Julio Alfredo Jaramillo Laurido, nació el uno de Octubre de 1935, en un pequeño departamento en Gómez Rendon y Villavicencio en la ciudad de Guayaquil. El dia de su muerte, 9 de Febrero de 1978 la multitud ocupó varias cuadras a la redonda e interrumpió el tráfico. y seguía llegando la gente y muchos grupos comenzaron a cantar Fatalidad y Nuestro Juramento. Julio Jaramillo caminó por las mismas calles que nosotros, se guarecio bajo los mismos portales y cantó debajo de los mismos balcones, y aun asi tuvimos que esperar el cariño que vimos en su entierro para comprender el significado que tuvo su vida y su trayectoria musical. Recien nos dimos cuenta que del error que habiamos cometido cuando lo dejamos partir, de la forma que lo hicimos, a buscar en otros paises el reconocimiento que aqui se le negaba. El artista fue velado en el Palacio Municipal de Guayaquil. Una vez en el Salon de la ciudad se organizó un acto sencillo. El Alcalde Raul Baca no estaba, nadie recuerda tampoco a un concejal, a ningun representante del Gobierno militar.
Julio Jaramillo Jaramillo es una leyenda y a la hora de calificar a los valores que Ecuador ha tenido a lo largo de esta centuria, sin duda alguna sera considerado como el cantante del siglo. Nuestro JuramentoCancion que lo hizo famoso y su disco rompió records de venta que aun hoy, habiendo transcurrido mas de cuarenta años, cuesta mucho alcanzar. De pronto, Ecuador fue mas visible que nunca en el mapa. Desde México hasta Buenos Aires, pasando por Lima y Caracas sus discos estaban de moda. Julio no se dió cuenta de lo que estaba ocurriendo hasta que llegó a Montevideo y una multitud de fanáticos lo fue a recibir para volverlo a bautizar como Mr Juramento
Su Musica y Canciones
Rondando tu esquina Un disco mas y Niegalo todo Odiame Nuestro Juramento Juramento Carnaval de la Vida Fatalidad Alma Mia
ELVIS EN FILATELIA. Muchos paises han sacado sellos de Elvis como un reclamo para llenar un poco las arcas medio vacias de dinero. Normalmente los pauses del tercer mundo han visto un filón en la publicación de estos sellos. Hay mucha gente , como yo que somos adictos a estos sellos. Se revalorizan con bastante facilidad, pues están muy buscados.
Original sellos de la Isla de Man de Bee Gees, representa un disco . Bee Gees es uno de los grupos de mayor vida dentro de la música. Barry, Robin y Maurice han hecho historia con grabaciones que abarcan un período de más de 40 años. Historia de éxitos permanentes, desde aquel New York mining disaster 1941, hasta la explosiva fiebre de la música disco de los años 70; desde su regreso al nº 1 con You win again, hasta los años 90 con discos tan innovadores como High civilization o This is where I came in. Bee Gees ha vendido más de 110 millones de discos en toda su historia, de los cuales unos 40 pertenecen a la banda sonora Saturday night fever (1977), la más vendida de la historia. Hay una etapa, no tan conocida por algunos, que abarca la década de los 80. Durante esos años, el trío se centró en la composición y producción de álbumes de destacados solistas como Barbra Streisand, Dionne Warwick, Diana Ross o Kenny Rogers y Dolly Parton. También por esa década realizaron diversos trabajos como solistas. En 2001 editaron el doble álbum Their greatest hits - The record que resumía algo más de cuatro décadas de música y en el que incluyeron, además de sus grandes éxitos, esos temas que compusieron para otros y que nunca incluyeron en sus propios discos. (26/06/2002)
Grupo formado por los hermanos Gibb: Barry (nacido el 1 de septiembre de 1947 en Douglas, Isla de Man, Inglaterra) y los gemelos Robin (mayor por unos minutos) y Maurice (el 22 de diciembre de 1949, Douglas). El trío debutó en 1955 como los Blue Cats, interpretando versiones de Tommy Steele y Lonnie Donegan, en el Club Manchester, donde su padre Hugh, dirigía la Hughie Gibb Orchestra. Su madre, Barbara, era cantante.
En 1959, poco después del nacimiento de su último hermano, Andy, los Gibb emigraron a Brisbane (Australia). Todos los domingos actuaban en el Speedway Circus de Brisbane y se hacían llamar Rattlesnakes. Conocieron entonces a Bill Good (organizador de carreras de caballos) quien les presentó al DJ Bill Gates. Poco después Bill se convirtió en su mánager y ponía las grabaciones de los Gibb en su programa de radio Clatter Chatter en la emisora 4KQ. Interesado en la música de los hermanos, Good les puso el nombre de B.G's, por las iniciales suyas y las de Gates, y no por las iniciales de Brothers Gibb, como popularmente se cree.
Llegó entonces el debú en televisión, en el programa Anything goes, y también hicieron asiduas apariciones en otro show del canal BTQ7. Después se instalaron durante seis semanas en el Hotel Beachcomber, en Surfers Paradise, Brisbane.
En 1962 se trasladaron a Sidney, donde tocaron en el Sidney Stadium en un concierto cuyo cabeza de cartel era Chubby Checker, ya entonces se llamaban The Bee Gees. Comenzaron a escribir y su primera composición fue Let me love you. También disfrutaron del primer éxito en listas de una de sus canciones: Starlight of love de Col Joye se situó en lo más alto de las listas australianas.
En 1963 fueron fichados por Festival Records y publicaron varios singles, entre ellos Wine and women.
En 1965 se unieron al director musical Bill Shepherd y al productor Ozzie Byrne y firmaron con Spin Records. Tras lanzar varios singles, que subieron a las listas australianas, grabaron su undécimo sencillo, un tema escrito por Barry llamado Spicks & specks.
En 1967 el grupo regresó a Gran Bretaña tras un viaje de cinco semanas en barco y con Spicks & specks liderando las listas australianas. Por ese tiempo, el empresario musical Robert Stigwood, un consumado showman, se había asociado a Brian Epstein en NEMS Enterprises (la compañía que llevaba a The Beatles).
Stigwood era un australiano que había cambiado Adelaide por Londres en 1956, y tras ver a Bee Gees en una audición en el Saville Theatre de Londres, estuvo inmediatamente seguro de su éxito. Entonces se convirtió en su mánager y les consiguió un contrato discográfico con el sello Polydor. Como Barry dijo después: "Robert nos abrió muchas puertas e hizo que las cosas ocurrieran como nadie más lo hubiera hecho". Volvió a publicarse Spicks & specks y no fue precisamente un éxito mundial. Sin embargo, el siguiente single, New York mining disaster 1941, lanzado en abril de 1967, triunfó a ambos lados del Atlántico.
El álbum Bee Gees 1st (1967) impulsó igualmente la carrera del grupo, llegando al nº 7 en Gran Bretaña y al nº 8 en las listas americanas.
En 1968 se publicaron cuatro álbumes de Bee Gees: Horizontal, Idea y dos colecciones de temas de álbumes australianos titulados Rare, precious & beautiful (Volumen 1 y 2). Ese año Barry, Robin y Maurice ofrecieron conciertos en radio y televisión e incluso encontraron tiempo para escribir canciones para otros artistas. Como explicaba Robin: "Escribimos sobre todas las cosas, sobre lo que ocurre día a día, experiencias personales, cualquier cosa que hayamos escuchado en las noticias o leído en los periódicos. Algunas veces escribimos canciones basadas en nuestras opiniones personales. Solíamos componer de forma individual, pero ahora, cada nueva composición de los Bee Gees se hace en conjunto".
En 1969 llegaron Rare, precious & beautiful, Vol. 3, el doble álbum Odessa y Best of The Bee Gees, una compilación de los grandes éxitos de su carrera.
En los años 70 fue inevitable que el éxito se les subiera a la cabeza. El ego juvenil, entre otras cosas, hizo que se produjera una ruptura temporal. Robin publicó un álbum en solitario, Robin reign, mientras Barry y Maurice continuaron como Bee Gees y grabaron el álbum Cucumber castle (de ahí que en la portada en la que aparecen vestidos de caballeros medievales, sólo salgan Barry y Maurice). Maurice co-protagonizó el musical del West End "Sing a Rude Song" y se encargó de su banda sonora. Ambos grabaron, igualmente, álbumes en solitario, pero justo cuando Robin hizo su segundo disco, los hermanos decidieron reunirse de nuevo. Una serie de singles de éxito siguieron a continuación, así como los álbumes "2 years On", "Trafalgar", "To Whom It May Concern" y "Life in a Tin Can". Pero cuando el álbum, titulado de forma caprichosa "A Kick in the Head is Worth Eight in the Pants", fue rechazado por su compañía de discos, llegó el momento de un cambio de dirección hacia un sonido más R&B. Igualmente buscaron un nuevo productor. Según dice Maurice: "Cuando comenzamos a trabajar con Arif Mardin, todo cambió. Arif modificó la química del grupo". "Mr. Natural" fue el álbum de transición, pero "Jive Talking", de su sucesor "Main Course", llevó el nuevo sonido de Bee Gees a las radios.
Desde ese momento, y comenzando con "Children of the World" y "Here At Last-Live", los años 70's fueron de Bee Gees. Stigwood les pidió entonces que escribieran canciones para una película que él mismo iba a producir, "Saturday Night Fever", que se convirtió en la banda sonora más vendida de todos los tiempos. Además de escribir y producir los éxitos de Ivonne Elliman ("If I Can't Have You") y Tavares ("More than a Woman"), Bee Gees grabaron varias canciones para ese disco, como "Staying Alive", "Night Fever" o "How Deep Is Your Love". Cuando la película se estrenó en 1977, no sólo asentó la carrera en Hollywood de John Travolta, sino que revitalizó la escena de la música disco, creando furor por el baile y estableciendo una moda que influyó más allá de los 70's. La banda sonora rápidamente se convirtió en un documento definitivo de la era de la música disco, liderando las listas durante 24 semanas.
Bee Gees se hicieron las mayores estrellas musicales del momento. El primer single, "Staying' Alive", fue solo uno de los tres números 1 del álbum; le siguieron "How Deep Is Your Love" y "Night Fever". Después del tropezón que para ellos supuso su participación y protagonismo junto a Peter Frampton en el filme musical "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", regresaron en 1979 con "Spirits Having Flown", otro enorme éxito que incluía los números 1: "Tragedy", "Too Much Heaven" y "Love You Inside Out".
Ese mismo año vio la luz un doble elepé antológico que recopilaba veinte grandes canciones como "You Should Be Dancing", "Too Much Heaven", "If I Can't Have You", "More Than A Woman" y "Nights On Broadway", entre otras. Su hermano pequeño, Andy, había también comenzado un meteórico ascenso a la cima. Su primer single "I Just Want To Be Your Everything", fue el primero de tres números 1 consecutivos en las listas norteamericanas, convirtiéndose así, en el primer solista que consiguió llegar a lo más alto con sus tres primeros singles. Desgraciadamente, las drogas y el alcohol acabaron con la salud y la vida de Andy Gibb. El pequeño de los hermanos Gibb murió en 1988 a los 30 años. Su padre, Hugh nunca superó esa pérdida y falleció cuatro años más tarde.
Después del tremendo éxito conseguido, Bee Gees sufrieron un retroceso en su carrera en los años 80 y las emisoras de radio americanas no quisieron poner la música de su álbum "Living Eyes". Aunque su sonido continuaba derivando de las raíces del R&B, todo el mundo les relacionaba con la música de baile, lo que no les favorecía en absoluto. No se desanimaron por ello, y se centraron entonces en la composición y producción de otros artistas, creando brillantes trabajos aclamados por la crítica: Barbra Streisand ("Guilty"), Dionne Warwick ("Heartbreaker"), Kenny Rogers y Dolly Parton ("Island in the Stream") y Diana Ross ("Chain Reaction"), entre otros. Emprendieron proyectos en solitario: Robin con sus álbumes innovadores en técnicas de grabación, en los que utilizó por primera vez el sampler ("Secret Agent" y "Walls Have Eyes"), y Barry con sus trabajos "Now Voyager" o "Hawks", este último, banda sonora de una película producida por él mismo.
Cuando regresaron de nuevo en 1986 con el álbum "ESP", fueron calurosamente acogidos en todo el mundo. El single "You Win Again", fue un nº1 en todas partes, menos en Estados Unidos, donde todavía estaban "empachados" de la época de la música disco de los Gibb. Tras la muerte de Andy, Maurice recayó en el alcohol y Bee Gees se retiraron por un tiempo, hasta que en 1989, resucitaron con "One", otro éxito en Europa. Después de "High Civilization" en 1991 y "Size Ins't Everything" en 1993, llegó otro período de hibernación, antes de su retorno en 1997 con "Still Waters Run Deep", cuyo lanzamiento coincidió con su entrada en el Rock and Roll Hall of Fame.
Ese año también recibieron numerosos premios en reconocimiento a toda su carrera por parte de los American Music Award, los Brit Awards, los German Bambi Awards, los Word Music Awards y los Australian Record Industry. A finales de 1991 apareció el cedé "Bee Gees Story" que recogía veinte de sus más grandes canciones escritas desde sus comienzos como "Holiday", "Massachussets", "I Started A Joke", "Jive Talking" y "Tragedy", por citar algunas. En una ocasión Barry dijo: "Lo que más temo es que nosotros siempre seremos los Bee Gees...y no podremos seguir así pasados los 40. No quiero acabar mis días cantado en Las Vegas". Pero Barry no podía imaginar entonces que Las Vegas fue el escenario de un enorme triunfo de Bee Gees en 1997, 30 años después de su primer éxito internacional, cuando el grupo realizó su primer gran concierto en América desde 1989, "One Night Only", filmado y emitido mundialmente. El concierto se grabó igualmente para publicarse en CD, en vídeo doméstico y en DVD. Ese concierto en el MGM Grand Hotel fue mucho mas lejos que las actuaciones en nightclubs que Barry quería evitar años atrás.
El éxito conseguido les proporcionó el impulso que necesitaban para organizar una serie de conciertos "One Night Only", que les llevaría a todos los continentes. Con el álbum "One Night Only", Bee Gees conmemoraron su 30 aniversario dentro de la música e incluían sus canciones de siempre: "Massachussets", "To Love Somebody", "Words", "Closer Than Close", "Jive Talking", "Stayin' Alive", "Night Fever" y "Tragedy", entre otros. Bee Gees han terminado de grabar un nuevo disco. La fecha prevista de lanzamiento se ha trasladado al 2001 y se titulará "This is Where I Came In". Aunque anteriormente se iba a llamar "Technicolor Dream" , finalemente se cambió debido a que Technicolor es una marca registrada. La presentación en los juegos Olímpicos que el grupo tenía planeada, fue cancelada debido al cambio de fecha en el lanzamiento del álbum.
Discografía de Bee Gees:
- Bee Gees 1st (1967)
- Horizontal (1968)
- Idea (1968)
- Best of The Bee Gees (1969)
- Odessa (1969)
- Cucumber castle (1970)
- Trafalgar (1971)
- To whom it may concern (1972)
- Best of The Bee Gees Vol. 2 (1973)
- Life in a tin can (1973)
- Mr. Natural (1974)
- Main course (1975)
- Children of the world (1976)
- Here at last... Live (1977)
- Saturday night fever (1977)
- Sesame Street Fever/Sgt. Peppers Lonely Hearts (1978)
Yoko Ono Lennon - nacida el 18 de febrero de 1933) es una artista estadounidense nacida en Tokio (Japón).
Esposa de John Lennon. Lennon le dedicó gran parte de su trabajo, canciones y discos. Ambos se casaron en Gibraltar.
Yoko Ono es una de las más importantes artistas de vanguardia de la década de los 60s, era integrante del grupo Fluxus. Muchos la consideran hoy una de las artistas que más influencia tuvieron en la formación del género y la cultura punk.
Adepta del arte conceptual, Yoko cree que las ideas son el motor y la esencia de la obra de arte, podiendo llegar a ser incluso más importantes que su forma física y el empleo de técnicas de realización. En el arte conceptual, el contenido, el mensaje, el estímulo al pensamiento y la crítica son ya por si mismos el arte. Yoko llegó al punto de componer canciones que solo existian en su mente, de organizar conciertos en que el público tenía que imaginar por si mismo la música que oía. Editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte, Grapefruit, varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destacan las obras-maestras Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 1970) y Season Of Glass (años 1980). En los años 1990, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Rising y Blueprint For A Sunrise. Hasta hoy, sus mayores éxitos han sido Walking On Thin Ice y, en menor nivel, Never Say Goodbye. Sus discos en colaboración con John Lennon incluyen Unfinished Music 1: Two Virgins, Unfinished Music 2: Life With The Lions, Wedding Album, Somewhere In New York City: Live Jam, Double Fantasy y el póstumo Milk & Honey.
En los últimos años, un proyecto de remezclas de sus antiguos clásicos ha tenido muchísimo éxito, y muchas de sus más clásicas y hasta entonces desconocidas canciones accedieron a los primeros puestos de las paradas Dance/Club Play de Billboard, como Walking On Thin Ice, Hell In Paradise, Everyman, Everywoman y Open Your Box.
Gran parte de la obra de Yoko (artes plásticas y música) trata de temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Una característica marcante de su arte (canto, escritura, música, películas, dibujos etc.) es la economía de recursos generadores de un máximo efecto. Los mismos motivos resurgen en su obra en diversos momentos, adaptados, reaprovechados y cargados de nueva significación.
Discografía (solo) 1970 Yoko Ono/Plastic Ono Band Rykodisc AMG Track Picks Includes Why, Touch Me, Open Your Box
1971 Fly Rykodisc AMG Track Picks Includes Midsummer New York, Don't Worry, Kyoko (Mummy's Only Looking for Her Hand in the Snow), Don't Count the Waves, Fly
1973 Approximately Infinite Universe Rykodisc AMG Track Picks Includes Death of Samantha, Approximately Infinite Universe, What a Bastard the World Is
1973 Feeling the Space Rykodisc AMG Track Picks Includes Growing Pain, Yellow Girl (Stand by for Life), Woman Power
1981 Season of Glass Rykodisc Includes No, No, No
1982 It's Alright (I See Rainbows) Rykodisc AMG Track Picks Includes Loneliness, Tomorrow May Never Come
1985 Starpeace Rykodisc AMG Track Picks Includes Hell in Paradise, Rainbow Revelation, I Love You, Earth
1995 New York Rock [Original Cast] Capitol
1995 Rising Capitol AMG Track Picks Includes Talking to the Universe, Where Do We Go from Here?, Rising
1997 A Story Rykodisc AMG Track Picks Includes Loneliness, Tomorrow May Never Come, She Gets Down on Her Knees
John Winston Lennon (9 de octubre de 1940 - 8 de diciembre de 1980), es uno de los músicos y compositores más destacados de la música rock. Integrante y fundador del grupo The Beatles (donde tocaba la guitarra, cantaba y componía gran parte del material junto a su compañero Paul McCartney). Lennon ha compuesto algunas de las melodías más conocidas del siglo XX. Biografía Nacido el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, Inglaterra, bajo las bombas que la Luftwaffe alemana arrojaba sobre la ciudad. Su padre era un marino, Alfred Lennon, y su madre era Julia Stanley. Como su padre viajaba mucho, Julia se sentía sola, así que terminaron por divorciarse cuando John tenía cuatro años. Como su madre se desentendió de él, porque se consideraba incapaz de criarlo, lo dejó con su tía Mimi Stanley y su tío George, con quien vivió toda su infancia y juventud. John creció escuchando a Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles, Buddy Holly y muchos otros fenómenos del country, y el rhythm and blues. Estudió en la Escuela de Arte de Liverpool donde comenzó a escuchar rock and roll norteamericano. En la escuela de Bellas Artes conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo sería su primera esposa.
Formó varias bandas antes de llegar, finalmente, a los Beatles. "The Quarrymen", Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles fueron los nombres de estas bandas en las que se hacía acompañar por sus amigos de la escuela (entre ellos Stuart Sutcliffe). También fue él quien ideó el nombre "The Beatles", que según dijo públicamente, se le ocurrió en un sueño en el que una especie de duende le decía que tenían que llamarse "Beatles", como "Beetles" pero con una "a". Sin embargo, la realidad es que se le ocurrió a la hora de asemejar "Beetles" con la palabra "Beat" (ya que la música que querían hacer se denominaba Beat Music). El nombre del grupo evolucionó de "John & the Silver Beetles" a "John Silver & the Beetles", y de ahí y después de la transformación de la palabra "beetles" pasó a llamarse simplemente "The Beatles". Fue en 1956, en una tocata en una iglesia, que John conoció a Paul McCartney (quien quedó impresionado por el carisma de Lennon, que en ese pequeño concierto cantaba cambiando las letras de las canciones), a quien invitó a unirse al grupo porque podía tocar la guitarra y además, afinarla, un reto imposible para muchachos de esa edad. Más tarde entraron a la banda George Harrison, propuesto por McCartney, y que tuvo que pasar una especie de prueba (para saber si sabía tocar bien la guitarra) delante del resto de integrantes del grupo para poder formar parte de él, y Pete Best, quien después sería reemplazado por Ringo Starr para así conformar la clásica alineación de los Beatles. Pete Best dejó cada vez más de lado al grupo, que tenía que pedir a Ringo Starr (al que conocieron porque tocaba en el mismo local alemán que ellos con su grupo) que le sustituyese.
La madre de John murió atropellada por un policía borracho provocando en John un trauma del que nunca llegó a recuperarse, llegando a escribirle una emotiva canción el año 1970 con The Plastic Ono Band, titulada, " Mother ".
En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer single, " Love Me Do " y ya para 1963 tendrían su primer disco de larga duración,Please Please Me. Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco With The Beatles.
En agosto de 1962 se celebra la boda de John y Cynthia Powell. De su matrimonio nacerá Julian.
Lennon siempre fue el alma rebelde del grupo, el intelectual, el que en 1966 se atrevió a decir una frase que la prensa malentendió: «The Beatles son más populares que Jesucristo.» Esto causó gran conmoción en la comunidad Cristiana, hasta el punto de que en muchos lugares del mundo la gente empezó a quemar los discos de los beatles públicamente). Después de que se formara tanto escándalo por su declaración, declaró: "« No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa »", y alegó que había sido malinterpretado.
Fue al que se le ocurrió grabar las guitarras dos veces, superpuestas, para lograr el extraño efecto de And Your Bird Can Sing (incluida en Revolver (1966) o, en el mismo álbum, grabar una canción de un solo acorde, basada en el Libro Tibetano de los Muertos, con loops, grabaciones al revés y toda una gama de sonidos psicodélicos: Tomorrow Never Knows. Los extraños efectos siempre le interesaron, por ejemplo podría decirse que fue el primero que introdujo el fenómeno de la "realimentación", el cual introdujo al principio de la canción "I Feel Fine". Descubrió ese efecto en un ensayo, al darse cuenta de que si tocaba una cuerda de su guitarra y se acercaba al altavoz mientras la cuerda aún vibraba, ésta continuaba vibrando más tiempo por el efecto de la vibración del altavoz en ella.
Sus canciones con los Beatles siempre fueron más viscerales, casi confesionales, como la popular Help!, que fue una llamada de auxilio al mundo ya que se sentía muy deprimido, y la balada folk You’ve Got To Hide Your Love Away (con clara influencia también de Bob Dylan). Luego comenzó a experimentar con historias como la de Lucy In The Sky With Diamonds (basada en un dibujo de su hijo, Julian), Being For The Benefit of Mr. Kite! y A Day In The Life (cuyas letras están extraídas, respectivamente, de un cartel de circo de finales del XIX y de un diario matutino).
En 1966 conoció en un museo a Yoko Ono con quien contrajo matrimonio después de divorciarse de Cynthia Powell. Yoko, artista también, lo indujo a experimentar aún más allá de la música. La prueba es el extrañísimo track Revolution 9, incluido en el disco The Beatles (1968) (también conocido como "el álbum blanco"). Dichas experimentaciones sonoras y estéticas también forman parte de los álbumes Two Virgins y Life With The Lions (1968 y 69, respectivamente). Yoko Ono siempre ha sido criticada por algunos fans, que le echan la culpa de la separación de los Beatles. Este "mito" viene de que Lennon y Yoko Ono no se separaban en ningún momento, hasta el punto de que ella asistía a todas las grabaciones de The Beatles (lo cual parecía molestar a los demás integrantes).
Junto a Yoko Ono y al primer ministro canadiense Pierre ElliottEn 1970, tras la separación de los Beatles, Lennon comenzó una carrera de solista nutrida de canciones clásicas. La rivalidad que existía entre Lennon y McCartney tras la disolución del cuarteto se hace evidente en canciones de Lennon, como How Do You Sleep, en la que le reclama: «Lo único que hiciste fue 'Yesterday'...». También mostró su rivalidad hacia McCartney incluyendo en "Imagine" una foto de Lennon sujetando a un cerdo (como insulto hacia McCartney a quien llamaba así despectivamente).McCartney respondió a ese ataque con la portada de su disco "Ram", en la que McCartney aparece sujetando de igual forma a una cabra.
Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época Beatles, pero tocaron fondo con canciones como Power To The People. En 1971, una canción política, pero edulcorada, se convierte en lo más conocido de Lennon, considerado por muchos casi como un himno: Imagine. Por esos años decide mudarse de Londres a Nueva York, pero tuvo problemas para tramitar una visa (se dice que el presidente Richard Nixon lo veía como una amenaza). Al fin, Lennon pudo quedarse en Estados Unidos, iniciando una campaña política con conciertos y manifestaciones a favor de "LA PAZ"
En sus discos siguientes mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y sus amigos (entre los que se contaban George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John y David Bowie). De los temas compuestos como luego de la separación de los Beatles solo el tema Woman llego al primer lugar en cartelera en vida del cantante (Imagine lo lograría despues de su muerte), pero seguía siendo respetado como 'el genio Beatle', además de sustentar una carrera solista en sus convicciones estéticas, musicales y políticas, no dejándose llevar por el mercado comercial.
En 1975, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, después de un aborto: Sean Taro Ono Lennon. Yoko se encargó de los negocios y John se convirtió en una ama de casa, dispuesto a cuidar en todo momento a Sean, incluso abandonando su carrera musical.
Cinco años después, en 1980, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: Double Fantasy. El álbum fue un éxito, con sencillos como Beautiful Boy, (Just Like) Starting Over, Watching The Wheels y la rockerísima I'm Losing You. Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo, Milk and Honey. Una noche, al terminar de grabar, con Yoko, unas pistas, sobrevino la tragedia.
Mosaico en el Central Park, Nueva York, Estados UnidosMurió asesinado la noche del 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, Estados Unidos, por un fanático desequilibrado, Mark David Chapman, que le disparó con un revolver, cinco balazos mortales después de pedirle un autógrafo esa mañana, a las puertas del domicilio de Lennon, el edificio Dakota, presuntamente un elaborado plan para eliminar a lennon, de los E.U.A. Desde entonces han salido a la venta miles de recopilaciones y homenajes, como una demostración de cariño y respeto al que es uno de los más grandes y más influyentes músicos del siglo XX.
[editar] Discografía oficial Unfinished Music #1: Two Virgins (con Yoko Ono) (1968) Unfinished Music #2: Life With The Lions (con Yoko Ono) (1969) Wedding Album (con Yoko Ono) (1969) Live Peace In Toronto (En vivo) (1969) John Lennon / Plastic Ono Band (1970) Imagine (1971) Sometime In New York City (con Yoko Ono) (1972) Mind Games (1973) Walls And Bridges (1974) Rock 'n' Roll (1975) Shaved Fish (Recopilación) (1976) Double Fantasy (con Yoko Ono) (1980) The John Lennon Collection (Recopilación) (1982) Milk And Honey (con Yoko Ono) (1984) Live in New York City (En Vivo) (1986) Menlove Avenue (Recopilación Grabaciones 1973-74) (1987) Imagine: Music From The Motion Picture (Banda Sonora) (1987) Lennon (Recopilación 4 CDs) (1990) Lennon Legend: The Very Best Of John Lennon (Recopilación) (1997) John Lennon Anthology (Recopilación) (1998) Wonsaponatime (Selecciones de Lennon Anthology) (1998) Acoustic (Recopilación) (2004) Peace, Love & Truth (Recopilación) (2005) Working Class Hero: The Definitive Lennon (Recopilación) (2005)
Elvis Presley.Elvis Aaron Presley (Tupelo, Mississippi, 8 de enero de 1935 - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977), cantante de música rock estadounidense considerado un ícono de la música popular que inspiró a muchos cantantes, tanto dentro como fuera del género rock.
Considerado el Rey del Rock and Roll, también intervino en numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. A menudo es llamado simplemente Elvis o El Rey.
Vida y obra Hijo de Vernon y Gladis Presley, fue fruto de un embarazo gemelar, aunque su hermano gemelo murió al nacer. Presley pasó su infancia y adolescencia en Memphis, donde trabajó de camionero. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir 10 años. Desde niño, le apasionaba por igual la música blues, el gospel, así como la música country y el pop, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que incluían la música mexicana y la ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, así como por Arthur Crudup, y todos los cantantes y músicos de lo que se llamaba entonces la música blues rural.
A los 19 años, como regalo de cumpleaños para su madre, grabó un disco con dos temas en los estudios Sun Records, "My Happiness" y "That's When Your Heartaches Begin". El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llego a oírlo, hasta que regresó dos veces más, también grabando dos canciones en cada oportunidad, luego de lo cual quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que tendría gran éxito en Memphis.
Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del country y del blues. Con la edición de su primer tema de este género, "That's All Right, Mama", de Arthur Crudup, creó una de las imágenes mas clásicas del rock and roll. Habiendo conquistado la ciudad de Memphis, así como algunos mercados regionales en el sur de los Estados Unidos, en 1955, fue observado por Tom Parker quien gestionó, a finales de ese año, su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares, y un Cadillac para Presley.
Con su primer tema para la RCA, "Heartbreak Hotel", consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como lo fue durante su tercera aparición en el show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los records de venta, alcanzando 11 #1 seguidos en la lista de sencillos, y 4 #1 en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.
Tumba de Elvis Presley, Graceland, Memphis, Tennessee.Entre 1958 y 1960 estuvo ausente de los escenarios para realizar el servicio militar en Alemania. Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra con quien cantó una canción. Recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.
En los años 60 Presley se dedicó a actuar en películas de mediana calidad, rodando unas tres películas por año, hasta un total de 31. En 1965 le comentó a John Lennon respecto a su próxima película: "Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero". Presley admiraba sinceramente a los Beatles pero, luego, al estos cambiar su imagen a finales de los anos sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas. Su hegemonía en el mundo del rock llegó a su fin en 1964.
En 1967 Presley se casó con Priscilla Beaulieau, con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie. En 1968, volvio al top de los hits parades norteamericanos luego de un exitoso show de televisión. Su último gran concierto lo ofreció en Hawaii, en 1973, evento que fue presenciado por más de 1.000 millones de telespectadores en 40 países. Durante los cuatro años siguientes, su salud, debido a los excesos, se fue debilitando cada vez mas, hasta que finalmente falleció en Memphis, en su mansión, Graceland, el 16 de Agosto de 1977.
Principales películas Love Me Tender (1956) Loving You (1957) Jailhouse Rock (1957) King Creole (1958) G.I. Blues (1960) Flaming Star (1960) Wild in the Country (1961) Blue Hawaii (1961) Follow That Dream (1962) Kid Galahad (1962) Girls! Girls! Girls! (1962) It Happened At The World's Fair (1963) Fun in Acapulco (1963) Viva las vegas (1964) Kissin Cousins (1964) Roustabout (1964) Girl Happy (1965) Tickle Me (1965) Harum Scarum (1965) Frankie and Johnny (1966) Paradise, Hawaiian Style (1966) Spinout (1966) Easy Come, Easy Go (1967) Double Trouble (1967) Clambake (1967) Stay Away Joe (1968) Speedway (1968) Live a Little, Love a Little (1968) Charro (1969) The Trouble With Girls (1969) Change Of Habit (1969) That's The Way It Is (documental) (1970) Elvis On Tour (documental) (1972) In Concert (documental) (1977)
Nació con el siglo, en 1901, hijo de una prostituta. A su muerte, en 1971 todos coincidían en que él hizo posible que el jazz dominara la centuria
Con Louis Armstrong ni el blues era triste. Su amplísima sonrisa desmentía la idea de los blancos de que los cantos negros son dolidos. La música de Armstrong era vital, alegre, optimista. Tal vez por esto, tuvo que soportar que le dijeran que era una estrella negra sometida a los gustos blancos. Y, aunque Armstrong buscó desde temprano los aplausos del gran público - el dinero- , su trascendencia la cimentó aún antes de ser famoso. Lo hizo en los años veinte y treinta, cuando comenzó su carrera vertiginosa desde el barrio libertino de Storyville, en Nueva Orleans, a Chicago, Nueva York y el mundo. Cuando murió en 1971, el consenso entre todos los músicos norteamericanos fue que el Jazz era la música del siglo y Amstrong aquel que la hizo posible. Tal vez porque no compartió con los puristas del jazz la idea de que era una música para escogidos y por lo tanto invendible. Nacido el 4 de agosto de 1901, Louis Armstrong fue, como hijo de la prostituta Maryann, un niño de la calle. A los 11 años, un disparo al aire para festejar el Año Nuevo le cambió la vida: fue a parar al orfelinato y encontró allí su primer maestro de tambor y corneta. Salió cuando todavía usaba pantalones cortos para participar en los conjuntos de música folclórica, o acompañar los funerales negros. Para 1923 Armstrong era ya segundo corneta en el conjunto criollo de "King" Olivier. Tres años más tarde había revolucionado los grupos folclóricos, bulliciosos y colectivos de su ciudad. Su exigencia en calidad y técnica lo obligó a él y a los otros a profesionalizarse. "Desde él, el jazz tiene que ser tan afinado como cualquier otra música", escribió el crítico Joachim Berendt. Casado cuatro veces, fue su última esposa, la bailarina Lucille Wilson, quien más tiempo permaneció con él; pero la que le indicó el camino musical fue Lil Hardin, quien falleció en un concierto a la memoria de Armstrong, sentada al piano y ejecutando un solo, 40 años después de su separación. (SK)
Su ronquera típica
El gran público lo recuerda por la ronquera, que no pudo eliminar ni con una intervención quirúrgica, y por la forma como terminaba sus intervenciones con un "¡Oh, Yeah!" y se limpiaba el sudor con un pañuelo blanco. Sus imitadores, en cambio, todavía tiemblan al escuchar su "scat", una forma de emitir sonidos inarticulados, en vez de cantar que, se dice, comenzó a hacer el 26 de febrero de 1926. Los entendidos en la música discuten sobre la definición de su "swing". El "Swing", con mayúscula, denomina al jazz de cuatro golpes que desplazó al jazz de dos golpes y fue llevado por los músicos de Nueva Orleans y Chicago a Nueva York en los años veinte. Sin embargo, ya en sus primeros años, Armstrong realizaba una peculiar mezcla de dos y cuatro golpes por compás. El "swing" (con minúscula), que también se le atribuye a "Satchmo" es un balanceo que añade a la melodía, al ritmo y la armonía, que no puede ser captado sobre el papel. Es una acentuación de las notas, que ahora caracteriza al jazz y que, según el mito, solo puede ser realizado por el músico que lo lleve en la sangre. (SK)
Sus grabaciones
- Debido a la cadencia de su voz y al ritmo que imprimió al jazz, la música de Armstrong solamente puede ser apreciada a través de sus grabaciones. - Armstrong comenzó a grabar desde muy pronto, utilizando varias bandas y conjuntos. - Fletcher Henderson, Sydney Bechet y el pianista Earl Hines fueron sus compañeros más fructíferos. Entre los más conocidos está su disco con Ella Fitzgerald ("Porgy and Bess"). - El baterista Zutty Singleton y el mismo Bechet fueron víctimas de su carácter que no toleraba a nadie que le hiciera sombra.
En la filatelia (sellos correos), hay cantidad de temas musicales , en todos los países del mundo existen sellos que hacen referencia a la música En está categoria pondre el sello y una brve descripción de lo que representa ,aunque el tema lo ponga después en otra categoria. En esta pondré el sello correspondiente, y breve referencia de lo que representa.
Julian Aguirre. Argentina. Charango. Eduardo Caba. Bolivia Antara. Miguel Failde. Cuba . Claves Enrique Soro. Chile. Kultrum Araucano. Carlos Chavez. Mexico. Vihuela. Luis A. Delgadillo. Nicaragua. Maracas. Daniel Alomia. Perú. Quena. Juan Morell y Campos. Puerto Rico . Cuatro. Hector Villalobos. Brasil. Trompeta con resonador de calabaza. Guillermo Uribe-Holgin. Colombia. Cununo Macho. Segundo L. Moreno. Ecuador. Rondador. Ricaro Castillo. Guatemala. Marimba. Alfredo de Saint-Malo. Panama. Mejorana. José Asunción Flores.Paraguay. Arpa. Eduardo Fabini. Uruguay. Tamboril. Juan V. Lecuna. Venezuela. Cuatro.
