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jueves, 21 de marzo de 2013

Guillaume Dufay








(?, h. 1400-Cambrai, Francia, 1474) Compositor francés. Hasta 1426 estuvo al servicio de la familia de los Malatesta, en Rímini, donde entre 1419 y 1420 compuso sus primeras obras de datación segura. Entre 1428 y 1433 ocupó en Roma el cargo de chantre de la capilla pontificia, y gracias a un permiso especial pudo ejercer como maestro de capilla para el duque de Saboya.

Al cabo de esos dos años volvió a su puesto de chantre pontificio, esta vez en Florencia y Bolonia, ya que el Papa había tenido que abandonar Roma a causa de una sublevación. En 1436, el sumo pontífice le concedió la prebenda de canónigo de la catedral de Cambrai, que conservó hasta su muerte.

En la época en que Dufay empezó a escribir música, inmerso en el espíritu del Renacimiento, la composición musical atravesaba un período de regulación establecida, de la que fue partícipe. No fue hasta sus obras de madurez, sobre todo con algunas misas y motetes, cuando empezó a introducir elementos novedosos, como el canto a cuatro voces o la técnica conocida como «canto armonización», una forma de combinar las distintas voces melódicas inusual hasta entonces.

sábado, 26 de enero de 2013

El clavicordio


ImagenEl clavicordio ( en inglés : clavichord; en francés clavichorde; en aleman klavichord; en italiano : clavicordio, manicordo.) : Quizá sea el más sencillo y perfecto de todos los instrumentos de teclado. Tiene forma rectangular, el teclado aparece en uno de los lados más largos, hallándose colocadas las cuerdas de alambre de izquierda aderecha del intérprete. En el extremo de cada tecla hay una pequeña hoja recta de metal llamada tangente. Cuando se oprime una tecla la tangente se eleva y golpea una cuerda, deteniéndola al mismo tiempo, como un dedo de la mano izquierda de un violinista. La sección de la cuerda que queda a la derecha de la tangente vibra produciendo la nota requerida, mientras que su sección a la izquierda , se ve amortguada por un pedazo de fieltro enrollado al extremo de la cuerda. Cuando se suelta la tecla, la tangente vuelve a su lugar y toda la longitud de la cuerda se amortigua gracias al fieltro, dejando sonar la nota. No hay pedal sostenedor.

A pesar de lo sencillo que parece su manejo, puede producir asombrosos y sutiles resultados, ya que el clavicordista, al contrario del intérprete de cualquier otro instrumento de teclado, tiene el control directo de la cuerda en tanto mantenga oprimida la tecla; en oposición a esta sensibiilidad especial, hay que oponer la falta de potencia del instrumento, pues su sonido es tan delicado que apenas si se puede escuchar en la mayoría de las salas de concierto. Por consiguiente, fue en esencia un instrumento solista para practicarlo en casa.


Aqui se ve el funcionamiento del Klavichord (Aleman). Se ve la ho de metal llamda tangente. Cuando se oprime una tecla, la tangente se eleva y golpea una cuerda. La sección de la cuerda que queda que queda a la derecha de la tangente vibra produciendo la nota requerida, mientras que se sección a la izquierda, se ve amortiguada por un pedazo de fieltro enrollado al extremo de la cuerda.





Fuentes: La música para teclado. fuentes: Iniciación a la música.

Historia de la música ilustrada

La historía de la música contada con ilustraciones. Muy original.

Con dibujos y gráficos ha hecho este video .

sábado, 14 de abril de 2012

Historia de la música a través de 4 instrumentos.Stringfever History of Music


Como con un poco de humor y mezclando músicas de diferentes épocas, se recorre la historia de la música con las diferentes melodías intercaladas entre si. Muy buenos.

Stringfever History of Music

lunes, 26 de marzo de 2012

Jhon Dowland. Now O Now I Needs Must Part


Jhon Dowland: Famoso lutista y compositor inglés, que viajo por espacio de varios años por Alemania , Francia e Italia. Actuó en algunas cortes alemanas, en la danesa y, por último, en la inglesa . Sus obras se consideran de verdadera importancia en la literatura musical inglesa, y entre ellas podemos citar:  the (first, second y third) book of song or ayres; Lacrime, or seven teares figured in seven passionate Pavanes, para laúd y violas o violines ; salmos y numerosas composiciones para laúd dispersas en las antologías de la época. (1536-1626).
Fuentes: diccionario biográfico musical.

domingo, 11 de marzo de 2012

Pensamientos musicales


De la importancia de la música en la antigüedad.
       La música ocupa el primer rango entre las siete artes liberales. Celebra en la Iglesia los combates y triunfos de Dios; es la que adoptan los santos en sus devociones. Por ella los pescadores imploran perdón; las tristezas se alivian y los ánimos se levantan. Como ya advierte Isidoro en las Etimologías, es más deshonroso no saber cantar que no saber leer... Está, pues, claro que la música es la más noble de las ciencias humanas, y que cada uno debe procurar adquirirla con prefrencia a los demás.... ( Santo Tomás . De arte , música , siglo XIII.) 


Referencia a la música a varias voces.


         Sé arte de música, por natura cantar;
         sé far fremosos puntos, las voces acordar. 
                                                   ( Libro de Apolonio, siglo XII.)


La música educa a Reyes y Principes.


    Este virtuoso ejercicio musical es muy conveniente a los ínclitos reyes y príncipes, porque los endereza y dispone a virtudes políticas, que es saber bien regir y gobernar su república. ( Ruy Sánchez Arévalo, Vergel de Príncipes , siglo XV.)


Fuentes : comprende y ama la música. Mariano Pérez

miércoles, 7 de marzo de 2012

Duke Ellington

Duke Ellington 




Duke Ellington en el Hurricane Club (1943)Duke Ellington (Edward Kennedy Ellington; Washington D.C., 1899 - Nueva York, 1974) Pianista, compositor, arreglista y líder de grupo de jazz estadounidense. Se inició en la práctica musical tomando clases de piano a los siete años. Ya en sus comienzos recibió la influencia del ragtime, género de música popular en boga en aquella época y uno de los estilos de los que derivaría el jazz. Con sólo diecisiete años debutó profesionalmente en su ciudad natal. Desde 1919 tocó con varios grupos de la capital estadounidense hasta que en 1922 fue llamado para actuar en Nueva York, el punto de referencia para todo músico de jazz. Aunque no logró triunfar, adquirió la experiencia necesaria para formar su propio quinteto, The Washingtonians, con los que adquirió renombre suficiente como para realizar unas pruebas en el celebérrimo local neoyorquino Cotton Club, en Harlem. A partir de ese momento, su fama y su prestigio se fueron consolidando; las emisiones radiofónicas de sus conciertos se hicieron habituales y las apariciones de Duke Ellington and The Washingtonians en diversas películas, junto a las diversas giras que realizó por Estados Unidos y Europa, contribuyeron a fomentar su creciente popularidad. El quinteto original fue incorporando nuevos miembros, hasta completar un total de doce en sus primeras apariciones en el Cotton Club. A principios de los años 1930, composiciones como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933) se convirtieron en grandes éxitos y marcaron el inicio de la época dorada para el músico y su big band. Hacia el fin de la Segunda Guerra Mundial, abordó la composición de obras de mayor aliento temático y formal, por lo común en forma de suites sinfónicas, como Black, brown and beige (1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946). Pero en esa misma época el formato de gran orquesta dejó de gustar a un público que, inmerso en la revolución bop, se decantaba por formaciones más reducidas y con mayor peso de un instrumento solista. A pesar de ello, Duke Ellington decidió permanecer fiel a los que siempre fueron su estilo y su manera de entender la música, e incluso aumentó aún más el nivel de exigencia de los componentes de su formación, entre los que se contaron a lo largo de los años figuras como el trompetista Cootie Williams o el saxofonista Johnny Hodges. Su aparición en el Festival de Jazz de Newport en 1956 significó el relanzamiento de The Washingtonians, con los que inició una serie de giras por el extranjero que incrementaron su ya considerable fama internacional. En 1959 se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), primero, y Paris Blues (Un día volveré), un año después. Durante la década de 1960 grabó con una larga serie de jóvenes músicos de gran talento como Charlie Mingus, John Coltrane o Max Roach. Simultáneamente empezó a interesarse por la música litúrgica y compuso piezas como In the beggining of God, que fue estrenada en la catedral de San Francisco en 1965. Permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington. En su haber quedan numerosos reconocimientos, de entre los que sobresalen los títulos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963 y Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor que se le concedió en 1969. Fue nombrado así mismo miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 se convirtió en el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Según su biógrafo, Derek Jewell, Duke Ellington llegó a escribir unas 2 000 piezas musicales en toda su vida, si bien son incontables las que créo en trozos de papel luego perdidos, que elevarían la estimación a unas 5.000 piezas. 


Discografia 


Early Ellington (1927-1934) 
Jungle Nights in Harlem (1927-1932) 
First Time The Count Meets the Duke : Un monumento al Swing 
Black, Brown and Beige 
Duke and Coltrane :El Duke con el saxofonista. 
Piano Reflections: Ellington con su orquesta. 
And his Mother Called him Bill :Una de las mejores composiciones. 
This one´s for Blanton : obra maestra 
Money Jungle : con Max Roach y Charles Mingus. 
The Great Paris Concert.

Glen Miller





Carrera musical 


Glen Miller nació en Clarinda , Iowa en 1904. Durante los años 30 trabajó tocando el trombón de varas en varias bandas, ante de formar su propia banda en 1936, aunque no consiguió destacar entre las muchas otras de la época. De vuelta a Nueva York tras la ruptura de la formación, se dio cuenta de que el sonido peculiar de las maderas de su banda, con el clarinete y el saxofón tenor tocando la melodía, con otros saxofones en armonía, se podría recalcar, y que ese sonido le podría distinguir del resto de las bandas. 


Éxitos 
Formó una segunda banda en 1937, que consiguió rápidamente el favor del público, que llenaba sus conciertos, lo que dio lugar a una serie de grabaciones. Desde junio de 1938 Miller dominó los primeros puestos de varias listas de música popular, y se mantuvo así más de una año. A principios de 1940 "In the Mood" estuvo quince semanas consecutivas de número uno, y siguió "Tuxedo Junction" que mantuvo a Miller en el número 1 hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por "Chattanooga Choo Choo". 


Otros títulos conocidos son "A String of Pearls", "Moonlight Serenade" y "Pensilvania 6-5000" (que era y sigue siendo el número de teléfono del Hotel Pensilvania en Manhattan). La "Serenata a la luz de la Luna" (Moonlight Serenade) es una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EEUU, y actualmente está considerada como LA canción representativa de Miller, y como una de las canciones más importantes de la historia musical de EEUU. 


En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las fuerzas aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. 


Innovación 
Glenn Miller es famoso por sus especiales configuraciones de la sección de viento en su big band, aparte de sus adaptaciones de jazz y blues tradicional (como por ejemplo St. Louis Blues) con ritmos de marcha militar. 


Muerte y misterio 
El 15 de diciembre de 1944, mientras volaba de Inglaterra a París, para dar un concierto en homenaje a los soldados que habían liberado la ciudad, su avión desapareció. Como nunca se encontró el cuerpo de Miller, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo (similares pero anteriores a las teorías de que Elvis Presley no ha muerto, etc.) 


Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada con muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. 


En abril de 1992, a petición de su hija, se puso una lápida en el Cementerio nacional de Arlington. 




Película 
En 1953, Anthony Mann rodó la película biográfica "The Glenn Miller Story", cuyo título en España fue "Música y Lágrimas", en la que James Stewart interpretaba a Glenn Miller.

Historia del piano


EL PIANO
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Se puede afirmar que los origenes del piano se piede en la noche de los tiempos. Es tradición en varios tratados hsitóricos, de precisar tales origenes en el monocordio inventado por Pitágoras, instrumento que usaba para la determinación experimental de la leyes de las cuerdas vibrantes, consistente en una cuerda de metal o de tripa tendida sobre una caja de resonancia. Y aunque pueda parecer verosimil, que de tal instrumento (con el consiguiente aumento prograsivo del numero de cuerdas) haya tenido origen, no solo el piano , sino tambien todos los de cuerda que aparecieron en la Edad Media, hoy en día parece mucho más cercana a la verdad hitórica que su origen remonte a otro instrumento, ya conocido en los primeros tiempos griegos bajo el nombre de sambyke, el cual no era más que la antiquisima sabekka o sambuka babilonense, conocida tambien por los Asirios. En Alemania lo encontramos en los tiempos de las cruzadas, con el nombre de : sambjut, y más tarde :psalter (salterio).



En Italia este mismo instrumento era conocido ya, varios siglos antes, siendo muy probable que los italianos lo hayan heredado de las costumbres griegas. El salterio comprndía un número bastante de cuerdas; en efcto , según el gramático Pólux de Naucrates (fin del siglo II d. C.) la sambike poseía treinta y cinco cuerdas tocándose ya directamente con el dedo o bien con el auxilio de un plectro. Pretorio en su Organographia lo denomina instrumento de puerco, porque su forma recuerda una tanto, a la de una cabeza porcina. Y Atanasio Kircher escribia en su Musurgia, que el salterio tocado por una mano experta no le iba en zaga a ningun otro instrumento, tanto por la pureza argentina del sonido, como por la perfección de la entonación. Ningún ejemplar de este instrumento nos ha llegado , pero es posible tener una clara idea del mismo, gracias a las numerosas pinturas y esculturas antiguas. Entre aquellas preciosas imágenes hemos de recordar la que se encuentra en el Triunfo de la muerte de Orcagna, en el cementerio de Pisa en la que el salterio esta representado con las cuerdas divididas en grupo de tres, afinado evidentemente cada grupo al unisono, para obtener mayor intensidad de sonido, precisamente como el piano moderno.
Antiguamente, pianoforte o clavicémbalo. Instrumento de cuerdas percutidas,con teclado,provisto de dispositivos mecánicos que permiten obtener los diferentes matices, de donde procede el nombre de pianoforte, que al principio no fue más que un calificativo del clavicémbalo de martillos.Fué inventado casi simultaneamente a principios del siglo XVIII por Bartolomeo Cristofori, en Florencia ; por Marius, en París, y por Gottlob Schróter, en Sajonia. Se coincide en considerar a Cristofori como el primer fabricante de instrumentos que sustituyó los martinetes de clavicordio por martillos, pero golpeando las cuerdas por encima y que invento el apagadosr. Dió a conocer su invento en 1711 bajo el nombre de gravicembalo col piano e forte. Marius que en 1716 lo presentó lo llamó clavecins à maillets. Shroeter en 1721 , presentó al Elector de Sajoniaun sistema particular de martillos que él aplicó a partir de 1717; el ensayo de Schroeter fue continuado y perfeccionado por Gottfried Silbermann fabricante de órganos en Freyberg (Sajonia) , quien, a partir de 1720 , fabricó los primeros Hammerclavier ,pero no merecieron la aprobación de Juan Sebastian Bach; él fué el primer y principal propagador de este antepasado del piano moderno en Alemania, en donde los pianos de mesa aparecieron en 1758. Zumpe , uno de los obreros de Silbermann, llevó a Inglaterra en 1760 los procedimeintos de su maestro. Por primera vez se oyó el pianoforte en Londres en 1767

Hacia 1770. el hijo menor de Bach ,Johann Christian, fué el primero que tocó en público en un pianoforte. Más de medio siglo pues tardó el instrumento en desalojar el clave de la práctica y del favor de los músicos y del público.

En 1768 Harry Walsh dió un concierto en Bublin (Iralanda) para presentar el tan admirado instrumento llamado el forte piano, y el fabricante de órganos y clavichémbalos F. Weber , amigo de Häendel, estableció en 1770 la primera manufactura de pianos. El nuevo instrumento se hizo de uso general en Inglaterra , en donde empezó a sustituir al clavicémbalo en la orquesta . Aún existe en la actualidad un piano de Weber, que lleva fecha de 1774. En 1765, en Londres se hizo probar al joven Mozart un piano de dos teclados , del fabricante de intrumentos musicales Tschudi, imtento que no tuvo el menor exito. El piano penetró en Francia hacia 1760, desde Londres, donde su fabricación era muy activa . M. de Brinqueville ha citado una mención de venta de un piano en París , ya en 1759. En 1769-70, Virvés hijo, de nueve años de edad tocó en París en el Concert Spirituel , con un nuevo instrumentos de martillos, especie de clavicénbalo, de forma semejante a los de Inglaterra , y que fué hecho en Alemania siguiendo los principios de señor Virvés; éste era organista en Saint Germain l`Auxerrois ; se ocupaba activamente en la fabricación de instrumentos de música, y estuvo trabajando en tal instrumento desde 1766. En 1772, el célebre organista Balbastre presentó él mismo a los oyentes del Concert Spirituel un nuevo fortepiano aumentado con un mecanismo de flauta.
Los anuncios de los periodicos franceses ofrecen a munudo pianos, a partir de 1772 aproximadamente. En 1776, ya había dejado de ser un objeto raro.La supremacia en la fabricación fué conquistada bien pronto en Francia por el alsaciano Sébastien Érard, establecido en París en 1775, y que, junto con su hermano, empezó construyendo sus pianos con dos cuerdas y cinco octavas.Construyó su primer piano en 1777, y en pocos años sus instrumentos superaron a todos los de Francia, Inglaterra y Alemania. Hacia 1786 estaba definitivamente asegurado el uso del pianoforte y Érard dió más impulso a sus inventos; construyó pianosde mesa de tres cuerdas. modificó el calíbre de éstas, agregó un doble pivote al mecanismo de los martillos, produjo en 1790 ,pianos de mesa de gran tamaño, y en 1796, pianos de cola de tres cuerdas y cinco octavas. Pascal Taskin tabién fafricó algunos pianos hacia 1786-1790.

PIANO
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En dicha época, en el mecanismo no figuraba ningún sistema de escape, aunque el principio de éste se cococia desde hacia mucho tiempo. Los martillos estaban guarnecidos de cuero; el fabricante Pape, de origen alemán, pero establecido en París, fue quien revistió por primera vez los martillos de fieltro, hacia la misma época. En un piano de Taskin conservado en el museo de Belin, cada sonido lo da una sola cuerda doblada en una de sus extremidades, en lugar de darlo dos cuerdas vecinas y separadas; esta cuerda única está retenida en su doblez por un gancho con rosca, que regula sus tensión. Fue este un invento de Taskin que fue reproducido después , pero que no se extendió mucho. En 1789, Southwell, de Dublin, que habia sucedido a Weber, inventó en piano vertical, y lo amplió a seis octavas, de fa a fa,, extendiendo su parte aguda; presentó su instrumento en Londres en 1793, y pronto se atrajo las felicitaciones de HAYDN;
400x348px - 19.9 KbytesPiano de la fábrica de Broadwood en el que compuso Beethoven sus últimas sonatas. Backer y Broadwood, importantes fabricantes londinenses de instrumentos de música, rivalizaron con sus colegas de Irlanda; este último que perfeccionó el sistema de mecanismo seguido por Cristofori y SILBERMANN ( origen del mecanismo llamado inglés), presentó a su vez un piano de seis octavas, pero de do a do. A partir de 1795 o 1976, el ilustre pianista CLEMENTI emprendió la tarea de perfeccionar el instrumento, y por espacio de seis años se dedicó exclusivamente a la construcción de pianos; existen todavia pianos de su marca, cuya firma continuó por espacio de mucho tiempo su explotación, y se alaba la elegancia discreta de su forma y la admirable nitidez de sus sonidos, por los que algunas muestras supervivientes aún son todavía un motivo de orgullo. En la misma época , el excelente maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo Ignacio Pleyel, cuyo cargo fue suprimido por la revolución, marchó a París , atraido quizá por S, Érard (1795)y, después de fundar un almacén de música, a partir de 1805-1807, púsose a fabricante de pianos. I. Pleyel introduce en la construcción de este instrumento perfeccionamientos en parte personales y en parte tomados del inglés Broadwood. En 1810 anunció su piano con tamboril, en el que un pedal golpea una membrana provista o no de cascabeles; entonces se aseguraba que no es posible imaginar el atractivo que esta adicción da al piano.
Imagen Pero fue Érard , en 1822, quien alcanzó el punto de perfeccionamiento de la fabricación mediante el invento de su mecanismo de doble escape, que estuvo buscando por espacio de cuarenta años. A partir de aquel momento rivalizaron las manufacturas de Pleyel y de Érard, y las casas de eston nombres figuran aún , en la actualidad, entre las primeras marcas del mundo.
277x400px - 18.5 Kbytes Imagen romántica de Beethoven componiendo su sonata Claro de Luna.
En la fabricación de un piano moderno entran diferentes clases de madera: roble, haya, abeto y nogal de América para la armazón en que estan tendidas las cuerdas; peral, cormal, carpino y arce , para el mecanism; tilo. para el teclado; maderas exóticas para el chapeado del mueble; acero fundido para el marco de una sola piezaque constituye el esqueleto del piano, hierro forjado o acero para los bordes, alambre de acero envuelto en un alambre de cobre enrescado para los bordones,etc; además ébano y marfil para las teclas , y piel de búfalo y paño para el mecanismo. La tensión de todas las cuerdas reunidas de un piano puede alcanzar una fuerza de 24 toneladas. La exactitud del sonido ya la calidad de su timbre dependen de la tensión de la cuerda y del punto en donde la golpea el martillo .
La calidad de la pulsación se manifiesta gracias a la sensibilidad que da el mecanismo el sistema de doble escape . Después de 1870, unos obreros alemanes empleados en las manufacturas francesas trasportaron a Alemania y a América los secretos de Érard y Pleyel, y hasta época no empieza la nombradía de la fabricación alemana y norteamericana de pianos.
El piano, derivado del clavicordio, influyó a su vez a éste: hacia 1720 se construyeron clavicordios independientes, con una cuerda por cada tecla; enseguida se les aplicó el sistema de los apagadores. Pero ello no logró salvar al viejo instrumento Por otra parte, se dice que el piano tomó de la espineta el pedal de sordina, innovación que se atribuye al fabricante Pietro Prosperi, de Siena, hacia 1700. Pero no parece que fuese de empleo corriente. Sin duda este pedal fue la caracteristica de los clavecines celestes de Southwell, en 1779, y se le vuelve a encontrar con el mismo nombre de los pianos, hacia 1830.
El pedal senza sordini, que levanta los apagadores, no aparece en las partituras de obras para piano hasta la op. 40 de Clementi (1705) , en el final, en pp, y aún no lo usó mucho hasta 1804, en la primera edición de sus Obras completas. Aparece después en op. 10 núm. 1 de Beethoven (1787), en el pp del fin del adagio, y luego en la op. 26 (1801) a partir de la variación v, pero el compositor no lo emplea corrientemente más que en su op. 31, núm. 2 (1802). El pedal unicordio, con apagador o sin él, desplaza el mecanismo de los martillos, de tal manera que éstos solo golpean una cuerda a la vez. Ya casi no se fabrica, y ha sido suplido por la sordina. Por último, el pedal de tamboril sólo tuvo una existencia efímera. Los pianos generalmente no tienen más que dos pedales: el pedal sordini a la derecha, y el de sordina o celeste ( o alguna vez, en su lugar, el pedal unicordio) a la izquierda.
Como se hizo con cierto número de clavicémbalos antiguos, se fabricaron para el piano teclados de pedales o pedaleros, Schumann, en Alemania (en 1845, y Boëly, en Francia, en el transcurso de toda su carrera escribieron tan solo unas piezas para pianocon teclado de pedales (última edición de Boëly ,op. 18, 1855). No es necesario hacer resaltar el creciente favor del pianoforte a partir de la época de su perfeccionamiento, desde 1770 aproximadamente. Mientras Voltaire comparaba desdeñosamente su sonido con el de un caldero (1774), y hacia resaltar, en cambio, la exquisita sonoridad de los clavicembalos, los virtuosos se habituaron poco a poco al nuevo instrumento. Las promeras sonatas de Haydn, de Mozart y de Clementi aún estan compuestas para clavicémbalo; a partir de 1777 se ve que ordinariamente llevan la indicación : para clavicémbalo o pianoforte; poco a poco pasa a último término el primero. Beethoven escribe únicamente para piano ( su primera sonata es de 1795). En 1822, Cherubini, director del Conservatorio de París, ya se manifestaba alarmado por el excesivo número de alumnos de piano ( 41 mujeres y 32 hombres ) que estaban presentes en el momento de su llegada; encuentra que esta abundancia es abusiva y perniciosa y se propone reducir a 15 o 20 para unos y otros el número de admisiones. Una disposición publicada unos días después de la fecha de su carta fijaba dicho número en 15 alumnos y 3 oyentes para cada sexo ( 31 mayo 1822).
La música de piano se escribe sobre dos pentagramas
, por lo común uno para cada mano, y que se reparten a la vez la extensión del teclado y el cometido de cada mano. Suele escribirse con clave de sol en segunda linea la parte destinada a la mano derecha, y con clave de fa en cuarta linea, la parte correspondiente a la mano izquierda. Boëly, en la primera edición de sus Caprices (1812) , usaba todavía la clave de do en cuarta linea para ciertos pasajes de la mano izquierda, que en agudo iban más allá de la extensión de la clave de fa. Pero como iba perdiéndose entre los pianistas el uso de la clave de do, en la segunda edición de la misma obra hubo que sustituirla por las demás claves que se habian hecho corrientes. Para reemplazar la clave de do, y en especial para hacer más clara la disposición armónica de las partes y la de una melodía central esencial, algunos pianistas románticos empezaron hacia 1830 a escribir en ciertos casos algunos compases en tres pentagramas: Liszt, Schumann, Henselt. En nuestros días la escritura de música de piano en tres pentagramas es cada vez más frecuente, tanto para distinguir el movimiento de las partes y hacer resaltar un tema, como para evitar las lineas adicionales en la clave de fa, y facilitar la lectura de los pasajes que exigen un cruce de manos. Ejemplos de disposición de tres pentagramas vense en Las Goyescas (1912), números 2 y 4; sonata d´Indy, op. 63 (1907). En la música moderna no suelen usarse tres pentagramas, ni en el jazz, solo se usan los dos pentagramas.

En cuatro pentagramas , Preludio , de Rachmaninov.

Piano de boca : término criollo con el que se designa una armónica con lengüeta de metal.

Piano mecánico : inventado y contruido en París por Debain, hacia 1850. Su sistema consistía en añadir a un piano vertical una segunda serie de martillos puestos en movimiento por un sistema de palancas. Se construyeron otros pianos sobre principios análogos. El modelo llamado simplemente piano de manubrio se extendió mucho en Italia e Inglaterra. Desde fines del siglo XIX se produjeron gran número de sistemas diferentes, que se disputaron la clientela de aficionados no músicos , de cafés; la pianola, patentada en 1898 funciona con mecanismo de aire comprimido. Consiste en un aparato adaptado al teclado de un piano ordinario y movido por un sistema de pedales, que acciona el desarrollo o despliegue de papeles perforados que contienen la notación de la obra que ha de ejecutarse. Cada agujero determina el movimiento de una semitecla que golpea la tecla deseada del piano y substituye los dedos del ejecutante. Dos dispositivos combinados regulan el grado de velocidad de este martilleo. Los fabricantes han imaginado varios perfeccionamientos para obtener matices de movimiento e intensidad. El sistema llamado metrostilo consiste en un trazado sinuoso que en toda su longitud lleva el rollo de papel perforado, y que sirve de guía a una aguja moderadora.


GRANDES PIANISTAS DE LA HISTORIA

fotos.miarroba.com

Una de la razones que explica la enorme importancia que tiene el piano en la historia de la música, reside sin duda, en el hecho, que , desde Clementi, todos los grandes compositores fueron al mismo tiempo insignes técnicos del teclado, a excepción de Berlioz y de Wagner. Ya antes del advenimiento del piano,, los más grandes músicos, habian sido a la vez virtuosos , ya del órgano, o del clave
, y en menor escala del violín. De este hecho se deduce evidentemente, el porque de la función que tuvo el piano como instrumento inspirador de obras maestras, como tambien explica la considerable influencia que tuvo en la evolución de la música en general y particularmente en la armónica y aún en la orquestación. Por otra parte, se puede observar, que no es sólo suficiente un buen conocimiento teórico de la técnica pianística, para escribir música, con la consiguiente pretensión de valorizar plenamente los infinitos recursos del instrumento, ( como puede acontecer con el violín o el violoncelo, instrumentos para los cuales grandes maestros han escrito conciertos sin saber tocar ni uno ni otro), pero si, es indispensable que el compositor sea al mismo tiempo un pianista virtuposo.Condición esencia plenamente confirmada por la historia.

Uno de los primeros músicos ,aunque no se encuentre entre los pianistas propiamente hablando, fué sin embargo , el que echó las primeras bases de la técnica moderna del piano: este es Karl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastián, (1714-1788). En su famoso Versuch über die wahre Art das Klavier zu spielen (Berín, 1759 y 1762) , él , encaminado por la enseñanza paterna establece ciertos principios esenciales de la ejecución pianística, mediante los cuales, la digitación encuentra por primera vez una estabilidad racional y definitiva, especialmente en lo que se refiere al uso del pulgar, del cual, Bach "junior" reconoció finalmente su gran importancia, fijando los puntos de apoyo en las diferentes escalas, Y se anticipan tambien a auqellos tiempos los múltiples consejos y observaciones del autor, a fin de conseguir un estilo cantábile, preocupación evidente en ese hermoso libro, cuya lectura aún hoy día puede reportar sumo provecho.

VISITAR: PIANO

VER TAMBIEN KARL PHILIPP BACH






Piano de Cristofori













El primer nombre de auténtico pianista que encontramos en la historia, es el del romano Muzio clementi (1752-1832), llamado con todo derecho "padre del piano". De su admirable arte de ejecutante dan fe las crónicas de su tiempo. Su escritura pianística nos pone ya en presencia del nuevo estilo instrumental, posible ahora por la invención de Bartolomeo Cristofori: sonoridad vigorosa y compacta en cada nota, contraste constante entre ligado i picado, limitación considerable de los antiguos adornos y, finalmente, gran variedad de colores. Son éstos los elementos que constituyen el nuevo arte, y que fueron realizados plenamente por Clementi, espiritu fundamentalmente clásico, educado en las más severas disciplinas de la polifonía, y en fin, creador genial de magnificas Sonatas para piano, como tambien de varias magistrales Sinfonías, algunas de las cuales recientemente dadas a luz por Alfedro Casella. Otro gran título de gloria del autor del Gradus, reside en la gran influencia que su arte pianístico ejerció sobre Beethoven, influencia confesada por éste mismo.
Es conocida la rivalidad entre Mozart y Clementi , ambos tocaban diferente, Mozart nació cuatro años después que Clementi. Tocaba Mozart el clave pero no ignoraba el piano, lo tocaba en los conciertos, pero ejercia el piano poca influencia en él.Clementi fue muy entusiasta del piano desde muy joven, convirtiendose en su más convencido y combativo defensor, publicando ya en 1770 sus tres Sonatas para piano op. 2, pudiéndose considerar desde muchos años, como un pianista. Es probable también que el tipo de piano utilizado por ellos haya influido en su diferente estilo: en efecto Mozart usaba pianos vieneses, muy fáciles y brillante, mientras que Clementi tocaba en pianos ingleses, de sonoridad mucho más potente, más llena, ofreciendo por consiguiente los medios de un pianismo más sinfónico. Por estas razones, hoy se puede precisar aquella famosa rivalidad entre Mozart y Clementi como el contraste entre dos opuestas tendencias: la que encontraba una completa suficiencia fónica para su lirismo, en un piano que aún no se separaba netamente del clave, y la otra, caracterizada por un espíritu inquieto, ávido de porvenir que buscaba febrilmente de aprovechar en su mayor grado los infinitos recursos del nuevo instrumento.
Al lado de Muzio Clementi, otro nombre italiano, más o menos contemporáneo , merece ser citado : es el de Francesco Pollini (1763-1846), insigne pianista y compositor de mérito, que fué el primero que introdujo la escritura pianistica en tres pentagramas, precediendo por lo tanto a Listz y a Thalberg, quienes fueron considerados, y aún lo son, como autores de esa importante innovación.

(El nombre de Jan Ladislav Dussek (1760-1812) , pianista compositor que gozó en sus tiempos de difundida fama, hoy ya no perdura más que por su Método (publicado en 1796), el cual ofrece aún alguna utilidad). Entre los contemporáneos de Clementi, que desarrollaron las conquistas del Maestro , encontramos cinco nombres, que forman un grupo que podríamos denominar técnico, por la acción desarrollada en el sentido de una rápiada perfección del mecanismo pianístico. Estos son : Johann Baptist Cramer (1771-1858), Johann Nepomuk Hummel /1778-1837), John Field (1782-1837), Friedrich Wilhem Michael Kalkbrenner (1784-1849) e Ignaz Moscheles (1794-1870). Estos cinco maestros, todos pianistas compositores, han dejado una huella de indudable importancia en la historia pianística, constituyendo la unión , por asi decirlo para definir sintéticamente su acción , entre el pianismo de Clementi y el de Chopin.. Aunque tales maestros hayan sido muy mediocres compositores, no es menos cierto de loa que ha perdurado de su producción, basta para ilustrar fehacientemente la utilidad de sus actividades pianísticas. Hummel es sin duda quien de los cinco tuvo mayor influencia sobre Chopin, como se puede comprobar en dos conciertos juveniles del gran polaco. Cramer había permanecido más cerca de Clementi, Field, discípulo de Clementi, ejerció tambien una cierta influencia sobre Chopin, no solamente inventando antes que éste, la forma del Nocturno, sino sobre todo por el estilo pianístico, de suprema elegancia y de exquisita gracia. Kalkbrenner, autor de innumerables piezas pianísticas, como la mélancolie et la gaîté, La solitude, Le brigantin ou le voyage sur mer...
fué gran técnico, contribuyendo francamente en la actividad del grupo. Moscheles, aún hoy, deja al estudioso sumo provecho, y el primer Chopin lleva rastros evidentes de su influencia, aunque no tan visible como la de Hummel.
Al lado de este grupo de cinco nombres bien conocidos por todos los estudiosos , hemos de recordar el del insigne Karl Czerny (1791-1857), el genial pedagogo , que supo coordinar todas las actividades y todas aquellas adquisiciones, orientando en forma definitiva el virtuosismo del piano. Franz Liszt fué su discípulo . Czerny , hombre de excepcional cultura general, fué sis duda el más grande enseñante que recuerda la historia de nuestro instrumento. Su imaginación didáctica era incalculable. Creó el principio de que no es suficiente un único método, pero si tantos métodos cuantos sean los alumnos. Entre sus méritos mayores, deben recordarse la primera edición del clave de Bach, utilizada aún hoy, edición que no fué mejorada por tantos largos años; la primera edición (Viena 1839), de un volumen de Sonatas de Scarlatti ( esta publicación se debe en parte al entusiasmo que Liszt profesaba al gran Domenico), y en fin, la estupenda síntesis general que constituye un esfuerzo cultural vedaderamente excepcional que cierra su gran escuela del piano, y que , bajo el título de Kunst des Vortrags (arte de la interpretación) enseña cómo se ha de ejecutar cada uno de los compositores : Mozart, Haydn, Clementi, Cramer, Beethoven, Ries, Hummel, Moscholes, Meyebeer, alcanzando finalmente hasta Thalberg, Chopin y Liszt.

Es un tanto dificil imaginarse cómo se desenvolvía la vida concertística a principios del siglo pasado. El número de conciertos era tal, que los artistas con cierta frecuencia, daban hasta dos por noche. Las salas estaban llenas hasta el tope de un público radiante de felicidad y con una sobreabundante dosis de buen humor, que aplaudía más o menos en la misma forma atronadora cualquier número que se le presentara, Los programas eran inverosímiles, y reinaba en ellos la más amable confusión de todos los géneros musicales. Kalkbrenner ejecutaba, por ejemplo, piezas como Le reveil du lion o souvenir de mon premienr voyage, y después una oruqesta interpretaba una Sinfonia de Beethoven. Otra noche, la Malibrán (célebre soprano (1808-1836) , se sentaba al piano acompañándose ella misma un rataplán, y después cantaba canciones andaluzas con acompañamiento de guitarra, ejecutada tambien por ella. A la Malibrán le seguía una duquesa inglesa , que el programa presentaba como la titular de la más fea voz nasal del mundo, cantando Home sweet home. Thalberg tocaba valses vieneses, con obligatem Schnippchen (golpecitos dados sobre la tapa del instrumento). Moscheles solía despertar un verdadero delirio en el público , tocando con la mano al reves y el puño cerrado.

Además constituían la base de los programas, ciertas fantasía sobre motivos de óperas, o bien variaciones de cantos populares italianos, españoles, escoceses, irlandeses, polacos... Al principio , el piano era muy pocas veces tocado solo, y era siempre acompañado por la orquesta. Sin embargo, su uso como instrumento solista se desarrolló rápidamente. Los pianistas eran casi todos compositores y, como tale, tocaban casi siempre en forma exclusiva su propia música, que consistía ante todo en trozos fúnebres de circunstancias , tales como Le tombeau de Bethoven o de Schubert; luego se sucedían los recuerdos de viajeen los que pasaban todas las ciudades ríos y montañas de Europa, con títulos como los siguientes : Les charmes de París, o Le retour á Londres; los incendios que constituían tambien una fuente de inspiración en aquellos tiempos, si nos atenemos a la copiosa cantidad de títulos como : L´incendio di Mariazell o Le ruine dell´incendio di Vienna-Neustadt, o L´incendio al villaggio vicino.Los mismos compositores eran eximios improvisadores, y como tales tenían que compilar un programa de acuerdo a lo que el público se le ocurriera pedir. Mas, con el correr del tiempo fué penetrando en el teatro una mayor seriedad artística; en efcto, las Cortes cesaron ya de cenar ostensible y ruidosamente durante los actos; las cantantes abandonaban sus arabescos y carcajadas y, por fin, se dejo de silbar al tenor que no hubiera dado la mano a la dama durante un dúo. Y así, tambien el concierto dejó de ser un pasatiempo mundano, tendiendo cada vez más a elevarse hacia una mayor austeridad y una intensa religiosidad.
Alfredo Casella (el piano).

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MUZIO CLEMENTI

Beetthoven ocupa en la historia del piano, la misma altura a la que llegó con su sinfonismo. Muchos de sus contemporáneos nos dan fé de sus notables cualidades pianísticas : Beethoven , dice Ries, ejecutaba como una fuerza de la naturaleza . No se admira en él ninguna ostentación de bravura técnica, ningun virtuosismo vanidoso que tuviera por fin a si mismo, al contrario, todos quedábamos asidos por esa manera de tocar tan expresiva y grandiosa. Era en realidad un estilo netamente personal, mediante el cual la música parecia a veces, encauzar y combatir , o bien impedir y murmurar ( Oscar Bie, Das Klavier und seine Meister). El ritmo era el alma de su ejecución, y sobre éste, basaba cualquier tecnicismo pianístico. En la Biblioteca del Estado de Berlin se encuentra un ejemplar de los Estudios de Cramer, en el cual Schindler anotó una serie de observaciones de Beethoven ( que mucho estimaba tales estudios). Se trata de comentarios musicales y técnicos como sólo podría formular un gran creador, quien sabía entresacar de esas composiciones, el verdadero valosr expresivo, ahi mismo donde otros no veían otra cosa que un significado didáctico. Subordinaba a la expresión cualquier problema mecánico, considerando siempre la técnica como un simple medio de poder alcanzar aquélla . Beethoven supo de inmediato infundir al piano un nuevo potente impulso y el instrumento conocío a través de sus creaciones, una evolución técnica que no ofrece un ejemplo similar la historia del mismo. Es suficiente para comprobarlo, confrontar las tres primeras Sonatas op 2 (1794(, con la ciclópea sonata op. 106 (1818), para cercionarnos de la inmensa y prodigiosa evolución experimentada. Beethoven entra dentro de los grandes maestros que alcanzaron fama como virtuosos de su instrumento.

El primero de lor románticos , Karl Maria von Weber (1786- 1826), fundador de la ópera nacional alemana , fué también un concertista de piano de gra valer que abandonó prematuramente la profesión de virtuoso, no por haber dejado de alcanzar grandes éxitos , sino porque su doble carrera teatral, de compositor y de director, no le dejaba tiempo disponible para otra actividad. De todos modos , sus obras pianísticas no pueden dar una clara idea de su manera de tocar: nerviosa, brilante, caprochosa, embellecida con una sensibilidad expresiva como pocos pianistas han alcanzado.

Al lado de Weber , encontramos los nombre de Felix Mendelssohn-Bartoldy (1809-1847) y de Robert Schumann (1810-1856)- En la carrera poliédrica y meteórita de Mendelssohn, la actividad del pianista ocupa una gran parte. De Schumann, sabemos que habia iniciado una brillante actividad de concertista, truncada más tarde por un desafortunado percance, que se ocasionó en un dedo. Pero tuvo como compañera de arte y de vida , a la más grande pianista del siglo pasado: Clara Wieck (1819-1896), quien después de la muerte de su esposo , dedicó integramente su incansable energía y su admirable talento de ejecutante en la difusión de aquella obra de arte.

Poco antes de Wieck, otra mujer había obtenido grandes éxitos, dejando un nombre de sólida fama: Marie-Félicite-Denise Mooke (1811-1875), esposa del célebre constructor de pianos, Camille Pleyel. Fué discipula de Mocheles y de Kalkbrenner, Chopin tuvo por ella una gra admiración.

Fuentes : el mundo de la música, tomos varios, internet, biografías.

jueves, 1 de marzo de 2012

Engaño musical. Adagio de Albinoni

Engaño musical

Un engaño musical (también conocido como bulo musical o mistificación musical) es una pieza de música clásica compuesta por alguien pero intencionalmente atribuida a otro


Fuentes Wikipedia
Remo Giazotto (n. RomaItalia en 1910 - Pisa1998) fue un musicólogo italiano conocido especialmente por su clasificación y catalogación de las obras de Tomaso Albinoni. Asimismo, escribió biografías del propio Tomaso Albinoni y otros compositores, incluyendo a Antonio Vivaldi.
Giazotto fue el crítico musical (desde 1932) y editor (1945-1949) de la Rivista musicale italiana y fue nombrado coeditor de la Nuova rivista musicale italiana en 1967. Fue profesor de Historia de de la Música en la Universidad de Florencia (1957-69) y en 1962 fue nombrado miembro de la Acedemia Nazionale di S. Cecilia.
En 1949 Giazotto llegó a ser el director de los programas de música de cámara para la RAI (Radio Audizioni Italiane) y en 1966 fue el director de los programas internacionales organizados a través de la Unión Europea de Radiodifusión. Fue también el presidente del comité de la RAI y editor de una serie de biografías sobre compositores.
Giazotto es famoso por su publicación de la obra llamada Adagio de Albinoni que decía haber transcrito de un fragmento de un manuscrito de Albinoni que encontró en la Biblioteca Estatal de Dresde, poco después de la Segunda Guerra Mundial (al tiempo que completó una biografía y una clasificación de la obra de Albinoni). Él afirmaba que había hecho el arreglo de la obra, pero que no la había compuesto. Se sabe hoy en día que es una obra enteramente original de Giazotto.1 El fragmento supuestamente encontrado sólo disponía del pentagrama del bajo y de seis compases de la melodía, y se supone que era el movimiento lento de una sonata de trío. Giazotto compuso pues el famoso Adagio en 1945 y fue publicado por primera vez en 1958.
Wikipedia







Tommaso Albinoni

(Venecia, 1671-id., 1751) Músico italiano. Estudió violín y canto, actividades a las que quiso dedicarse sin entrar a formar parte de una corte, como era entonces frecuente. Fue así como pasó a formar parte de los llamados dilettanti del siglo XVIII, antecesores del artista independiente que aparecería con el Romanticismo. De este modo, se dedicó a la composición tanto vocal como instrumental, y su primera ópera, Zenobia, reina de los palmirenos (1694), fue estrenada en su ciudad natal.

A pesar de que en su época consiguieron cierto éxito, aunque éste fuera irregular, sus obras vocales cayeron pronto en el olvido, al contrario que su obra instrumental, de la que Bach tomó algunos temas. También en 1694 publicó en Venecia, donde desarrolló su actividad musical, sus Doce sonatas y Sinfonías y conciertos (1700).

En 1704 aparecieron sus Seis sonatas de iglesia para violín y violoncelo, y entre 1707 y 1722 escribió treinta y seis conciertos, que fueron recopilados en una sola edición. En ellos se adscribe a la tradición del concerto grosso que por los mismos años desarrolló Marcelo bajo la influencia de Corelli, combinando al mismo tiempo dicha tradición con las innovaciones expresivas de su también contemporáneo Antonio Vivaldi.


Fuente: Biografias

viernes, 17 de febrero de 2012

Daniel Barenboim











Daniel
Barenboim

(Israel, 1942)


Director
y pianista de fama internacional. Nació en Argentina, aunque más tarde adquirió
la nacionalidad israelí. En los primeros años se criticó su falta de autocontrol
pero con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los principales
directores de orquesta mundiales así como en un magnífico pianista. Hijo de
profesores de piano, hizo su debut en Buenos Aires a los siete años. Más tarde
se trasladó con su familia a Europa, donde actuó en 1951 en el Mozarteum de
Salzburgo. Estudió dirección en esta ciudad, así como composición en Roma.
Finalmente, él y su familia se establecieron en Israel. En 1955 actuó por
primera vez en Gran Bretaña y en 1957 en Estados Unidos. Debutó como director de
orquesta en Israel en 1962. Desde entonces ha combinado las dos actividades.
Desde finales de los años sesenta ha trabajado con la English Chamber Orchestra,
la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, la
Orquesta de París y la Orquesta Filarmónica de Berlín. Durante los años setenta
dirigió varios festivales de música e incluyó varias óperas dentro de su
repertorio como director. Ha colaborado, bien como acompañante o como director,
con figuras del prestigio de Arthur Rubinstein, Janet Baker, Itzhak Perlman y
Jacqueline du Pré, entre otras. En 1967 contrajo matrimonio con ésta última. Es
reconocido por sus interpretaciones de las obras pertenecientes a los periodos
clásico y romántico. Su repertorio como pianista no es extenso: incluye obras de
Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, (de quien grabó la
integral de las 32 sonatas), Johannes Brahms y Frédéric Chopin.
Como director, su repertorio abarca un ámbito mayor: Johann Sebastian
Bach
, compositores franceses, Anton Bruckner, Piotr Illich
Tchaikovsky
y Eduard Elgar. Es especialmente valorado como director
de la música de Richard Wagner.  


Fuentes , gentileza de: Interpretes

jueves, 9 de febrero de 2012

Las cuatro estaciones de Vivaldi


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El estilo de Vivaldi es único. Creó su estilo dando de yantar a su oído con numerosas melodías que tocaba de su violín tintado de frescura e inmensa fuerza, el cuál destellaba de sus cuerdas un ambiente a veces indolente y otras demasiado sensacionalista.
Aunque Tomaso Albinoni fue en cierto modo un precursor de la obra de Vivaldi, sin duda las aportaciones de este último en el ámbito del concierto para solista permiten otorgarle la paternidad de esta forma musical. La estructura del concierto vivaldiano es tripartira, siguiendo el esquema rápido-lento-rápido. En los movimientos rápidos las variadas y brillantes entradas del solista se interclan entre las diversas apariciones de la orquesta ( ritornelli), que van repitiendo total o parcialmente un breve tema expuesto al principio del movimiento. En los episodios confiados al solista la oruqesta se sitúa en un segundo plano, ejerciendo una mera función de apoyo al virtuoso; éste trabaja sobre un tema generalmente simple, que se repite varias veces hasta ahogarlas posibilidades y desembocar en una nueva aparición de la orquesta, que repite el ritornello. Los movimientos centrales, lentos, suelen ser cortos, y tienenun marcado caráter lírico; su estructura puede oscilar entre una disposión similar a la de los movimientos extremos y una más o menoslibre evolución del solista sobre un fondo orquestal. En algunos casoso puede incluso darse la momentánea desaparición del solista, quedando confiado todo el segundo movimiento a la orquesta en solitario.
En cuanto al estilo compositivo, el concierto se caracteriza en Vivaldi por un vehemente sentido lírico de corte genuinamente italiano, una sonoridad sensual y arrebatadora que revela un profundo conocimiento del color orquestal y, finalmente, por un ímpetu rítmico muy atrevido, que, sin embargo, está siempre bajo control y fluye con prodigiosidad naturalidad.


׺°"˜`"°º× PRIMAVERA ׺°"˜`"°º×

Se trata así de buscar, por este orden, alusiones musicales a una alegre danza pastoral que nos sitúe en la bondad climatológica de los meses templados. Trata de personificar la primavera con un sorprendete duelo de trinos de pajarillos a cargo de los violines, de ahí a un ondulante murmullo de fuentes frescas y generosas seguida de una tempestad, tan violenta -despliegue de truenos y rayos- como pasajera. El movimiento se cierra con el canto de los pajarillos en medio de la bucólica danza inicial, que de hecho funciona como estribillo.
El juego es tan sencillo que me permito abreviarlo a guión.

׺°"˜`"°º× VERANO ׺°"˜`"°º×

También en este concierto el primer movimiento abarca los ocho primeros versos. El tema inicial a cargo de la orquesta es laso como el verano italiano, mas pronto el violín se libra a nuevas imitaciones ornitológicas, que se ven interrumpidas por agitados vientos orquestales. El lánguido llanto del pastor ocupa la última entrada del solista. Una inefable sensación de reposo, sólo truncada por las casi brutales entradas de las cuerdas graves, constituye el núcleo del segundo movimiento. Los presagios de tempestad anunciados en el tiempo central se hacen realidad en el tercer movimiento, que evoca una formidable tormenta de verano.

Del sueño de los hombres, animales y toda la naturaleza bajo el insoportable calor; se despierta el cuco -jejeje-.
De este sueño general, al irritante zumbido de moscas y moscones mientras retumba los trueno de una borrasca lejana.
Por fin, ya en el presto; la tempestad del verano en toda su grandeza con fulminantes pasajes virtuosísticos del solista, el cual da replica con truenos y vientos el tutti orquestal.



׺°"˜`"°º× OTOÑO ׺°"˜`"°º×

Ene medio de los bailes y canciones que los versos sugieren, parece que sea el violín solista el que haya apariciones así parecen atestiguarlo. El segundo movimiento recrea el hermoso goce de un dulcísimo sueño. Nunca el beato sueño del borracho fue descrito de manera tan benévola y perros enfurecidos campan a sus anchas en el tercer movimiento

Ya, la fiesta popular por las buenas cosechas del año; al borracho se le reconoce inmediatamente por las inciertas progresiones descendentes y ascendentes del violin solista que alterna con la danza.


׺°"˜`"°º× INVIERNO ׺°"˜`"°º×

El invierno es el más débil de los conciertos que integran Las cuatro estaciones; con todo, hay que reconocer que el primer movimiento está realmente traspasado por vientos gélidos. El segundo movimiento, muy agradable, nos situa en un cálido interior, mientras fuera las goras de lluvia, sugeridas por las cuerdas en pizzicato, resbalan en los cristales. Giros, espirales y alguna caída en el hielo inaguran el tercer movimiento, en el que todos los vientos orquestales en guerra, gobernados por Vivaldi, cierran el concierto y el ciclo

Largo... en un alarde de inventiva, la melodía del solista reproduce todo el confort y la calidez de quien tiene la dicha de pasar el invierno junto al hogar y su todavia no existente -calefacción!-. Los violines describen la lluvia tras los cristales.


* En fin, la única pega de Vivaldi es que escribe no para el connaisseur, sino para quienes no distinguen una blanca de una semifusa. Buscaba el pública mas amplio, masivo diriamos hoy -con el tema de OT-, pero sin publicidad. Aún así recrea esplendidos pasaje.
Via: Chabi

miércoles, 8 de febrero de 2012

Lusingando


Empleado por algunos autores clásicos y románticos, entre otros por Weber en su sonata, op 4, y por Chopín en su rondó en fa, para indicar el sentimiento que debe expresarse en la ejecución de un fragmento musical..



Va col canto lusingando



martes, 7 de febrero de 2012

Escenas de niños. Schumann







(Kinderszenen).

Colección  de piezas para piano, op. 15 de Schumann,
publicada en 1838. En una carta a su prometida, Clara Wiek, el compositor
cuenta cómo nació esta obra:


" No sé si es una repercusión
de lo que me dijiste un día de que a veces te parezco un niño, pero todo caso,
tuve una inspiración súbita y escribí de un tirón treinta piezas brves y
caprichosas. He escogido una docena y las he titulado Escenas de niños. Estoy
seguro que te gustarán, pero, naturalmente, esta preciso que te olvides que
eres una verdadera virtuosa." 


 Otra carta, escrita en la misma época, indica el gran
ascendiente de Clara sobre Chumann:

" Es, en verdad bastante extraño,
pero si me extiendo escribiéndote como ahora lo hago, no podré componer. Toda
mi música se vuelve hacia tí."


Escenas de niños está compuesta de una colección de
trece piezas que se titulan:


  1. De tierras y gentes extrañas

  2. Curiosa historia

  3. Jugando al escondite

  4. Súplica infantil

  5. Casi feliz

  6. Suceso importante

  7. Ensueño

  8. Al camino

  9. En el caballo de madera

  10. Casi demasiado en serio
    Que viene el coco

  11. El niño duerme

  12. Habla el poeta

 

Shumann aclaraba que estas piezas no estaban escritas para los
muchachos, pero eran una evocación de la infancia hecha por un adulto y para
los adultos. Y añadía que los títulos de cada pieza habían sido puestos
después de escritos, sugeridos por la atmósfera de la música.


El más conocido de la colección es sin duda





Fuentes: el mundo de la música , Espasa Calpe. Edición 1957.

domingo, 5 de febrero de 2012

Juan del Encina








Con gran capacidad para la conjugación de ritmos y expresión hace de sus obras musicales un monumento al mundo popular y un ejemplo de sencillez estilística.

Poeta y músico que provoca opiniones encontradas entre los musicólogos, representa el contrapunto popular al arte de los grandes polifonistas religiosos contemporáneos. Nacido en Salamanca, tal vez estudió música en esta ciudad, donde obtuvo el bachillerato en Derecho Civil. Después de haber sido cantor en la catedral de su ciudad y paje del obispo don Gutierre de Toledo, en 1492 entró al servicio del duque de Alba, a quien sirvió y para quien compuso hasta 1498. Posteriormente marchó a Roma, donde estuvo al servicio de los papas Alejandro VI y Julio II , quienes le beneficiaron con varios cargos eclesiásticos, aún sin haber recibido órdenes. En 1519 se ordena sacerdote y marcha a Jerusalén , donde celebra su primera Misa. Nombrado por León X prior de la Catedral de León, se traslada a esta ciudad en 1523 , donde muere en 1530.
Los villancicos se puden distinguir en dos categorías : sagrados generalmente en tonalidad menor y profanos que constituyen el mayoe número.
  • Los villancicos profanos de Juan del Encina son los que más aceptación han tenido entre sus intérpretes y pueden a su vez dividirse en varios grupos:
  • Villancicos de desventuras : Más vale trocar; Pues amas triste amador; Pues que mi triste penar.
  • Jocosos : Hoy comamos y bebamos; Cu,cu, ambos con temas amorosos o de la vida cotidiana.
Aparte de su amplia produción literaria, poesís y teatro, se conservan, con atribución segura , sesenta y una pieza musicales, muchas de ellas destinadas a ser interpretadas al finalizar sus obras de teatro. Formalmente , sólo utiñliza el romance, seis ejemplos, la canción, cuatro ejemplos, y el villancico el resto.
Fuentes : Historia de la musica , Marie Claire Beltrando



Obra completa de Juan del Encina

Cancionero de Juan del Enzinaa>


Sitio con partituras y sonido de Juan del Enzina

sábado, 4 de febrero de 2012

Fidelio. Beethoven





ANÁLISIS DE ÓPERAS:
FIDELIO (L.V. BEETHOVEN)
Por José Enrique Peláez Malagón. Doctor en Historia del Arte (Universidad de Valencia).

EL AUTOR DE LA OBRA:

Con Ludwig van Beethoven comienza la desaparición del clasicismo y el principio del romanticismo. Su obra, en líneas generales, muestra la lucha interior del compositor: la pasión, la dinámica, el contraste... elementos que de por sí no son nuevos, pero que en las manos de Beethoven se convertirán en pautas a seguir por el nuevo estilo musical.

Su obra, se divide en tres grandes periodos, por un lado un estilo clásico llamado de “asimilación” (1795-1801) en donde el artista está influenciado directamente por Mozart y Haydn; en segundo lugar ( 1802-1815) el estilo de “transición” en donde se observa un cambio de rumbo al considerar el clasicismo como agotado, tratando para salir del modelo de plasmar en la música una serie de emociones del ser humano, ejemplo de esta etapa será Fidelio; finalmente el tercer periodo (1816-1827) en donde el compositor terminará refugiándose en su mundo interior.



Leer más. Filomúsica

Misa Solemnis . Beethoven




Beethoven compuso pocas obras religiosas, entre ellas estas dos Misas: En Do mayor , Op. 86 (1807) y la Missa Solemnis en Re mayor, Op. 123 (1819-1823) , además del oratorio Cristo en el Monte de los Olivos. (1803).

La Missa Solemnis fue compuesta para la investidura del archiduque Rodolfo como Arzobispo fr Olmütz . El lema que vaya
de corazón a corazón simboliza la apelación de Beethoven a la humanidad y al mundo (en lugar del para la mayor Gloria de Dios , barroco) . Beethoven parte del mensaje del texto, que interpreta de un modo nuevo y personal. Nace así una obra poderosa, comparable al final de la 9ª Sinfonía de la que se interpretaron en concierto algunos números con el título Himnos (estreno de la obra completa: S. Petersburgo, 1824). Beethoven pensó incluso en una tradución alemana del texto.

Beethoven tomó algunos elementos de la tradición de la música sacra, por ejemplo fugas corales al final del Gloria y el Credo , y los hizo estallar en su extensión, forma y contenido. Pasajes dramáticos y programáticos explican la acción: en el Agnus Dei, que tiene por encabezamiento un ruego de paz interna y externa, trompetas de guerra irrumpen desde el exterior con su fragor y ritmo marcial; la contralto ruega angustiosamente por la paz en un recitativo teatral sobre el trémolo de la cuerda reflejando musicalmente la realidad vivida.

La interpretación de Beethoven del Et homo factus est se convierte en profesión de fe en la dignidad del hombre. En él se consuma la encarnación de Dios en términos sonoros, con referencias a la escena de la liberación y la exaltación final de Fidelio.


Fuentes: Atlas de música.