EL MOTETE El motete es una de las formas musicales más importantes de la música polifónica desde el S.XIII hasta el XVIII, aunque posteriormente se siguieran componiendo pero en menor medida y de una forma independiente. En los siglos XIII y XIV, el motete constaba de una serie de variaciones polifónicas sobre un Canto dado o Cantus Firmus. Este cantus firmus era una melodía ya existente, de origén generalmente litúrgico, y sobre el que se basaba la composición polifónica. Sobre este cantus firmus, de línea melódica amplia y severa, se contraponía una nueva melodía con otro texto, más amplia y variada, que se conocía con el nombre de tropo. Por tanto, se denominaba motete a la voz que hacía un contrapunto sobre el rígido esquema del cantus firmus, a modo de discanto o diafonía. El cantus firmus poseía un texto corto, mientras el discanto contenía un texto con más palabras. El texto utilizado estaba escrito en Latín sobre un salmo o pasaje de las Sagradas Escrituras. Posteriormente, el motete se convirtió en una obra vocal polifónica a capella, con un carácter dramático e imitativo. Es evidente la evolución manifiesta que se produjo en el motete, desde las primeras obras de PerotinPalestrinaPalestrina, Orlando di Lasso y T.L de Victoria, hasta llegar a los compositores románticos.PerotinPerotin
El bolero es un género musical bailable de tiempo lento, que nació en Cuba a fines del siglo XIX como un heredero del bolero español, pero con sus propias características musicales. Una de estas son sus letras románticas y de marcado carácter reflexivo, que hace del bolero un baile asociado a los sentimientos (generalmente acerca del amor y el desamor) y de gran sensualidad. En el bolero tradicional es total la fusión de factores hispanos y afrocubanos, que aparecen tanto en la melodía como en el acompañamiento de la guitarra. En cuanto al ritmo, el bolero guarda una estrecha relación con el danzón y la habanera, aunque su baile es más parecido al son.
El primer bolero conocido fue compuesto por el trovador Pepe Sánchez en 1885, y lleva el título de "Tristezas". Pepe Sánchez pertenece a la llamada generación de trovadores cubanos y fue un pionero en definir los rasgos del estilo bolero. Nacido en Santiago de Cuba, pasó posteriormente a la Habana y el Caribe, y es a finales del siglo XIX, cuando el bolero comienza su etapa de formación y estructuración. Los boleros que definieron totalmente este ritmo son Vereda Tropical y Nocturnal, grabados por Pedro Vargas. Es entonces cuando nace el bolero bailable. Con la influencia cubana del trío Matamoros que combinó el son oriental con el bolero, en 1927 éste se hace totalmente bailable. El ritmo en el bolero es de 4x4. Este ritmo se establece en un compás de cuatro tiempos. Al bailar bolero, la pareja empieza a moverse en el segundo tiempo, dando un paso rápido; en el tercer tiempo da otro paso rápido y en el cuarto tiempo da otro paso al que se llama lento, pues en el siguiente tiempo (el primero del siguiente compás) no se da ningún paso, sino que tan sólo se mueve la pelvis.
El bolero es el baile más romántico y sentimental del Caribe. Su simplicidad lo hizo popular en todo el mundo, llegando a ser uno de los ritmos más bailados en todos los ambientes, y en todas las clases sociales. Es el baile con más carga erótica y sensual que ningún otro, incluso más que el tango. Su razón de ser consiste en abrazar a la pareja y transmitirle amor sensual. El movimiento de caderas en el bolero es el mismo que en la rumba. Así, aunque en uno de los cuatro tiempos del compás no se dé ningún paso, la pelvis no se para sino que continúa moviéndose.
Para bailar el bolero, los bailarines se paran enfrentados, con los cuerpos pegados y los brazos en lo quew se conoce como la posición tropical (los antebrazos juntos y en forma vertical). Su movimiento consta tan sólo de dos partes distintas que se repiten constantemente una tras otra a lo largo del baile; en ellas la pareja gira muy lentamente hacia la izquierda permaneciendo prácticamente en el mismo sitio. Ambas partes son comunes para el hombre y la mujer, sólo que cuando el hombre mueve el pie derecho, la mujer mueve el izquierdo y viceversa; por tanto, cuando él está haciendo los movimientos de una de los dos partes, ella está haciendo los de la otra.
Marlango reciben el 2006 con la buena noticia de que su último disco, el aclamado por crítica y público. Automatic_Imperfection, ha alcanzado el Disco de Oro por las más de 40.000 copias vendidas en nuestro país, lo que le convierte en el primer Disco de Oro de 2006.
La imparable carrera del grupo tomará un nuevo impulso en los próximos meses con la publicación de su disco en los principales mercados internacionales, a partir del mes de Marzo, y la consiguiente gira mundial que les llevará a recorrer los principales escenarios mundiales a lo largo de este año.
La corriente principal del jazz o "mainstrean" define en el sentido genealógico de la palabra, las grabaciones y los músicos determinantes en la historia del jazz y que conforman una estirpe de continuidad desde principios del siglo XX hasta nuestros días. King Oliver con su "Creole Jazz Band" en 1923; Louis Armstrong con sus "Hot Five" y "Hot Seven" de 1925/1928; Jelly Roll Morton con sus "Red Hot Peppers" 1926/1928; las actuaciones de Duke Ellington en el Cotton Club entre 1927 y 1931; las grabaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie de 1945 para Savoy Dial; las doce tomas del Noneto Capitol de Miles Davis en 1949/1950 o el disco de Ornette Coleman titulado "The Shape of Jazz to Come" de 1959, son eslabones de una cadena que llega hasta el jazz que hoy conocemos.
Gunther Shuller, uno de los mas respetados musicólogos del jazz dejó dicho de Louis Armstrong lo siguiente: "Cuando el 28 de junio de 1928 improvisó, con una espectacular serie de frases en cascada, su introducción de "West End Blues", dejó trazada la principal dirección estilística que el jazz seguiría durante varias décadas posteriores. Mas aun, esta improvisación dejó muy clareo que el jazz ya no podría volver a ser considerado como una muisca folklórica o de entretenimiento. Aquella extraordinaria actuación anunciaba que el jazz tenía suficiente potencial como para competir con cualquier otra expresión musical de alto rango conocida hasta entonces". El mundo del jazz tuvo que esperar a la llegada de Charlie Parker para volver a oír cosas similares. Allí quedó trazado el camino principal del jazz o "mainstrean".
15 MÚSICOS Y 15 DISCOS REPRESENTATIVOS DEL MAINSTREAN
MÚSICOS DISCOS SELLO DISCOGRÁFICO KING OLIVER THE COMPLETE JOSEPH KING OLIVER VOL 1 KING JAZZ 1923/1931 LOUIS ARMSTRONG THE COMPLETE HOT FIVE & HOT SEVEN COLUMBIA 1926/1928 JELLY ROLL MORTON AND RED HOT PEPPERS MILESTONE 1926/1928 DUKE ELLINGTON ORIGINAL EDWARD "DUKE" ELLINGTON VOL 1 KING JAZZ 1927/1931 ART TATUM ART TATUM GROUP MASTERPIECES PABLO 1956 COLEMAN HAWKINS BODY AND SOUL RCA 1939 CHARLIE PARKER THE COMPLETE SAVOY RECORDING SAVOY 1945 MILES DAVIS KIND OF BLUE COLUMBIA 1959 MILES DAVIS BIRTH OF COOL CAPITOL 1949/1950 LESTER YOUNG PRES AND TEDDY VERVE 1956 BEN WEBSTER SOULVILLE VERVE 1957 DIZZY GILLESPIE BIRD AND DIZ VERVE 1950 JOHN COLTRANE A LOVE SUPREME IMPULSE 1964 BILL EVANS WALTZ FOR DEBBY RIVERSIDE 1961 ORNETTE COLEMAN THE SHAPE OF JAZZ TO COME ATLANTIC 1959
A principios de la década de los cuarenta el jazz se estaba acomodando en un obsoleto circulo de música comercial propiciado por varios cientos de orquestas de baile, en las que el jazz brillaba por su ausencia. La era del swing, ese estilo de jazz inventado veinte años atrás, había sido exprimido hasta el limite de sus posibilidades y los grandes solistas de entonces sólo hacían repetir, eso sí con gran maestría, las mismas formulas musicales una y otra noche. Y eso a pesar del esfuerzo de músicos de swing empeñados en buscar algo más. Buscaban otro sonido y no lo encontraron.
En Harlem (New York) corría el año 1940, y había un club en la calle 118 que se llamaba "Minton's Playhouse". Lo regentaba un hombre llamado, Teddy Hill que tuvo la feliz idea de abrir ese local todas las noches a horas en que los demás clubes de New York cerraban sus puertas y consiguió reunir noche tras noche a los músicos de jazz de la ciudad que se enfrascaban, liberados del corsé de las actuaciones en sus respectivas bandas, en interminables y memorables "jam sessions". Allí germinó un sonido nuevo, un repertorio de temas disonantes con melodías llenas de saltos bruscos y que expresaban un concepto distinto de la estética melódica al uso. Nació el bebop
Así pues, estos buscadores del nuevo sonido bautizado como "bebop" o "bop" entre los que se encontraban Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Charlie Christian, Bud Powell o Kenny Clarke entre otros consiguieron realizar una revolución melódica, armónica y rítmica y lo más importante, que no estuviera exento de swing. Alguien, alguna vez pregunto a Charlie Parker, que significaba la palabra "bebop". Charlie, tan sarcástico como siempre, contestó que se les había ocurrido porque aquella palabra sonaba igual que la porra de un policía en el cráneo de un negro. Cierto o no, lo seguro es que el sonido inventado por el tandem Parker-Gillespie puso las base de todo el jazz moderno.
En cualquier caso, el bebop jamás llegó a ser tan popular como el swing. En primer lugar porque en el momento fuerte de la revolución bebop, en 1942, el Sindicato de Músicos prohibió a los músicos grabar para protestar por la falta de ingresos por la música reproducida en la radio y en las gramolas; la consecuencia es que mucha de la mejor música del momento no fuese grabada. En segundo lugar porque no era una música fácil como el swing, sino creativa e impredecible. El gran público prefería la música de entretenimiento y espectáculo, por ejemplo la de los cantantes de baladas modernos como Sinatra, Crosby, etc.. Por otro lado, la música negra que estaba empezando a atraer a las masas era el rhithm and blues, grupos pequeños y de música popular de donde surgiría el rock and roll.
15 MÚSICOS Y 15 DISCOS REPRESENTATIVOS DEL BEBOP
MÚSICOS DISCOS SELLO DISCOGRÁFICO CHARLIE PARKER THE COMPLETE SAVOY RECORDINGS SAVOY 1944/1948 DIZZY GILLESPIE GROOVIN' HIGH SAVOY 1945/1946 THELONIUS MONK THELONIUS MONK TRIO PRESTIGE 1952 BUD POWELL JAZZ GIANT. VERVE 1949/1950 FATS NAVARRO THE FABULOUS FATS NAVARRO BLUE NOTE 1947/1949 THE QUINTET JAZZ AT MASSEY HALL DEBUT 1953 JAY JAY JOHNSON THE EMINENT VOL 1 Y 2 BLUE NOTE 1954 CHARLIE CHRISTIAN LIVE AT MINTON'S EVEREST 1941 MILES DAVIS FIRST MILES SAVOY 1945/1947 CHARLIE MINGUS PITHECANTHROPUS ERECTUS ATLANTIC 1956 CHARLIE PARKER PARKER ON DIAL.THE COMPLETE SESIONS DIAL 1946/1947 SARAH VAUGHAN SARAH VAUGHAN EMARCY 1954 CLIFFORD BROWN AT BASIN STREET EMARCY 1956 VARIOS ARTISTAS BIRLAND ALL STARS AT CARNEGIE HALL ROULETTE 1954 CHARLIE PARKER AND DIZZY GILLESPIE BIRD AND DIZ VERVE 1950
Gentileza este ar´ticulo de Apoloybaco (Visitar esta página que habla sobre jazz,vino y literatura) Esta en mis enlaces.
Las orquestas blancas de Nueva Orléans trataron con más o menos éxito de imaitar el jazz negro: La Ragtime Band de Jack Laine, generalmente considerado como padr de la música de jazz blanca, creó el estilo que lleva el nombre de dixieland. La primera orquesta blanca que tocó fuera de Louisiana fué la de Tom Brow and his Dustes, que apareció en Chicago en 1914. La crisis económica del Sur, producida por el gorgojo capsular del algodón, originó una gran emigración rio arribam hacia el Norte, y los musicos se fueron con los trabajadores de las plantaciones. Entre éstos tuvo su origen la famosa:
Original Dixieland Jazz-band
Esta orquesta tocó en el café Schiller de Chicago , durante 1915 y poco después se dió a conocer en Nueva York; costaba de ,trompeta,clarinete, trombón, piano y cajas y estaba dirigida por el trompeta de Nick la Rocca, cuyo Tiger Rag (una antigua quadrille francesa transformada) se hizo popular en el mundo entero. En 1917 la orquesta se hizo famosa al ser la primera en grabar disco de jazz. Hizo el viaje a Europaen 1919 , pero a su regreso a los Estados Unidos dos años más rtarde , el jazz estaba dominado por los músicos de color. Tras de incesantes cambios de sus componentes, La rocca disolvió su orquesta en 1925.
La expresión dixieland se emplea generalmente para designar la música de jazz unterpretada, casi en el estilo de Nueva Orleans, por músicos blancos.
Es una forma musical de las más antiguas que se conocen . En España se la comenzó a llamar diferencia y fué el primer país que la dió a conoce a traves de la obra de Antonio de Cabezón. Todos los compositores desde el siglo XVI en adelante la han usado. Consiste en presentar un tema de la forma más sencilla posible. La misma fórmula se va repitiendo después, complicando técnicamente la primitiva fórmula sin esconder , sin e,bargo, su identidad, aunque en los ejemplos más modernos es una identidad más bien espiritual que material. Hay varias formas de variaciones entre ellas están:
Basso ostinato. La parte baja se repite sin interrupción una y otra vez , acompañada por diferente partes altas, es una frase de ocho compases sin una velocidad determinada. No necesita ser una verdadera melodía,sino una frase brevçisima o una escala como en Alexander Balus , de Händel. Ejemplos de utilización de basso ostinato por los compositores modernos se encuentra en la historia del soldado , de Strawinsky y en El Rey David de Honegger (en las fanfares que anuncian la victoria de David sobre Goliat; en esta última obra el basso ostinato es solo un largo compás que se repite veinte veces.
Variaciones sobre un tema : Esta es la foma de variaciones más utilizada , y ha sufrido diferentes cambios al paso del tiempo. Al principio las variaciones se obtenían reclamando el tema con una serie de trinos y otros adornos, pero conservando inalterada la parte rítmica y la armónica. Pero las variaciones de la época clásica suponían cambios en el tema mismo, armónicos , rítmicos y contrapuntisticos. Al principio se conservaba hasta el fin la independencia de cada una de las variaciones, de modo que un tema con variaciones parecía un collar de perlas engarzadas sencillamente . Después más adelante llevaron por un lado a una forma en la que varias , y a veces todas, variaciones formaban un tono orgánico , y por otro a una forma en que aún conservándose la independencia de cada trozo , formaban una unidad en cuanto al modo o el caracter.
Variaciones más conocidas:
Juan Sebastian bach: Variaciones Gooldberg Händel: El forjador armonioso Haydn: Sinfonía 85 (tiempo lento ) La rena. Mozart: Sonata el la, para piano. Schubert: Quinteto de la trucha. Brahms: Variaciones sobre un tema de Haydn. Franck: Variaciones sinfónicas. Reger : Variaciones sobre un tema de Mozart. R. Strauss:Don quijote. Elgar: Enigma, variaciones. Britten: Variaciones y fuga sobre un tema de Purcell.
Pequeña composición del género del madrigal, que estuvo muy en boga en Inglaterra hacia finales del siglo XVI y principios de XVII . Su origen italiano, La falalella,era una canción popular, que F.Bendusi trató a cuatro voces en una de la obras de su Colección de Bailes para el coro e instrumentos (1591). Probablemente sirvió de modelo a textos poeticos en los que el segundo y cuarto versos y el final de cada estrofa estaban constituidos por las silabas fa la; Gastoldi los puso de moda escribiéndolos a cinco voces en sus Balletti (1591), que fueron imitados por Thomas Morley, con letra inglesa (1595). De esto vino la costumbre de dar a los mismos fragmentos musicales el título de Fa las. Los de Jhon Hilton a tres voces (1626) fueron particularmente estimados. Un fa la a cuatro voces, de Jeremías Saville, impreso en 1673 , en Musical companion de Playford ha quedado como tradicional en las sociedades de canto britanicas.
EL MOTETE El motete es una de las formas musicales más importantes de la música polifónica desde el S.XIII hasta el XVIII, aunque posteriormente se siguieran componiendo pero en menor medida y de una forma independiente. En los siglos XIII y XIV, el motete constaba de una serie de variaciones polifónicas sobre un Canto dado o Cantus Firmus. Este cantus firmus era una melodía ya existente, de origén generalmente litúrgico, y sobre el que se basaba la composición polifónica. Sobre este cantus firmus, de línea melódica amplia y severa, se contraponía una nueva melodía con otro texto, más amplia y variada, que se conocía con el nombre de tropo. Por tanto, se denominaba motete a la voz que hacía un contrapunto sobre el rígido esquema del cantus firmus, a modo de discanto o diafonía. El cantus firmus poseía un texto corto, mientras el discanto contenía un texto con más palabras. El texto utilizado estaba escrito en Latín sobre un salmo o pasaje de las Sagradas Escrituras. Posteriormente, el motete se convirtió en una obra vocal polifónica a capella, con un carácter dramático e imitativo. Es evidente la evolución manifiesta que se produjo en el motete, desde las primeras obras de PerotinPalestrina Palestrina, Orlando di Lasso y T.L de Victoria, hasta llegar a los compositores románticos.PerotinPerotin
