Machito

Frank Raúl Grillo, nombre verdadero de Machito, nace en La Habana, (Cuba) el 3 de diciembre de 1906. Creció escuchando jazz y música popular cubana, y comenzó a cantar cuando todavía era un adolescente. Entre 1928 y 1937, Machito actuó con muchas de las orquestas de baile más populares de Cuba, entre ellas el Sexteto Occidente de María Teresa Viera y el Sexteto Nacional de Ignacio Piñeiro. Fue en este período cuando conoció al compositor, arreglista y multi-instrumentista Mario Bauzá. Desde entonces, y durante las décadas siguientes, Machito y Bauzá trabajarían juntos, conformando un binomio que revolucionaría la música latina.

  Machito, llega a Nueva York en octubre de 1937, hallando un puesto como cantante en un grupo llamado La Estrella Habanera. Durante los dos años siguientes, Machito, grabó con el "Cuarteto Caney" y la Orquesta Hatuey. En 1939 Mario y Machito intentaron formar una orquesta, pero fracasaron. Durante una sesión realizada en 1941 en la que participó un joven baterista de nombre Tito Puente, Mario y Machito realizarían sus primeras grabaciones "Sopa de Pichón" y "Tingo Talango", todo un éxito en el mercado latino. Machito y Bauzá querían combinar la música cubana con la que habían crecido, con los sonidos del jazz que por aquél entonces se hacía en Nueva York, y a Mario se le ocurrió que un nombre apropiado para esa combinación podría ser "Afrocubano".

Finalmente, el sueño se haría realidad en 1943, cuando grabaron "Tanga", tema considerado como la primera grabación de jazz afrocubano. De allí en adelante, la agrupación de Bauzá y su amigo Frank sería conocida como 'Machito y sus afrocubans'. El Jazz Afrocubano tendría su gran presentación en sociedad el 24 de enero de 1947, cuando Fred Robbins, incluyó a los Afrocubans de 'Machito' en la presentación que haría esa noche Stan Kenton, en el Town Hall de la ciudad. Dos semanas después de esa noche apoteósica, la banda de Stan Kenton, grabaría un tema titulado 'Machito', en su honor. Durante los primeros años 60's, la las flautas y violines dominaban la fiebre de la charanga y la pachanga, pero Machito continuaba grabando discos con su característico sonido de cañas y bronces. Entre 1965 y 1969 predominó la moda del boogaloo y de allí en adelante hubo un dominio de pequeños grupos musicales que utilizaban el formato del conjunto típico, lo cual llevaría al gran boom de la salsa. El 5 de enero de 1975, la banda de Machito, en compañía de Dizzy Gillespie, interpretó en vivo en la Catedral de San Patricio de Nueva York, la suite 'Oro, Incienso y Mirra' original de Chico O'Farril; poco después grabaría junto al mismo Gillespie 'Afro Cuban Jazz Moods', álbum nominado al Grammy ese mismo año.

Mientras Machito, se hallaba en Londres con ocasión de una actuación en el Ronnie Scott's Club, sufrió un ataque al corazón, falleciendo cinco días después víctima de una hemorragia cerebral. Con posterioridad a su muerte, fue estrenado el documental: 'Machito, A Latín Jazz Legacy', dirigido por Carlos Ortiz y con la participación de Dizzy Gillespie, Ray Barretto, Tito Puente y Charlie Parker. Se estrenó en Noviembre de 1987 y transmitido en las Islas Británicas en el famoso Canal 4 en enero de 1989. Machito será siempre recordado como el Padrino del Jazz Afrocubano.

Gentileza de jazz, vino, y literatura.

Ivanov, lev

Bailarin y coreógrafo ruso, nació en 1834. Diplomado de la Escuela Imperial de Danza , de San Petersburgo, alcanzó a ser parteneire de la famosa Fanny Elsser , ocupando sucesivamente otros destacados puestos , con Perrot y, sobre todo, de su maestro Pepita. Colaboró con éste en muchas y notables coreografias, como El lago de los cisnes y El tulipán de Harlem, Autor, solo, de las coreografias de El bosque encantado , Fiesta de bateleros, La flauta mágica...

Cramer, Johann Baptist

Pianista y pedagogo alemán, considerado uno de lmejores de todos los tiempos. Fue hijo de Wilhelm.
En su juventud hizo numerosos viajes que cimentaron su fama de virtuoso . Como compositor produjo sonatas, conciertos, quintetos, variaciones, rondós.... Pero casi todos han caido en el olvido. En cambio subsiste la celebridad de su gran método de piano, especialmente los 84 estudios que integran la quinta parte del mismo. Nació en Mannheim en 1771; murió en Londres en 1858.
Fuentes: Diccionario biográfico de la música.(J. Ricar Matas)




Célebre por sus composiciones para el estudio del piano:

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VARIACION
RONDO
MANNHEIM
SONATA


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Czerny

Fecha de Nacimiento: 1791-2-20 en Viena
Fecha de Muerte: 1857-7-15 en Viena
Escucha un estudio para piano de Czerny: nivel sencillo




Nacionalidad: Austriaco

Período: Clásico



Biografía:

Czerny inició a temprana edad una vida centrada en la música. A los tres años podía interpretar en piano, a los siete ya componía y a los diez tocaba de memoria muchas de las obras de Bach, Mozart, Clementi y Beethoven. Un amigo de su padre, el violinista Johann Krumpholz, llevó al muchacho ante Beethoven y éste, impresionado por el talento, lo aceptó como alumno. Czerny también estudiaría con Hummel y Clementi.

Entre 1800 y 1803 los progresos de Czerny fueron rápidos, ya que aprendía de cada nueva obra que iba completando su maestro. Beethoven le tomó un afecto casi paternal, estimuló su interés por componer y lo introdujo en la sociedad musical de la ciudad. Una gira de conciertos fue planeada para la temporada de 1804 pero tuvo que ser cancelada por las guerras napoleónicas.

Alrededor de los catorce años Czerny comenzó a actuar como pianista y por un tiempo acrecentó una fama que ya había conseguido en círculos locales. Sin embargo, hacia el final de la adolescencia decidió dejar las actuaciones en público y prefirió dedicarse tanto a la enseñanza como a la composición. Pronto estuvo muy ocupado enseñando a varios alumnos diariamente, mientras que en las noches componía.

Czerny continuó viviendo en Viena, primero con sus padres, luego rodeado de muchos gatos. Con el tiempo fue componiendo solamente lo que quería y seleccionando cuidadosamente a quienes enseñaba. Entre sus más famosos alumnos aparecen los virtuosos Franz Liszt y Theodor Leschetizky. Nunca se casó y rara vez viajó fuera de Viena.

El legado de Czerny y su influencia sobre las posteriores generaciones fue enorme. Siendo un compositor increíblemente prolífico, produjo más de 1000 obras de notable calidad. Escribió una numerosa cantidad de estudios pedagógicos y ejercicios de piano que aún hoy en día son empleados por los alumnos de piano. Otros son verdaderos retos para cualquier virtuoso.

Aunque la mayoría de la producción de Czerny consistió de arreglos para piano de oberturas y sinfonías, así como transcripciones de ópera, también compuso muchas partituras a gran escala que, desafortunadamente, no han llamado la atención de la posteridad. Entre estas obras hay sinfonías, conciertos, piezas corales, canciones y música de cámara.

Gentileza radio Beetoven

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Jan Ladislav Dussek

Jan Ladislav Dussek

(Cáslav, 1760- Saint-Germain-en-Laye, 1812) Compositor y pianista checo. Fue uno de los pianistas más célebres de su tiempo. Sus composiciones para piano (15 conciertos, 50 sonatas y numerosos preludios, fantasías e invenciones) contribuyeron a ampliar las posibilidades técnicas y expresivas del instrumento. Compuso, además, música instrumental y lírica de cámara, una ópera, una misa y una cantata sacra. Publicó un método para piano (1796).

Guillaume Dufay

Guillaume Dufay

(?, h. 1400-Cambrai, Francia, 1474) Compositor francés. Hasta 1426 estuvo al servicio de la familia de los Malatesta, en Rímini, donde entre 1419 y 1420 compuso sus primeras obras de datación segura. Entre 1428 y 1433 ocupó en Roma el cargo de chantre de la capilla pontificia, y gracias a un permiso especial pudo ejercer como maestro de capilla para el duque de Saboya.

Al cabo de esos dos años volvió a su puesto de chantre pontificio, esta vez en Florencia y Bolonia, ya que el Papa había tenido que abandonar Roma a causa de una sublevación. En 1436, el sumo pontífice le concedió la prebenda de canónigo de la catedral de Cambrai, que conservó hasta su muerte.

En la época en que Dufay empezó a escribir música, inmerso en el espíritu del Renacimiento, la composición musical atravesaba un período de regulación establecida, de la que fue partícipe. No fue hasta sus obras de madurez, sobre todo con algunas misas y motetes, cuando empezó a introducir elementos novedosos, como el canto a cuatro voces o la técnica conocida como «canto armonización», una forma de combinar las distintas voces melódicas inusual hasta entonces.

Y nuestro buen invitado permaneció con los Malatesta por seis años, regresando a casa para partir dos años después a Roma donde se incorporaba como cantante del coro pala. Debe haber tenido una muy buena voz como para ser seleccionado para tan importante trabajo. Y ya en Roma, con sus 28 años, se convierte en el más importante compositor de su época. Son años brillantes, donde desde su pluma surgen textos y melodías que son considerados sublimes en su tiempo. Y es durante su larga estancia en Roma donde escribe el motete Ecclesie Militantia con motivo de la consagración del nuevo Papa Eugenio IV en 1431 y su más famosa aún Supremum est mortalibus para la paz de Viterbo en 1433 y cuyo texto leíamos al comenzar el programa.

Y nuestro buen Guillaume Dufay debe haber sido un compositor de moda, ya que el papa le pide que componga la música para la ceremonia de inauguración del domo construido nada menos que por Bruneleschi.

Las composiciones de corte de Guillaume Dufay son músicas del siglo quince, poco antes de descubrimiento de América por Cristóbal Colon. La gente lee a Dante a Petrarca y a otros grandes poetas, como esta Virgen bella, de Francesco Petrarca. “Hermosa virgen, envuelta por el sol, coronada con estrellas por el sol en los alto, satisfecho que en ti se esconda su luz. El amor me mueve para decirte mis palabras: pero no se como comenzar sin tu ayuda y la ayuda de quel que amorosamente habita en ti.”

Dijimos que sus viajes le habían puesto en contacto con distintas escuelas y tendencias. Así, en 1425, entra en contacto con la escuela polifónica holandesa, y desde 1440 en adelante, nuestro buen Guillaume Dufay será considerado, sin discusión, como el maestro de la música secular y eclesiástica

La otra manera de comprender el concepto “música” en aquellos años, era asociada al llamado “Quadrivium”, estudios superiores que comprendían Aritmética, Astronomía, Geometría y… Música. Y esto, porque se establecía a partir de las relaciones entre intervalos, y las conexiones matemáticas y lógicas de una nota con otra. Y aquí esta la audacia de Dufey, quien toma melodías de sus misas y músicas para las grandes ocasiones religiosas y las convierte en canciones con instrumentos, como ocurre con varias de las que hemos escuchado en nuestro programa. Era el espíritu del renacimiento absolutamente presente en su creación.

Hoy en día, nosotros valoramos las creaciones de Dufey no solo por su gracia e inventiva, sino por su significativa posición histórica en el desenvolvimiento del emergente renacimiento musical. Guillaume Dufey fue considerado en su tiempo como el compositor mas importante, y nosotros aún lo seguimos considerando como el gran músico del siglo XV.
Y murió contento en su Cambrai natal cuando había ya cumplido los 74 años. Guillaume Dufey, el grande, en Música y Músicos.

Festival El Bis y los Ibericos: concentracion de coches antiguos americanos: Platja D´Aro : RECUERDOS

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10 junio 2006

Muzio Clementi

Clementi comenzó estudiando órgano y clavicémbalo en Italia.

En 1766 se traslada a Inglaterra donde, gracias a un rico mecenas, puede dedicarse completamente al estudio del piano.

En este periodo desarrolla una técnica muy personal e innovadora, influenciada por Domenico Scarlatti y por las formas pianísticas que tienen origen en la técnica de Haydn y de Johann Christian Bach.
En 1778 ocupa en Londres cargos importantes como el de profesor en las mejores instituciones reales.

En 1780 inicia una larga gira por Europa en la que tocó para numerosos soberanos con gran éxito.

Durante esta gira se produjo la mítica competición entre Clementi y Mozart.
De nuevo en Londres tuvo muchos alumnos ilustres como Field, Cramer y Bertini, a la vez que se dedicaba a la fabricación de pianos.

En 1802 comienza una segunda gira por Europa que durará ocho años y durante la cual tuvo como alumnos Moscheles, Kalkbrenner, Meyerbeer y Czerny.
En 1828 se retira. Da su último concierto para la Royal Philharmonic Society, institución que había fundado junto con Viotti en 1813.




Las Obras de Muzio Clementi


Clementi ha pasado a la historia por su producción de Estudios, Sonatas y Sonatas.

Con los Estudios inicia un desarrollo instrumental que se verá completado en los años siguientes por Chopin y Liszt.La más famosas de sus colecciones de Estudios es "Gradus ad Parnassum", consistente en cien estudios progresivos.

Karl- Philipp-Emanuel Bach

(Weimar, 1714-Hamburgo, 1788) Compositor alemán. Quinto hijo de J.S. Bach y de Maria Barbara. Fue clavecinista de la corte de Federico el Grande y sucesor de Telemann, su padrino, como maestro de capilla de las principales iglesias de Hamburgo. Como teórico del clave, se anticipó a la moderna técnica pianística con su Ensayo acerca de la verdadera manera de tocar el clave (1753-1762). Precursor del romanticismo por su defensa de la libertad del artista, ayudó a la consolidación de la forma de la sonata con la introducción del segundo tema. Su amplia obra, profana y religiosa, influyó en Haydn y en Beethoven.
La carrera de Philipp Bach tiene cierta uniformidad. Fue a Francfort-del-Oder con la intención de estudiar allí la carrera de Derecho, pero cambió de idea fundando en esta ciudad una sociedad de canto. En 1738 marchó a Berlín donde fué nombrado , dos años más tarde, clavecinista de Federico el Grande. En 1767, Bach presentó su dimisión para aceptar el puesto que dejaba Teleman en Hamburgo como director de música sagrada. Murió tuberculoso en la ciudad rodeado de la más profunda consideración.
Las obras de Karl-Philipp-E. Bach poseen un estilo enteramente distinto y contrario al polifónico de las obras de su padre, lo que tal vez tenga su explicación en el hecho de que por estar Karl-Philipp- Emanuel Bach destinado en un principio a la carrera de Leyes, pudo seguir, libre de las imposiciones de su padre, su afición al estilo galante de la música francesa de clavecín.En efecto, la música de Karl-Philipp-E. Bach presenta por su carácter, su esencia melódica y la profusión de adornos, una fuerte influencia de la música francesa de aquel tiempo.
Karl- Philipp-Emanuel Bach contribuyó grandemente al progreso de la técnica de la composición ed el dominio de la sonata para piano. Ha escrito un tratado de clavecin, cuya importancia no ha desaparecido aún. Este tratado es una de las fuentes principales de documentación sobre la ejecución de los adornos musicales y de ciertos efectos especiales en el siglo XVIII.Emanuel Bach ha escrito un número considerable de obras para piano (210 piezas, 52 Conciertos, Sonatas etc.); aunque menos notable en el dominio de la música religiosa, fue igualmente fecundo, como lo demuestran sus 22 Pasiones.

Obras para piano mano izquierda

.

La contusión o la enfermedad de una mano no ha de ser forzosamente un motivo para que el pianista deje de dedicarse a su instrumento. Para la mano izquierda se han escrito : Un fragmento en la de Ph. E. Bach; cuatro piezas de Regger (entre ellas las excelentes preludio y fuga)

•  Dos piezas de una escritura refinada, de Scribin (op. 9)

•  Estudios de Moszkowsky, Saint Saëns, etc. 
• Brahms arregló para la mano izquierda la Chacona en re menor, para violin solo, de Bach. 
• Muchas de las obras mencionadas se pueden fácilmente arreglar para la mano derecha.Incluso existen conciertos de piano, para la mano izquierda , y orquesta, como los de R. Struss y el muy notable de M. Ravel.

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Stan Getz

(Filadelfia, Pennsylvania, 1927- Malibú, California, 1991)
El saxofonista Stan Getz fue, a lo largo de su carrera, uno de los músicos de jazz más perseguido por la eterna manía de las etiquetas. Su gran popularidad como uno de los creadores del cool y sobre todo, el éxito mundial de su incursión en la bossa nova , le encasillaron para siempre. Su sonido, sin embargo, fue evolucionando con el tiempo y llegó a convertirse en auténtico ejemplo , hasta el punto que recibió el apodo de The Sound. Su primer éxito notable lo consiguió con otros tres saxofonistas tenores (Jimmy Giuffre, Zoot Sims y Herbie Stewart), con quienes integrarían los Four Brothers, una de las formaciones cumbre del cool a finales de los cuarenta, que participó tambien en la orquesta de Woody Herman.
Durante la década siguiente Stan Getz lideró sus propias formaciones tanto en Estados Unidos como en Europa y debió afrontar diversos problemas de salud y legales. A pesar del notable reconocimiento del que disfrutaba y que le permitia grabar junto a los más grandes del jazz, su fama llegaría al abordar, a principios de lo sesenta, el género de la bossa nova junto a músicos como Charlie Byrd o Joao Gilberto y la cantante Astrud Gilberto, con la cual grabaría una celebérrima versión The Girl fron Ipanema, que daría la vuelta al mundo en pleno éxito de esa música brasileña que grandes figuras , como el compositor Antonio Carlos Jobim , difundirian con enorme fortuna.
La bossa nova y sobre todo , la respuesta comercial obtenida, despertó el interés de numerosos músicos de jazz, pero Stan Getz se ha convertido en el paradigma de esa fusión.
Aunque ya le sería difícil evitar las peticiones del público que seguía viéndole como adaliz del jazz samba, Stan Getz supo reconducir su carrera a nuevos terrenos en los que , junto a músicos como Chik Corea, Gary Burton o Bill Evans , pudo dar muestras del talento y personalidad que le caracterizan.
DISCOGRAFIA
Anniversary (live at copenhagen) vol 1
Serenity (Live at Copenhage, vol. 2)
Una magnifica fiesta de cumpleaños que Getz celebró con esta excelente grabación recopilada en dos discos, para la que contó con un trio integrado por Kenny Barron, Rufus Reid y Victor Lewis. Espléndidos.
The Peacoks
Un disco excelente y repleto de sorpresas más que agradables que incluyen desde el piano de Jimmy Rowies al contrabajo de Buster Willians pasando por una intervención de Jon Hendricks.
Line For Lyons
Mano a mano gratificante de las dos figuras que habían aparecido como las grandes esperanzas blancas del jazz cool. Dos gatos viejos dando una buena muestra de su sabiduria.
Live at Montmartre Vol1
Live a Montmartre Vol 2.
Otro de los conciertos justamente délebres de Stan Getz, en el famoso club de jazz Montmartre de Copenhague, en 1977.
Stan Getz & Bill Evans
Uno de los discos que no deben faltar en una discoteca de Jazz . Una joya.
The Brothers
Los Four Brothers que hicieron temblar la orquesta de Woody Herman marcaron una época de la historia del jazz. Esta recopilación de temas, grabados entre 1948 y 1952, restituye parte de las razones de su celebridad.
The Girl Fron Ipanema, The Bossa Nova Years
Un estuche de cuatro compactos para los enamorados de la bossa nova.

Fuentes: la discoteca ideal del jazz. (Joan Riambau)

Disco de Calamaro. Tinta roja

CALAMARO: Es un privilegio emocionarse con la música.

Escuchar EL DISCO
El argentino evoca a Gardel y a Piazzolla en Tinta Roja.

Grabando tuvimos momentos de emoción intensa, de tener que imprimir con pudor lágrimas de varón.....
No siempre pasa, pero es un privilegio emocionarse todavia con la música. Lo decia ayer Andrés Calamaro en relación con, y durante la presentación de, su ultimo trabajo, Tinta Roja. Un disco donde no usamos mucho la técnica vocal, pero que traté de cantar don respeto. Y no es para menos. Porque el que fuera líder de los Rodriguez se atreve una vez más, después de haber experimentado el el cantante (2004) , con tangos. No sé si es verdad, pero lo quiero decir: es el tango el que nos eligió a nosotros, bromea Calamaro respecto al contenido. Es por eso que no incluye tangos cualesquiera (el más viejop es de los años veinte) y canta, puestos a seleccionar, a los mismisimos Carlos Gardel y Astor Piazzolla, El sur, El día que me quieras, Mano a mano, Como dos extraños, y Melodía de arrabal son, entre otros, algunos de los inolvidables tango incluidos en un CD que desde ayer se puede encontrar en las tiendas y que, por supuesto, tambien recoge el tema que le da titulo: Tinta Roja.

Esto si que nadie espere encontrarse tango en estado puro. Es más , lo interesante de este disco es ver si va a ser de tango, de rck, de flamenco o de las tres cosas a la vez, bromea Calamaro. Porque mientras por un lado evoca a grandes tangueros de todos los tiempos, por otro incluye la guitarra flamenca de Niño Josele y la voz de Montse Cortés. Finalmente, como no podía ser de otra manera tratandose de Calamaro, el rock está en todas partes, como la televisión, incluso está en este disco, asevera. Y garantiza además, que su relación con este género lejos de estar muerta, es de padre e hijo, o de hermanos. De hecho, mantiene : Nunca dejé el rock, sospecho que es lo único que sé tocar.

Ana lobo " metro, spain.

Heinrich Schütz

Heinrich Schütz


Heinrich Schütz (bautizado el 9 de Octubre de 1585 – †6 de Noviembre de 1672) fue un organista y compositor alemán, generalmente recordado como uno de los más importantes compositores alemanes antes de Johann Sebastian Bach y a menudo considerado uno de los más importantes del Siglo XVII, junto a Claudio Monteverdi.Escribió la primer ópera alemana, "Dafne" , estrenada en Torgau en 1627. La partitura de esta obra, sin embargo, se ha perdido.
javascript:mp3Ckeck('../MidiArchiveBiografía
Schütz nació en Köstritz. Su talento musical fue dscubierto por Moritz von Hessen-Kassel en 1599. Después de formar parte de un coro de niños, viajó a estudiar leyes a Marburg, luego se establece en Venecia entre 1609 y 1613, para estudiar música con Giovanni Gabrieli. Posteriormente realiza una breve práctica como organista en , para trasladarse a Dresde en 1615 , donde trabaja como compositor de la corte del Elector de Sajonia . Mantuvo su puesto en Dresde hasta el fin de su vida (creando la semilla de lo que actualmente es la Capilla del Estado de Dresde) , pero dejó la ciudad en varias ocasiones: en 1628 viaja a Venecia donde posiblemente se entrevista con Claudio Monteverdi -se cree inclusive que estudió con él- y en 1633, después de la Guerra de los treinta años interrumpe su actuación en la corte de Sajonia y toma un puesto en Copenhagen. Retorna a Dresde en 1641, y permanece allí hasta su muerte. Muere en 1672, a los 87 años.

Estilo Las composiciones de Schütz muestran la influencia de sus dos principales maestros, Gabrieli (Mostrado notablemente en su uso del resplandeciente estilo policoral de la escuela veneciana y en su estilo concertante ) , y Monteverdi. Además recibe la influencia de los compositores de la escuela holandesa del Siglo XVI. Su obra más conocida se encuentra en el campo de la música sacra, desde obras solistas con acompañamiento instrumental hasta música coral "a capella" . Sus trabajos más representativos incluyen sus tres libros de Sinfonías Sacras , los "Salmos de David" , las "Siete palabras de Jesucristo en la Cruz" y sus tres series de Pasiones.

La música de Schütz, que al principio resulta progresista, deriva en un estilo simple y muy austero, culminando con sus últimas Pasiones. Algunas consideraciones prácticas permiten entender las causas de este cambio: la Guerra d elos 30 años desvastó la infraestructura musical de Alemania, y no existían los medios para interpretar las obras gigantescas al estilo de la Escuela Veneciana, características de sus primeros trabajos. Schütz fue uno de los últimos compositores que escribió en un estilo modal, con armonías no funcionales a menudo resultantes del juego entre las voces. En contraste, mucha de su música muestra un fuerte empuje tonal cuando encara las cadencias. Su música hace un uso intensivo de la imitación, en la que las entradas se suceden en orden irregular y en intervalos variados. Una característica divertida de Schütz es la creación de intensas disonancias causadas por el movimiento correcto de dos o más voces a través de una armonía implícita. Sobre todo, su música muestra una sensibilidad extrema por los acentos y significados del texto, el que a menudo es articulado usando figuras técnicas especiales tomadas de la música poetica , que a su vez derivan de las figuras verbales de los retóricos clásicos.

Casi no ha sobrevivido música secular de Schütz, salvo por unas pocas canciones domesticas ("arien") y ninguna musica puramente instrumental (salvo que se contabilicen como tal los breves movimientos instrumentales titulados "Sinfonia" , que encierran los diálogos en "Las siete palabras" ). A pesar de esto, Schütz tiene la reputación de haber sido uno de los mejores organistas de Alemania.

La influencia de Schütz fue muy importante por traer nuevas ideas musicales desde Italia, influencia que mantuvo sobre los compositores que lo siguieron. El estilo de la escuela de órgano del norte alemán deriva largamente de la obra de Schütz, así como de Jan Pieterszoon Sweelinck. Un Siglo despues su legado culminaría en la obra de J.S. Bach.




Obras
Los siguientes son trabajos publicados. Muchos de ellos contienen múltiples piezas musicales: en total hay más de 500 obras conocidas de Schütz.

Il primo libro de madrigali (primer libro de madrigales) (Venecia, 1611)
Psalmen Davids (Libro 1) (Dresde, 1619)
Historia der frölichen und siegreichen Aufferstehung ... (Historia de la Resurrección de Jesús) (Dresde, 1623)
Cantiones sacrae (Freiberg, 1625)
Psalmen Davids (Libro 2) (Freiberg, 1628)
Symphoniae sacrae (Libro 1) (Venecia, 1629)
Musicalische Exequien (Exequias musicales) (Dresde, 1636)
Kleiner geistlichen Concerten (Libro 1) (Leipzig, 1636)
Symphoniae sacrae (Libro 2) (Dresde, 1647)
Geistliche Chor-Music (Dresde, 1648)
Symphoniae sacrae (Libro 3) (Dresde, 1650)
Zwölff geistliche Gesänge (Dresde, 1657)
Psalmen Davids (Revisión del libro 2) (Dresde, 1661)



Fuentes: Wikipendia

Federico Elizalde

Compositor y director de orquesta (Manila, 1908.----)

Estudió con Pérez Casas en madrid y con Bloch en Estados Unidos. Como compositor es especialmente conocido por su "Concierto para Violin y orquesta. Cuenta además con abundante música de cámara (cuarteto de cuerda) y cin la ópera Paul Gauguin. Ha sido director de la Orquesta Sinfónica de Manila.




Federico «Fred» Elizalde

 
Federico «Fred» Elizalde (Manila, 12 de diciembre de 1907 - Manila, 16 de enero de 1979) fue un compositor, pianista y director de orquesta hispanofilipino.

Federico «Fred» Elizalde (Manila, 12 de diciembre de 1907 - Manila, 16 de enero de 1979) fue un compositor, pianista y director de orquesta hispanofilipino.

De Wikipedia 

En su niñez se trasladó a España, estudiando en San Sebastián y en el conservatorio de Madrid. Posteriormente residió en Inglaterra estudiando en el St. Joseph's College de Londres y en la Universidad de Stanford en Estados Unidos en la década de 1920. En Stanford recibió lecciones de Ernsst Bloch saliendo de la escuela en 1926. Comienza su carrera musical al frente de una banda de jazz encabezando la banda de la universidad de Stanford en el Hotel Biltmore en Los Ángeles mientras estudiaba composición. En 1926 graba junto a la Cinderella Roof Orchestra regresando ese mismo año a Inglaterra ingresando en la Universidad de Cambridge como estudiante de derecho. Elizalde rompió su banda en 1929 justo después de un mal recibimiento de su gira en Escocia y el inicio de la Gran Depresión, lo que exigía el regreso de sus compañeros a Estados Unidos. Dirigió un nuevo grupo en el Duchess Theater en Londres en 1930, pero más tarde en ese mismo año regresó a Manila para aceptar una vacante como conductor de la Orquesta Sinfónica de Manila. La dirigen en la década de 1930 en Biarritz, París, y Madrid, y grabará por última vez en 1933 en un breve viaje de regreso a Gran Bretaña. Mientras que en España estudió con Manuel de Falla y luchó junto al regimiento vasco contra Francisco Franco durante la Guerra Civil española. Cae enfermo durante la guerra y retorna a Manila. Luego se traslada a Francia viviendo bajo confinamineto en una casa cercana a Bayona durante la ocupación alemana. Este tiempo es de gran creatividad componiendo varios trabajos incluyendo una ópera sobre la vida de Paul Gauguin, un concierto para violín, un cuarteto de cuerda y un concierto para piano. En 1948 regresa de nuevo a Manila dónde dirige a la Manila SO de nuevo. Funda en la ciudad la Manila Little Symphony Orchestra y es nombrado presidente de la radio nacional. Aunque dirige alguna obra en Japón trabaja raramente fuera de Filipinas hasta su retirada en 1974.

Häendel

Georg Friedrich Händel
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Georg Friedrich HändelGeorge Frideric Handel (Georg Friedrich Händel en alemán) (23 de febrero de 1685 - 14 de abril de 1759) fue un compositor inglés/alemán de música docta barroca. La mayor parte de su vida vivió en Gran Bretaña.

Biografía
Nació en la ciudad de Halle, al norte de Alemania, como hijo de un barbero y cirujano. Su padre había decidido que su hijo sería un abogado, pero cuando observó el interés de Händel por la música, la cual estudiaba y practicaba en secreto, su padre cambió de idea y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de música. De esta forma Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle. A la edad de 17 años ya fue nombrado organista de la catedral calvinista de Halle.

Al cabo de un año Händel se marchó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del violín y del clavicordio en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705 se representó en ese mismo lugar su obra Almira, y pronto después Nero. Al año siguiente aceptó una invitación de viajar a Italia, donde pasó más de tres años. Se representaron obras suyas en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia, y al mismo tiempo Händel escribió música nueva, inspirado por la música de aquel país. Sobre todo estudió y perfeccionó la forma de combinar su música con textos en italiano. Merced a la elevada calidad de sus interpretaciones, conoció a importantes músicos y compositores italianos de la época, como Scarlatti, Corelli y Marcello.
En 1710 Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la corte de Hannover. Un año más tarde se representa su obra Rinaldo en Londres con un considerable éxito. En vista de ello, en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra. Allí recibe el encargo de crear un teatro real de la ópera, que sería conocido también como Royal Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y 1728, que dieron fama a Händel en todo Europa.

En 1727, Handel se convirtió en ciudadano britanico, cambiando la forma como escribia su nombre a "George Frideric Handel".

A partir de 1740 Händel se dedicó a la composición de oratorios, entre ellos El Mesías, que en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por excelencia. En 1751 Händel quedó ciego, mientras estaba componiendo el oratorio Jefta. Murió en Londres a los 74 años.

Händel compuso 32 oratorios, 40 óperas, numerosas piezas musicales para misas, 110 cantatas, 20 conciertos, 39 sonatas, fugas y suites, y otras obras orquestales.

Sus profesores en la infancia era Wilhelm Zachov y posteriormente fue un español el que le impulsó a crear sus primeras obras, Javier Recacha.

Catálogo de obras
Operas
HWV Título Estreno Lugar Notas
1 Almira 8 de enero de 1705 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo
2 Nero 25 de febrero de 1705 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
3 Florindo 1708 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
4 Daphne 1708 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
5 Rodrigo 1707 Florencia
6 Agrippina finales 1709/principios 1710 Teatro San Giovanni Grisostomo, Venecia
7a/b Rinaldo 24 de febrero de 1711 Queen's Theatre, Londres
8a/b/c Il pastor fido 22 de noviembre de 1712 Queen's Theatre, Londres
9 Teseo 10 de enero de 1713 Queen's Theatre, Londres
10 Lucio Cornelio Silla Junio de 1713? Londres? Musica reutilizada en Amadigi
11 Amadigi 25 de mayo de 1715 King's Theatre, Londres
12a/b Radamisto 27 de abril de 1720 King's Theatre, Londres
13 Muzio Scevola 15 de abril de 1721 King's Theatre, Londres sólo el acto 3 es de Handel
14 Floridante 9 de diciembre de 1721 King's Theatre, Londres
15 Ottone 12 de enero de 1723 King's Theatre, Londres
16 Flavio 14 de mayo de 1723 King's Theatre, Londres
17 Giulio Cesare 20 de febrero de 1724 King's Theatre, Londres
18 Tamerlano 31 de octubre de 1724 King's Theatre, Londres
19 Rodelinda 13 de febrero de 1725 King's Theatre, Londres
20 Scipione 12 de marzo de 1726 King's Theatre, Londres
21 Alessandro 5 de mayo de 1726 King's Theatre, Londres
22 Admeto 31 de enero de 1727 King's Theatre, Londres
23 Riccardo Primo 11 de noviembre de 1727 King's Theatre, Londres
24 Siroe 17 de febrero de 1728 King's Theatre, Londres
25 Tolomeo 30 de abril de 1728 King's Theatre, Londres
26 Lotario 2 de diciembre de 1729 King's Theatre, Londres
27 Partenope 24 de febrero de 1730 King's Theatre, Londres
28 Poro 2 de febrero de 1731 King's Theatre, Londres
29 Ezio 15 de enero de 1732 King's Theatre, Londres
30 Sosarme 15 de febrero de 1732 King's Theatre, Londres
31 Orlando 27 de enero de 1733 King's Theatre, Londres
32 Arianna 26 de enero de 1734 King's Theatre, Londres
33 Ariodante 8 de enero de 1735 Covent Garden Theatre, Londres
34 Alcina 16 de abril de 1735 Covent Garden Theatre, Londres
35 Atalanta 12 de mayo de 1736 Covent Garden Theatre, Londres
36 Arminio 12 de enero de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
37 Giustino 16 de febrero de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
38 Berenice 18 de mayo de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
39 Faramondo 3 de enero de 1738 King's Theatre, Londres
40 Serse 15 de abril de 1738 King's Theatre, Londres
A 14 Giove in Argo (Pasticcio) 1 de mayo de 1739 King's Theatre, Londres
41 Imeneo 22 de noviembre de 1740 Theatre in Lincoln's Inn Fields, Londres
42 Deidamia 10 de enero de 1741 Theatre in Lincoln's Inn Fields, Londres
Odas y Masques
HWV Title Premiere Venue
49a/b Acis and Galatea probably 1718 London
74 Ode for the Birthday of Queen Anne 6 February 1713 Royal Palace in London
75 Alexander's Feast 19 February 1736 King's Theatre, London
76 Ode for St. Cecilia's Day 22 November 1739 Theatre in Lincoln's Inn Fields, London
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Oratorios
HWV Title Premiere Venue
46a/b Il trionfo del Tempo e del Disinganno/
Il trionfo del Tempo e della Verità June 1707 Rome
47 La Resurrezione 8 April 1708 Rome
48 Brockes-Passion 1709? Hamburg
50a/b Esther probably 1718 London
51 Deborah 21 February 1733 King's Theatre, London
52 Athalia 10 July 1733 Sheldonian Theatre, Oxford
53 Saul 16 January 1739 King's Theatre, London
54 Israel in Egypt 4 April 1739 King's Theatre, London
55 L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato 27 February 1740 Theatre in Lincoln's Inn Fields, London
56 Messiah 13 April 1742 New Music Hall, Dublin
57 Samson 18 February 1743 Covent Garden Theatre, London
58 Semele 10 February 1744 Covent Garden Theatre, London
59 Joseph and his Brethren 2 March 1744 Covent Garden Theatre, London
60 Hercules 5 January 1745 King's Theatre, London
61 Belshazzar 27 March 1745 King's Theatre, London
62 Occasional Oratorio 14 February 1746 Covent Garden Theatre, London
63 Judas Maccabaeus 1 April 1747 Covent Garden Theatre, London
64 Joshua 9 March 1748 Covent Garden Theatre, London
65 Alexander Balus 23 March 1748 Covent Garden Theatre, London
66 Susanna 10 February 1749 Covent Garden Theatre, London
67 Solomon 17 March 1749 Covent Garden Theatre, London
68 Theodora 16 March 1750 Covent Garden Theatre, London
69 The Choice of Hercules 1 March 1751 Covent Garden Theatre, London
70 Jephtha 26 February 1752 Covent Garden Theatre, London
71 The Triumph of Time and Truth 11 March 1757 Covent Garden Theatre, London
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Música Instrumental
6 Organ Concertos op. 4 (HWV 289 – 294)
6 Organ Concertos op. 7 (HWV 306 – 311)
6 Concerti grossi op. 3 (HWV 312 – 317)
Concerto grosso in C major "Alexander's Feast" (HWV 318)
12 Concerti grosso op. 6 (HWV 319 – 330)
3 Concerti a due cori (HWV 332 – 334)
Water Music (HWV 348 – 350)
Music for the Royal Fireworks (HWV 351)


WIKIPENDIA

Canon para 48 voces: Ramirez de Arellano, Alonso

Ramirez de Arellano, Alonso

Compositor español del siglo XVIII, autor de un canon Recte et Retro para 48 voces, impreso en Londres (1765).

Sin datos en Internet.

Fuentes Historia de la música: Michel Brenet.

Jean Philippe Rameau

Jean Philippe Rameau Compositor, clavecinista y teórico francés.Consagróse a la música desde muy joven, después de renunciar a la carrera de la magistratura. Fue casi totalmente autodidacta, en especial respecto a la armonía y composición. Tras un breve viaje a Italia (1701), se le nombró organista en las catedrales de Aviñón y Clermont-Ferrand;.
Después estuvo en París (1706), donde publicó su primera serie de composiciones para clavecín, y actuó tambien de organista. Lo fue asimismo en Dijón (1709-1714), Lyón (1714-1715) y Clemont -Ferrand otra vez. A la edad de 40 años era conocido tan sólo por un reducido número de personas; dedicábase con preferencia a meditaciones filosóficas sobre la música, de donde nacieron una serie de obras teóricas que luego tenían que ser célebres, como su Traitè d`harmonie que causó verdadera sensación en los ambientes musicales. Rameau pasó entonces (1723) a París,donde se instaló definitivamente como organista, y a partir de entonces fue publicando con gran frecuencia obras teóricas y composiciones que tuvieron gran éxito; hicieron célebre rápidamente su nombre y le procuraron multitud de discípulos de tal modo que al cabo de pocos años quedó convertido en la primera figura del mundo musical parisiense. En esta época empezó a componer breves obras escénicas , que iniciaron la brillante carrera de compositor deóperas y ballets que tenía que hacerle famoso después.
El fermier géneral La Pouplinière le protegió generosamente y le nombró director de su orquesta particular y de sus conciertos, y gracias a él pudo presentar sus obras en la öpera, que se manifestaba reacia ante los autores nuevos. Sus composiciones dieron lugar a vivas discusiones y controversias. Entre tanto, él actuaba tambien en la corte, donde el Rey le nombró compositor de cámara. Rameau es considerado uno de los mayores compositores de la escuela francesa, cuyas óperas tienen una enorme importancia histórica, y uno de los más grandes doctrinarios de la ciencia musical; en este aspecto se le considera fundador de la teoría armónica propiamente dicha teoría del encadenamiento natural de los acordes. Rameau fue un innovador y no solo en la teoría, sino también en la práctica de la armonía; sus atrevidas modulaciones y sus composiciones a varias partes señalan un notable progreso respecto a sus predecesores. Fue uno de los primeros en utilizar los recursos de los matices de la orquesta, y ampliando la estructura de la obertura inició el camino que luego habían de seguir las sinfonías de Haynd y Mozart A pesar de que sus óperas no se representaban mucho tiempo, debido en gran parte a que los libretos eran muy flojos, y en parte para su debilidad en escribir para la voz. Rameau es uno de los grandes maestros de la música francesa. Nació en Dijón el 25 de septiembre de 1683, y murió en París, el 12 de septiembre de 1764.
OBRAS DE JEAN- PHILIPPE RAMEAU
OPERAS
Hippolyte et Aricie (1733)
Castor et Pollux (1737)
Dardanus (1739).
Le temple de la Gloire (1745).
Zaïs (1748).
Zoroastre (1749).
Acante et Céphise (1751).
Lysis et Delia (1754).
Daphné et Eglé (1753).
La naissance dÓssiris (1754).
Zephire (1757).
Nelée et Mithis (1757).
Le retour d´Astrée (1757)
Les surprises de l´amour (1759).
Les sybarites (1760)
Les paladins (1760)
BALLETS
Les indes galantes (1735)
Les fêtes d´Hebé (1739)
Les fêtes de Polymnie (1745)
La princesa de Navarre (1747)
Les fêtes de l´Hymen et de l´amour (1747)
Zaïs (1748)
Pygnalion (1748).
Platée (1749).
La Guilande (1751).
Anacréon (1757).
OBRAS PARA CLAVECIN
Premier livre des piéces de clavecin
Pièces de clavecin avec una méthode pour la mécanique des doigts.
Pièces de clavecin avec des remarques sous les differentes genres de pièces de musique.
Nouvelles suites de pièces de clavecin.
Pièces de clavecin en concert
pièces de clavecin avec une table pour les a´gréments.

• Cantatas
• Motetes
• obras teoricas
• Traité d´harmonie rèduite à ses principes naturels.
• Plan abrégé d´une méthode nouvelle d´accompagnement.
• Génération harminique.
• Code de musique pratique.
• Demonstration du principe de l´harmonie.

Scontrino , Antonio

Compositor italiano. Fué un musico verdaderamente precoz, pues a la edad de 7 años ya tocaba el VIOLONCELLO en una orquesta dirigida por su padre. Empezó luego los estudios sistemáticos de música en el Conservatorio de Palermo, en donde estuvo por espacio de nueve años, tras los cuales inició un viaje de conciertos por toda Italia del Sur. Pasó luego a Munich, donde estudió la música alemana, y seguidamente fue a Inglaterra, colaboró con la orquesta Maplesón, y por último regresó a su país, donde primero se estableció como profesor en Milán, y luego se le nombró sucesivamente profesor del Consevatorio de Palermo y del Real Instituto Musicale de Florencia. Como compositor son importantes sus obras para orquesta, entre las cuales figuran la obertura de la obra de Marenco Celeste, ilustraciones musicales para la Francesca da Rimini,, de D´Annunzio, una Sinfonía Marinesca, una Sinfonia romántica, etc. Compusos también obras para instrumentos de cuerda, solos o con piano, unas cincuenta canciones( entre ellas el ciclo La vie interieure) , música religiosa, obras corales y para voces solas, y cinco óperas: Il progettista, Matelda, Sortilegio, Cortigiana y Gringoire.. Nació en Trápani (Sicilia) en 1850; murió en Florencia en 1922.

Consevatorio SCONTRINO

Albinoni ( Tomaso)

Tomaso Albinoni
Tomaso Albinoni (14 de junio, 1671, Venecia, Italia - 17 de enero, 1751, Venecia) fue un compositor italiano de música barroca. Escribió alrededor de cincuenta óperas, pero es mayormente conocido por su música instrumental, especialmente sus conciertos para oboe.
Discipulo de Legrenzi.Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastian Bach el cual escribió al menos dos fugas sobre temas de Albinoni y utilizó constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos.

El Adagio de Albinoni es una reconstrucción de 1945 debida a Remo Giazotti sobre un fragmento de un movimiento lento de una sonata para trio.

Obras
Concierto para violín y orquesta (1710)
Concierto para oboe, opus 9 nº 2 (1722)
Concierto para oboe, opus 9 nº 8 (1722)
Sonata en Sol Menor (1740)

Jean de Grouchy

Juan de Grocheo (Jean de Grouchy)

Jean de Grouchy
[Grocheo; Grocheio]
v. 1255-v. 1320, France

La espantada.

L'estampie

El stantipe es una composición musical sin palabras con la progresión melódica complicado (habens difícil discretionem concordantiarum) y se divide en puntos (puncti). Debido a su dificultad, totalmente ocupa la mente del intérprete y el oyente, y muchas veces distrae la mente de los malos pensamientos ricos. Y yo le digo que su carácter está determinado por los puntos, porque carece de la medición precisa se ​​encuentra en el ductia, y se distingue sólo por los puntos. Algunos puntos para establecer la impresión a seis, de acuerdo con los seis vocales, otros basados ​​en los siete partidos y guiados por su instinto natural, a septiembre, para Tassyn ejemplo, es tal que las impresiones son de siete cuerdas o composiciones Tassyn difícil.

Teórico musica francés autor de un tratado de especial importancia para la historia de la música medieval; en él dedica una parte importante a la música profana, dando la definición de una serie de formas de la misma y formulando normas de escritura. Vivia hacia 1300.

Tradución de google. Fuentes Musicología.

Divide la música en tres categorías

1 - Musica simple. (profano y vulgar)
2 - Composición (de acuerdo con los cánones de la medición)
3 - Ecclesiastica

En otras palabras, la música popular, la música el arte y la música de la iglesia. En general, los teóricos del palo académico de Boecio propuesta, a saber, la world music, música humana y la música instrumental. Así que hay un reconocimiento de los géneros musicales, revelando una independencia intelectual ecertaine de Jean de Grouchy de las instituciones. Su tratado de reservar un lugar en sus propias observaciones. Por lo tanto, le da las transcripciones de las danzas populares, por el cual uno puede darse cuenta que los métodos empleados están cerca de nuestros modos mayor y menor (J. Wolf:. Muere Tänze de Mittelalter "Archiv für Musikwissenschaft" (I) 1918 a 1919).

También tenga en cuenta: Las reglas del tono eclesiástico no son aplicables a las canciones, ductiae, impresiones. (No por tonum cognoscimus cantus vulgarem, ductiam, stanpidem).