en los sutiles y polirritmicos lenguajes del tambor africano.



Hay quien asegura que procede de una palabra criolla que significa apresurarse , mientra otros la derivan del francés jaser (charlar) . Otros creen que se trata de la abreviatura de Jasbo, patronímico de un músico negro que vivió alrededor de 1900. Sousa sostenía que se trataba del nombre de un finale de revista. Las teorías son muchas, pero sin pruebas contundentes. Tampoco es posible determinar una fecha fija para el comienzo del Jazz que es una mezcla de diversos ingredientes cuyo desarrollo es dificil de seguir.

Los negroa cantaban en las plantaciones durante su trabajo , como lo hicieran en su país natal, e improvisaban la música y la letra tomando frecuentemente como modelo las canciones de los blancos.
Eran sumamente ritmicos y empleaban u redoble repetido que acentuaba la fase regular de la tarea que realizaban en el momento. (Rex Harris).