Para la ejecución del valor de las notas hasta la semicorchea,

Ritmo. Muchos no saben llevar el ritmo. Escuchar atentamente y medir. Redondas, blancas , corcheas , semicorcheas , tresillos de corcheas. Que se hagan semicorcheas no quiere decir que se corra más, el ritmo es el mismo siempre pero con diferentes figuras

Repetir 20 veces

Videoteoría. El dibujo del piano.

Con un video explico cual es el dibujo de las teclas del piano.
88 teclas entre blancas y negras.
Escucharlo atentamente. Para empezar a tocar el piano es necesario saber y memorizar el dibujo del piano y su sentido pra poder empezar a tocar.

5 horas con Bach

En este video disfrutaremos de la música de Bach. Para relajarnos y escuchar 5 horas a Juan Sebastian Bach.

Nació el 21 de marzo de 1685 en el seno de una familia que durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia, en Eisenach, Turingia (Alemania).

Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, Johann Ambrosius. Cuando éste falleció, se fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph, por entonces organista de Ohrdruff. En 1700 comenzó a trabajar como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg.

En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, para pasar en ese mismo año a Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. A finales de 1705 consiguió un permiso para cursar estudios con Dietrich Buxtehude, organista y compositor danés afincado en Alemania. Entre ambos músicos se estableció un relación tan positiva que su estancia Lübeck se prolongó un mes más de lo acordado. Esto levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que además se quejaban de las florituras y armonías con las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos.


En 1707 contrajo matrimonio con Maria Barbara Bach, prima segunda suya, y se trasladó a Mulhose, donde trabajó como organista en la iglesia de San Blas. Un año después regresó a Weimar como organista y violinista de la corte del duque Wilhelm Ernst. Allí permaneció durante los siete años siguientes y se convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714.

En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (c. 1707), además compuso obras para órgano y clavicémbalo. Entre 1717 y 1723 ejerció como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos para el estudio de la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado (I, 1712; II, 1742), las Invenciones (1722-1723) y elOrgelbüchlein (Pequeño libro para órgano, 1713-1717).

Tras un año de la muerte de su mujer en 1720, se casó con Anna Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior esposa. En 1723 se radica en Leipzig, ciudad donde vivió ya hasta su muerte.

Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica no le satisfacía por las disputas continuas con miembros del consejo municipal. Las 202 cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso, destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. La Pasión según san Juan y La Pasión según san Mateo también se escribieron durante su estancia en Leipzig, al igual que su Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema.

Johann Sebastian Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, falleciendo en Leipzigel 28 de julio de 1750, tras someterse a una fallida operación ocular. Dejó su influencia en músicos posteriores como Mozart, Beethoven, Mendelssohn o Chopin. 

Fuentes : busca biografías

Prueba grabación

Prueba grabación con notefling y teclado midi

Noteflights

Programaen red para ver y escuchar partituras

Acordes de séptima. Antiguo blog

Con tres notas tocadas a la vez se forma un acorde triada. Con el primer grado el tercero y el séptimo se forma un acorde de séptima ( lleva el séptimo grado). Dentro de un progresión de acordes de séptima se hacen con el : II-7, V7, Imaj7.
Presionar las imagenes par5a verlos más grandes. Yo estoy practicando toda la gama de acordes de séptima, con tres notas, con cuatro notas, con cinco notas. Hago las escalas y arpegios. Procuro hacerlos todos los días y así se quedan mejor para no olvidarlos.

Día a día en el aprendizaje del piano.

Estudiar piano todos los días.

Escalas.

Acordes.

Voicing

Tonalidades.

Estudios 

Obras

1. Nunca pases un día sinpracticar el piano, si puedes hacerlo ayudará mucho a tu perfeccionamiento. Pero si ocurre que tu tiempo es limitado, practica por lo menos diariamente sólo tus ejercicios técnicos.
2. Si no puedes arreglártelas para avanzar con el estudio de un trabajo asignado, infórmale a tu profesor antes de comenzar la lección. Unos pocos compases practicados minuciosamente son mejor ejercicio que una pieza estudiada superficialmente.
3. Nunca gastes tiempo rasgueando el piano, mejor entrena tu oído. Cuanto más practiques conscientemente, tanto más pronto serás capaz de tocar cualquier cosa que desees. Cinco o diez minutos diarios bien aplicados influirán enormemente en el desarrollo de una mejor técnica. Sin embargo, nunca practiques sin sentarte adecuadamente y sin poner completa atención en tu trabajo.
4. Nunca comiences una práctica antes de haberte establecido y dejarte en claro a ti mismo todos los detalles de las claves, el tiempo, el ritmo y el fraseo de la pieza que vas a estudiar. Piensa previamente cada compás y determina el mejor modo de tocarlo.
5. Cuando inicies un ejercicio nuevo, cúbrete cuidadosamente contra el primer error en tu interpretación. Recuerda: “Prevenir es mejor que curar”; siempre es más fácil evitar un error que corregirlo. Los dedos están demasiado adaptados a repetir los errores una vez cometidos, y así se acostumbran a los malos hábitos.
6. Cada dificultad técnica debe ser superada y dominada mediante la aplicación de un ejercicio especial. De modo similar, cada pasaje o cada parte de un movimiento debe ser practicado hasta que pueda ser tocado con la precisión de un reloj. Cada detalle de una pieza debe ser estudiado y dominado por separado, hasta que puedas reensamblar toda la melodía de un modo artístico.
7. No es útil tocar una pieza repetidas veces desde el principio al final, incluso si cada mano toca partes separadas; la mente y la memoria deben, antes que nada, haberse familiarizado con cada detalle, y los dedos deben ser entrenados, hasta que se acostumbren a superar cada dificultad con perfección y facilidad.
8. Comienza practicando lentamente, al principio, de modo tal que nunca te veas obligado a detenerte. Intenta siempre tocar estrictamente en tiempo: el ritmo y el tiempo son factores que nunca deben ser descuidados, ni por falta de paciencia, ni de energía. Los sonidos sin ritmo no tienen mayor significado que unas simples letras del alfabeto.
9. Durante las pausas, no remuevas las manos del teclado, sino que intenta utilizar el tiempo, si es necesario, avanzando a la siguiente posición. Mientras una mano se encuentra tocando, es muy fácil preparar la otra para la parte que le toca, sólo si tienes bien en claro qué es lo que ésta debe hacer. Por lo tanto, las partes que requieren un cambio en la posición de la mano deben ser practicadas por separado, hasta que la mano haya aprendido a asumir la posición adecuada y realice su trabajo de manera inconsciente.
10. Apunta siempre a lo más alto, como para alcanzar algo que valga la pena conseguirlo. Supera todos los miedos o aversiones de los ejercicios dactilares. Convéncete a ti mismo de que son tan absolutamente indispensables como las palabras y las reglas de gramática, que deben ser aprendidas primero por el corazón antes de que se pueda adquirir el conocimiento de un lenguaje extranjero.
11. Se paciente y perseverante. Esto te ayudará a superar los obstáculos y las dificultades más grandes.
12. Estate contento, si puedes, brinda a otros el placer que te produce tocar el piano. Pero no busques sobresalir por una técnica brillante, pues ésta nunca es el objeto del verdadero artista, cuyo propósito debe ser más bien la adquisición de una minuciosa educación musical.

Fuentes:  consejos para practicar el piano

Manipuri. Danza India.

Manipuri danza - Uno de los ocho indios Estilos Danza Clásica

Danza Manipuri, desde la antigua tierra de Manipur, es uno de los ocho y los mejores estilos de danza clásica de la India.

Según la leyenda, el Señor Shiva, el gran conocedor de la danza cósmica del SeñorKrishna, Radha y las Gopis, aseguró que nadie interrumpe la belleza rítmica del baile celestial. Cuando la diosa Parvati, la consorte del dios Shiva, deseaba ver la danza etérea, eligió Manipur como el lugar para la recreación de lo divino Raas Leela Danza.

Raas Leela Danza, Manipur, Crédito de la imagen: indiamike.com

Fuentes danzas Insia

Chopin preludio 2 Partituras para escuchar y seguir.

Partituras Chopin para escuchar

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Nat King Cole

Infancia y Chicago :
Su padre Don Edward Coles era carnicero y diácono en la Iglesia Baptista. Su familia se trasladó a Chicago cuando Nat era todavía un niño. Allí, su padre se convirtió en ministro de la iglesia y su madre, Perlina Adams, en la encargada de tocar el órgano de la iglesia. Fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida. Aprendió tanto jazz como música gospel, sin olvidar la música clásica.

La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.

Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la "s" de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de "King" (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en una gira junto a Eubie Blaker. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.


Los Ángeles y el "King Cole Trio" [editar]Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo "King Cole Swingers" con el que actuaron en numerosos locales. Nat se casó con Nadine Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde formó el "Nat King Cole Trio". El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al Bajo. El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.

A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de "Jazz en la Filarmónica" (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.

Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta "Sweet Lorraine" en 1940. Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante.

A principios de los años 40, el "King Cole Trio" firmó un contrato con la discográfica "Capitol Records" con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la "Capitol Records" era conocida como "la casa que construyó Nat".


Carrera como cantante [editar]Su primer éxito como cantante lo obtuvo con "Straighten Up and Fly Right", basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.

Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de "haberse vendido" a la música comercial.

Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del "Consejo de ciudadanos blancos" que pretendían secuestrarle. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.

Se casó por segunda vez con Maria Ellington con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.

En julio de 2003 musicólogos británicos encontraron importantes similitudes en la letra y los esquemas rítmicos de "Yesterday" y la canción "Answer Me" de Nat King Cole, lo que dio lugar a especulaciones de que McCartney había sido influido por esa canción [1]. Otros afirmaron que McCartney podría haberse basado inconscientemente en la versión de Ray Charles de "Georgia On My Mind" [2].

Una versión aún más confiable, ya que fue declarada por amigos del propio McCartney en 1995 pero con su anuencia, a 30 años de la edición de la canción, es que el sueño que había tenido aquella noche había sido con su madre, Mary Patricia Mohin, fallecida cuando él era un adolescente. El "¿Por qué ella tuvo que irse...?" y otras partes de la letra hacen referencia a su progenitora, y si bien se trata de una canción de amor, no lo es a una pareja sino como amor filial.


Nat King Cole en español [editar]En 1958, Nat "King" Cole extendió aun más su popularidad mundial a los países hispanoparlantes al grabar algunas de sus interpretaciones en español. Para ello, en estudios de La Habana (hoy pertenecientes a la discográfica cubana EGREM) y de México, grabó su primer LP en este idioma, titulado Cole Español haciéndose acompañar por la orquesta de Armando Romeu hijo y de un conjunto de mariachis, algo sorprendente en un artista proveniente del jazz. Este álbum le reportó tanto éxito que comenzaron a llegarle contratos para actuar en tales países. En este sentido, es de destacar que cuando Cole actuó en Caracas, en ese mismo año, contratado por el presentador de TV Renny Ottolina el cantante le preguntó por las canciones venezolanas más populares. El presentador respondió que el famoso vals venezolano Ansiedad (compuesto por José Enrique "Chelique" Sarabia) era una de ellas. Así pues, con la ayuda de Ottolina y de Sarabia, Nat "King" Cole aprendió frase por frase este tema, ya que no sabia hablar español y carecía de habilidades para aprender idiomas. Finalmente, este tema fue incluido en su siguiente álbum en español y portugués A Mis Amigos (1959). Este ciclo se cierra, con su última grabación en español titulada More Cole Español (1962).

Como curiosidad, cabe señalar que, en 1983, un empleado de la filial holandesa de su casa discográfica (Capitol Records) descubrió en los archivos, grabaciones de Cole que habían quedado inéditas a su muerte, entre ellos un tema en japonés, algunos en inglés y uno en español, titulado Eres Tan Amable. La disquera ordenó la emisión de un nuevo álbum con estas canciones, titulado "Nat King Cole: Unreleased". Después de la llegada de la tecnología del disco compacto fueron nuevamente editados estos temas.

A pesar de su acento peculiar, esto no fue obstáculo para popularizar diversos temas, entre románticos y bailables. Entre sus temas más conocidos en idioma español, destacan:

Fuentes : Wikipendia. Ir a la página.

Guimbarda. Birimbao. Instrumentos musicales del barroco.

Guimbarda

Birimbao: Idiófono punteado. También llamado guimbarda, es un instrumento utilizado en el resto de Europa y otras zonas del mundo, y en la península ibérica fue muy normal encontrarle en Galicia. El sonido se produce colocando el instrumento en contacto con los dientes y pulsando la lengüeta metálica, que con su vibración genera el sonido que luego se puede modular en la cavidad bucal. Bien tocado puede dar una nota pedal de fondo y otras que van conformando la melodía.

"Birimbao", "arpa de boca", "guimbarda"... trompa gallega. Muchos nombres y un solo instrumento musical, el más simple y universal: una lamina de hierro. El birimbao era un pasatiempo de herreros y vaqueros. Y en la lejana Fonsagrada habia muchas herrerías y duelos de birimbao. César y Emilio son los últimos tocadores.No se sabe cómo nació la afición por el birimbao en A Fonsagrada, que presume de ser uno de los pocos lugares de España donde aún suena este instrumento tradicional.
Fuentes: Tamborileros. Ir ala página

Instrumentos musicales en el Barroco

Los intrumentos musicales se desarrollaron en el barroco a partir del instrumentarium multicolor del Renacimiento. Se inventan pocos instrumentos nuevos (excepción : Hammerklavier), y a cambio se perfeccionan algunos pra la deseada expresión del afecto : los restantes pronto quedan anticuados. Encontramos entre otros (todos con muchas formas):

-En la música culta : violín, viola, violonchelo, laúd, guitarra, tiorba, arpa, clave, órgano, flauta, oboe, corneta, trompeta, trompa, timbal.

- En la música popular : instrumentos de campesinos o mendigos: violín tenor, zanfoña, guitarra, dulcemel, guimbarda, flauta suiza, flageolett, chirimia, gaita, cromorno, tambor, castañuelas, xilófono, cencerro,carraca.....

En el primer Barroco hay numerosos instrumentos de lengüeta, que desaparecen a excepción del oboe y chadumeau

Fuentes : Atlas de música,2 , Alianza atlas.

Instrumentos

Nola. Sonajas.

Nola

En la Edad Media, denominación que se dió a las campanillas o sonajas, Consideradas como instrumentos musicales. Según ciertos autores, la invención de las campanillas, derivadas de las campanas, se debe a San Paulino, arzobispo de Nola (Italia) , el cual las intridujo en las ceremonias religiosas hacia el año 412. De la ciudad en donde se usaron por primera vez tomaron el nombre.

Fuentes : Diccionario de la música


baile mejicano  Sonajas

Instrumento que consiste, según los modelos, en un cerco redondo o en un marco cuadrado de madera de dos dedos de ancho, con unas ventanitas a todo lo largo del bastidor o unos alambres que cruzan el marco, donde se colocan unas rodajas de metal u hojalata que, al ser sacudido el aro o el marco, chocan unas con otras produciendo ruido. Cuando el marco era cuadrado, solía tener un mango; si se trataba de un bastidor en círculo, se solía agarrar de la misma tabla con la mano derecha para golpear con el bastidor en la palma de la mano izquierda.

Egipcios, griegos y romanos utilizaron un instrumento similar con marco y empuñadura de metal llamado sistro, que solía acompañar ceremonias religiosas. Algunas sectas cristianas de Etiopía y Siria, como los coptos, todavía lo usan con la misma finalidad. En España acompañó en iglesias y conventos los villancicos que se solían cantar por las fiestas de navidad y epifanía, pero quedó definitivamente relegado en los últimos tiempos al ambiente estudiantil o al medio rural, donde todavía hoy sirve de acompañamiento a los grupos de aguilanderos y rondadores.

Al menos desde la época de Covarrubias, quien ya lo escribió en su Diccionario de la Lengua Castellana o Española (1611), la definición de sonajas es "un cerco de madera, que a trechos tiene unas rodajas de metal que se hieren unas a otras y hacen un gran ruido...". La iconografía de diferentes siglos nos muestra a diversos personajes tocando este instrumento, desde músicos cortesanos (como se puede observar en una obra del siglo XV que se conserva en la Biblioteca Municipal de Lille) hasta ángeles (como en el cuadro de la Virgen de la leche que se conserva en el Museo Diocesano de Salamanca).

Fuentes: Sonajas

La comparsa.

Geniales. Sin palabras.

Escucharlo atentamente. Yo quisiera tocar así. Pero no sé como se hace. Si que lo sé: muchas horas al piano.

Geniales. Sin palabras.